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miércoles, 30 de junio de 2010

Un Hombre Soltero

Ambientada en Los Ángeles en 1962, en el punto álgido de la crisis de los misiles cubanos, “Un hombre soltero (A single man)” es la historia de George Falconer, un profesor universitario británico de 52 años que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su compañero sentimental de muchos años, Jim. George rememora el pasado y no consigue ver su futuro mientras lo seguimos a lo largo de un único día, en el que una serie de sucesos y encuentros lo llevan en última instancia a decidir si la vida tiene sentido después de Jim. George recibe consuelo de su amiga más íntima, Charley, una belleza de 48 años que también lucha con sus propias dudas acerca del futuro. Un joven estudiante de George, Kenny, que está intentando aceptar su auténtica naturaleza, acecha a George porque ve en él a un espíritu afín.

Debut de Tom Ford, consagrado diseñador de moda, que ha trabajado como director creativo de Gucci e Yves Saint-Laurent. Ford sorprendió muchísimo a sus compañeros del sector, cuando anunció que abandonaba temporalmente el mundillo de la moda, para dedicarse a dirigir cine. Había decidido adaptar al cine "Un hombre soltero", de Christopher Isherwood, emblemático libro para el movimiento gay.

Lo mejor de esta cinta es la sorprendente interpretación de Colin Firth, que se hizo con la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia. También se perfila como uno de los más que posibles candidatos a los Oscar, donde está claro que tiene posibilidades. Brilla especialmente en las secuencias que comparte con Julianne Moore, que también suena para la que sería su quinta nominación a la estatuilla, aunque su papel es breve.

Resulta eficaz su retrato del dolor causado por la muerte del ser amado, pues Tom Ford elige la vía de la sobriedad y la contención. Pero por otro lado resultan evidentes sus intenciones propagandísticas al estilo de Brokeback Mountain. Idealiza la relación homosexual del protagonista, que es el único de su entorno que ha logrado encontrar a su pareja ideal. Se sugieren las dificultades sociales que ha padecido, pero éstas son bastante mínimas, apenas sin importancia (un vecino le critica a sus espaldas porque "es de la acera de enfrente"). En general parece que se evita mostrar las consecuencias del camino que el personaje ha tomado, sobre todo porque la historia finaliza de forma algo brusca.

It's November 30, 1962. Native Brit George Falconer, an English professor at a Los Angeles area college, is finding it difficult to cope with life. Jim, his personal partner of sixteen years, died in a car accident eight months earlier when he was visiting with family. Jim's family were not going to tell George of the death or accident let alone allow him to attend the funeral. This day, George has decided to get his affairs in order before he will commit suicide that evening. As he routinely and fastidiously prepares for the suicide and post suicide, George reminisces about his life with Jim. But George spends this day with various people, who see a man sadder than usual and who affect his own thoughts about what he is going to do. Those people include Carlos, a Spanish immigrant/aspiring actor/gigolo recently arrived in Los Angeles; Charley, his best friend who he knew from England, she who is a drama queen of a woman who romantically desires her best friend despite his sexual orientation; and Kenny Potter, one of his students, who seems to be curious about his professor beyond English class.

"Un recital de lugares comunes. (...) Firth, algo más que genial, se encarga de soportar en sus carnes todo el trabajo. (...) Donde debería imponerse la intensidad, reina la afectación; donde la poesía, el ripio" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

"Cada plano es un 'spot' del buen gusto (...) el modo de transmitirla mediante el dulzor del recuerdo y la esponjosidad de la melancolía le procura una melaza especial." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Un trabajo sorprendente para un debutante (...) es puro refinamiento en todos sus ámbitos, aun a riesgo de resultar cargante en algunas de sus secuencias" (Javier Ocaña: Diario El País)

"Prometedor debut (...) una emocionante peripecia amorosa de pérdida y redención." (M. Torreiro: Fotogramas)

2009: Nominada al Oscar: Mejor actor (Colin Firth)
2009: 3 nominaciones Globos de Oro: Actor drama (Firth), actriz secundaria (Moore), bso
2009: BAFTA: Mejor actor (Colin Firth). 2 nominaciones
2009: Festival de Venecia: Copa Volpi Mejor Actor (Colin Firth)

Dirección: Tom Ford. Intérpretes: Colin Firth (George), Julianne Moore (Charley), Matthew Goode (Jim), Nicholas Hoult (Kenny), Ginnifer Goodwin (Sra. Strunk), Teddy Sears (Sr. Strunk), Jon Kortajarena (Carlos), Paulette Lamori (Alva), Ryan Simpkins (Jennifer). Guión: Tom Ford y David Scearce; basado en la novela de Christopher Isherwood. Producción: Tom Ford, Chris Weitz, Andrew Miano y Robert Salerno. Música: Abel Korzeniowski y Shigeru Umebayashi. Fotografía: Eduard Grau. Título original: A single man.  País: USA. Año: 2009. Duración: 99 min. Género: Drama.


ESTRENO DE LA SEMANA
"ECLIPSE"
Bella Swan vuelve a encontrarse rodeada de peligros, mientras Seattle se ve asolada por una oleada de misteriosos asesinatos y una maliciosa vampira prosigue su búsqueda de venganza. En medio de todo eso, Bella se ve obligada a elegir entre su amor por Edward Cullen y su amistad con Jacob, perfectamente consciente de que su decisión tiene muchas posibilidades de exacerbar la eterna rivalidad entre vampiros y hombres lobo. Con su graduación cada vez más próxima, Bella no tiene más remedio que afrontar la decisión más importante de su vida. Mientras que la mayoría de sus amigos del instituto están recibiendo cartas de aceptación en las distintas universidades y enviando avisos de graduación, Bella se encuentra tomando una decisión que le permitiría estar con su amado Edward para siempre. Pero le cuesta aceptar la condición impuesta por Edward (debe casarse con él antes de que él acepte ser quien la convierta en vampiro) y las consecuencias que estas elecciones pueden traer para sí misma, su familia y sus amigos. Entretanto, se avecina una guerra. Jugando con los puntos ciegos de los dones místicos de la familia Cullen, una fuerza desconocida ha creado un ejército de neófitos, compuesto por vampiros recién transformados, cuyo salvajismo y sed de sangre incontrolable está en su momento álgido en los primeros meses de vida sobrenatural. ¿Son peones de Victoria en su obsesiva búsqueda de venganza, o de los todopoderosos Vulturis, que pretenden asegurarse de que Bella siga adelante con su intención de hacerse inmortal? A medida que el ejército de neófitos, encabezado por Riley, avanza hacia Forks y el territorio de los quileute, los Cullen y la manada de lobos deberán dejar de lado su conflicto instintivo y formar una alianza para combatir a una amenaza mayor.

Título original: The Twilight saga: Eclipse. Dirección: David Slade. País: USA. Año: 2010. Género: Fantástico, drama, romance. Interpretación: Kristen Stewart (Bella Swan), Robert Pattinson (Edward Cullen), Taylor Lautner (Jacob Black), Billy Burke (Charlie Swan), Ashley Greene (Alice), Jackson Rathbone (Jasper), Dakota Fanning (Jane), Bryce Dallas Howard (Victoria), Jodelle Ferland (Bree), Nikki Reed (Rosalie), Kellan Lutz (Emmett), Peter Facinelli (Dr. Carlisle Cullen), Xavier Samuel (Riley), Anna Kendrick (Jessica), Kirsten Prout (Lucy), Catalina Sandino Moreno (María), Jack Huston (Royce King). Guión: Melissa Rosenberg; basado en la novela de Stephenie Meyer. Producción: Wyck Godfrey y Karen Rosenfelt. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Música: Howard Shore. Montaje: Art Jones y Nancy Richardson. Diseño de producción: Paul D. Austerberry. Vestuario: Tish Monaghan. Distribuidora: Aurum. Estreno en España: 30 Junio 2010.

martes, 29 de junio de 2010

Cometas en el Cielo

En un país dividido al borde de la guerra civil, dos niños, Amir (Zekiria Ebrahimi) y Hassan (Ahmad Khan Mahmoodzada), están a punto de separarse para siempre. Numerosas cometas, que participan en un torneo infantil, se cruzan en el intenso azul del cielo de Kabul. Pero después de ganar el torneo, la traición de un niño atemorizado pondrá en marcha los mecanismos de una catástrofe. Ahora, después de 20 años viviendo en Estados Unidos, Amir (Khalid Abdalla) regresa a Afganistán, a pesar del peligro que supone el implacable gobierno de los talibanes, dispuesto a enfrentarse con los oscuros secretos que le persiguen y a reparar el daño que hizo.

David Benioff y Marc Forster acometían una tarea ardua, pues la novela de Hosseini es rica en acontecimientos dramáticos y secretos vergonzosos, algo que dificultaba atrapar todos los conflictos sin minimizarlos y restarles entidad; y lo cierto es que en un metraje de dos horas salen bastante airosos del reto. Los cineastas atrapan las diferencias étnicas, las posiciones distintas que les toca vivir a Amir y Hassan; de modo que pintar su amistad y las ilusiones propias de la infancia, no impide reflejar en el primero su falta de coraje, el abuso del que puede hacer por su posición de superioridad, y en el segundo una lealtad a machamartillo, que incluso en algún momento podría parecer servil, aunque esté dictada por un amor que le llevaría a hacer lo que hace "una y mil veces", como se repite en varios momentos. Además, se evita que, por la acumulación de situaciones más o menos tremendas -el enfrentamiento de los chicos en la calle, la escena más fuerte de la novela, resuelta con elegancia, además del viaje a la frontera, las difíciles relaciones y la enfermedad del padre, o el regreso al Afganistán de los talibanes...- la película adquiera tintes folletinescos; hay una apuesta por la sobriedad y la contención muy de agradecer. El film habla de los errores -o siendo más claros, los pecados- que todo ser humano comete, junto al sentido de culpa, y la posibilidad de reparar por ellos y redimirse a través del perdón y la entrega al otro, y por la mirada a Dios, resumida en la frase "Hay un camino para volver a ser bueno". Resulta obligado referirse al reparto, perfecto, de actores desconocidos, casi todos reclutados en Afganistán. Los niños son muy naturales, y los adultos hacen un buen trabajo. De éstos sólo puede sonar, tal vez, el rostro de Amir adulto, Khalid Abdalla, a quien se pudo ver en United 93.



In the 70's in Afghanistan, the Pushtun boy Amir and the Hazara boy Hassan, who is his loyal friend and son of their Hazara servant Ali, are raised together in Amir's father house, playing and kitting on the streets of a peaceful Kabul. Amir feels that his wise and good father Baba blames him for the death of his mother in the delivery, and also that his father loves and prefers Hassan to him. In return, Amir feels a great respect for his father's best friend Rahim Khan, who supports his intention to become a writer. After Amir winning a competition of kitting, Hassan runs to bring a kite to Amir, but he is beaten and raped by the brutal Assef in an empty street to protect Amir's kite; the coward Amir witness the assault but does not help the loyal Hassam. On the day after his birthday party, Amir hides his new watch in Hassam's bed to frame the boy as a thief and force his father to fire Ali, releasing his conscience from recalling his cowardice and betrayal. In 1979, the Russians invade Afghanistan and Baba and Amir escape to Pakistan. In 1988, they have a simple life in Fremont, California, when Amir graduates in a public college for the pride and joy of Baba. Later Amir meets his countrywoman Soraya and they get married. In 2000, after the death of Baba, Amir is a famous novelist and receives a phone call from the terminal Rahim Khan, who discloses secrets about his family, forcing Amir to return to Peshawar, in Pakistan, in a journey of redemption.

"La poesía como producto. (...) Acude a las señas más afectadas de la novela, dejando a los personajes en una situación cercana al estereotipo y subrayando el tono folletinesco de la historia." (Javier Ocaña: Diario El País)

"La película puede esgrimir en su defensa que parte de una novela escrita por un "nativo" (...) a dicha obra cabe achacar la elipsis geopolítica, los excesos melodramáticos." (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

"Una película bonita pero poco verosímil y sólo a ratos conmovedora." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

"Dos niños, muchas cometas, pero poca política y menos compromiso social. (...) Su mayor problema es que escenifica grandes momentos emocionales con intenciones puramente melodramáticas." (Nando Salvá: Cinemanía)

2007: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora
2007: 2 Nominaciones al Globo de oro: Mejor película de habla no inglesa, bso
2007: 3 Nominaciones BAFTA: Mejor película de habla no inglesa, música, guión adaptado

Director: Marc Forster. Intérpretes: Khalid Abdalla (Amir), Homayoun Ershadi (Baba), Zekiria Ebrahimi (Amir de niño), Ahmad Khan Mahmoodzada (Hassan de niño), Shaun Toub (Rahim Khan), Nabi Tanhua (Ali), Ali Danesh Bakhtyari (Sohrab), Saïd Taghmaoui (Farid), Atossa Leoni (Soraya), Abdul Qadir Farookh (general Taheri). Guión: David Benioff; basado en la novela "Cometas en el cielo" de Khaled Hosseini. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Roberto Schaefer. Título Original: The kite runner. País: USA. Año: 2007. Duración: 122 min. Género: Drama.

lunes, 28 de junio de 2010

United 93

"United 93" relata la historia de los pasajeros y de la tripulación, de las familias en tierra y de los controladores aéreos que vieron con creciente horror cómo el vuelo 93 de United Airlines se convertía en el cuarto avión secuestrado el día que tuvo lugar el peor ataque terrorista jamás perpetrado en territorio estadounidense: el 11 de septiembre de 2001. "United 93" recrea el fatal vuelo en tiempo real, desde el despegue, pasando por el secuestro, hasta el momento en que los pasajeros se dan cuenta de que forman parte de un plan de ataque perfectamente coordinado. La película intenta entender el miedo y las valientes decisiones de esas personas que, en 90 minutos, pasaron de ser meros pasajeros de un avión a convertirse en íntimos aliados enfrentados a una situación impensable. Dado que no existe un informe exacto que describa el secuestro y la reacción de los rehenes con suficiente detalle, el director improvisa con gran cuidado algunos de los hechos con un reparto coral de actores desconocidos encargados de interpretar a sus equivalentes reales.

En Bloody Sunday (Domingo sangriento), Paul Greengrass reconstruía cámara en mano, en un estilo cercano al documental, la célebre tragedia ocurrida en Derry, durante una manifestación que acabó inesperadamente en una matanza. Greengrass hace ahora lo propio con la historia de uno de los aviones secuestrados durante la terrible jornada del 11 de septiembre, tras haber demostrado su valía para la ficción, con El mito de Bourne. Se trata de la primera película de Hollywood sobre los terribles acontecimientos del 11-S, estrenada poco antes de World Trade Center, de Oliver Stone. Como es sabido, el United 93 fue el cuarto avión secuestrado, tras los dos que se estrellaron contra las Torres Gemelas y el que impactó contra el Pentágono. El vuelo 93 de United Airlines no alcanzó su objetivo, la Casa Blanca, sino que se estrelló por razones desconocidas en Pensilvania. La explicación más probable es que ello se debió a que los pasajeros se rebelaron contra sus captores.

Desde ese fatídico día, han corrido ríos de tinta sobre el asunto, y circulan numerosas teorías contradictorias sobre lo ocurrido. Greengrass, también autor del guión, se ha basado en todos los testimonios que han salido a la luz, de los controladores aéreos, los familiares de las víctimas que hablaron con ellas, las grabaciones de la caja negra, que fueron hechas públicas por el gobierno. También trata de rellenar algunos puntos, con las teorías más plausibles, por ejemplo, en el método utilizado por los terroristas para reducir a la tripulación. Y apunta a la falta de reacción del gobierno de EE.UU. ante un ataque que les pilló completamente desprevenidos.

Ha elegido el cineasta actores completamente desconocidos, pero bastante eficaces, lo que acentúa la sensación de realidad, como el hecho de que el film esté narrado a tiempo real. Repleto de momentos de enorme intensidad dramática, como cuando los pasajeros se rebelan, obviamente se trata de un film tan duro como la historia que retrata. Refleja lo mejor y lo peor del ser humano, subrayando sobre todo el heroísmo colectivo de un grupo de desconocidos, por lo que entre tanta barbarie, queda cierto resquicio para la esperanza.


TRAILER
"Un robusto, profundamente visceral y cautivador retrato de los trágicos eventos (...) Es tremendamente intrigante, sobre todo teniendo en cuenta que sabemos el final.." (Claudia Puig: USA Today)

"No es demasiado pronto para 'United 93' (...) Un magistral y sobrecogedor film, que hace honor a las víctimas.." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Tremenda recreación en tiempo real (...) Greengrass impregna su ficción de un terrible aire documental en el que los minutos vuelan pero los segundos pesan y oprimen la pechera.." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Escalofriante (...) el resultado es espeluznante, pero brillante, y respetuoso, y no es lacrimógeno porque sí." (Borja Hermoso: Diario El Mundo)

"Apasionante reconstrucción de los hechos (...) Lo mejor: los 20 minutos finales. Lo peor: sobra jerga de controlador aéreo." (Sergi Sánchez: Fotogramas)

2006: 2 nominaciones al Oscar: Mejor director, montaje
2006: 2 premios BAFTA: Mejor director, montaje. 6 nominaciones
2006: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película

Dirección y guión: Paul Greengrass. Intérpretes: Becky London (Jean Peterson), Cheyenne Jackson (Mark Bingham), Chip Zien (Mark Rothenburg), Chloe Sirene (Honor Wainio), Christian Clemenson (Thomas Burnett), Corey Johnson (Louis Nacke), Daniel Sauli (Richard Guadagno), David Alan Basche (Todd Beamer), David Rasche (Donald Greene), Denny Dillon (Colleen Fraser), Erich Redman (Christian Adams). Música: John Powell. Fotografía: Barry Ackroyd.Países: USA, Francia y Reino Unido. Año: 2006. Duración: 91 min. Género: Drama.

domingo, 27 de junio de 2010

Corazón Rebelde

Bad Blake es un cantante de country cincuentón, que fue toda una celebridad, pero que ahora, sobre todo por culpa del alcohol, se limita a actuar en antros de medio pelo, a lo largo y ancho de Estados Unidos. Nuestro hombre está todo el día pegado a la botella de whisky, y no ha conseguido echar raíces, cuatro matrimonios de breve duración dan fe de ello. Durante una de sus actuaciones en Santa Fe, una joven periodista y madre soltera, Jean Craddock, pide entrevistarle. Él al principio sólo piensa en hacer un favor al tipo que ha pedido que la atienda, pero pronto surge una atracción que es también añoranza por las cosas buenas de la vida, que ha dejado pasar de largo en su largo camino como cantante.

Emotivo film escrito, dirigido y producido por Scott Cooper, actor más bien desconocido. Adapta una novela de Thomas Cobb, y al parecer logró encandilar al mismísimo Robert Duvall, con quien coincidió en el plató de Get Low, para que la produjera; incluso el mítico actor se reserva un pequeñó papel como el mejor amigo de Bad, la voz de su conciencia por así decir; sin duda que a Duvall le vino a la cabeza Gracias y favores, la película que le dio el Oscar, a la hora de involucrarse en este film.

Cooper rueda con exquisito clasicismo para pintar la vida de todo un cowboy, el clásico texano independiente, un papel el de Bad que Jeff Bridges borda, su composición está llena de matices.

Inteligentemente Cooper despliega, con formato de 'road-movie' marcado por el manager, que le señala telefónicamente adónde le toca viajar, los temas sobre los que se articula la película: el alcoholismo de Bad, los celos porque Tommy, un joven cantante country, sea la estrella del momento, en su detrimento; los encuentros con la buena gente del medio oeste; y por supuesto, la aparición de Jean -tiene un enorme mérito la interpretación de Maggie Gyllenhaal, que aguanta bien al 'gigante' que tiene ante ella, actor y personaje-, detonante de una posible redención, que pasa por el reconocimiento de un pasado con muchos puntos negros y el consiguiente sacrificio de volver a empezar. Todos estos temas son tratados con honestidad, si soluciones facilonas, con enorme talento, más aún si se tiene en cuenta que Cooper es un novato en las lides de dirigir películas.

En un film como el que nos ocupa juegan papel esencial las canciones. Más cuando Bad, que las compone, ha sabido plasmar en ellas con desgarrador lirismo sus problemas personales, a modo de exorcismo. El nivel logrado por T-Bone Burnett y el fallecido Stephen Bruton es formidable, sus temas dan el tono requerido por la película. Hay momentos muy emotivos donde la música contribuye de modo decisivo, como el concierto en que el telonero Bad comparte escenario con Tommy, o esa canción que le define tan bien, "es extraño lo parecido que es caer y volar, durante un rato".

TRAILER

Fifty-seven year old Otis Blake - better known by his stage name Bad Blake - is a minor legend as a country & western singer. But that minor legend status only allows him currently to perform in not even B-rate venues such as bowling alleys, although he does have a standing gig to perform at his friend Wayne Kramer's bar in Houston. Bad is an overweight, chain-smoking alcoholic. He is informed by a doctor that his self-destructive lifestyle will send him to an early grave. This self-destructive behavior has also led to several failed marriages and a grown son who he has not seen since he was aged four and whose current whereabouts Bad does not know. While performing in Santa Fe, Bad meets newspaper journalist Jean Craddock, who wants to do a piece on him for her newspaper. Despite the differences in their ages, Jean and Bad begin a relationship. Jean and her four year old son Buddy are the closest thing Bad has had to a family in quite some time. Bad's professional career also takes a turn when he reconnects with a more famous former touring partner named Tommy Sweet, who wants Bad to write some songs for him. What looks to be both a promising professional and personal future for Bad may be jeopardized by his long standing self-destructive lifestyle. 

"Hemos visto esta historia antes. La diferencia es que aquí Bad Blake logra hacernos creer que eso le pasó a 'él'. Eso es actuar. " (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Una formidable y desgarradora interpretación de Jeff Bridges impulsa esta simple pero conmovedora historia de redención." (Nev Pierce: Empire)

"La vulgar y simple historia en "Crazy Heart" sobre un cantante country en horas bajas se alza gracias al retrato crudo y sentido que Bridges parece hacer sin el menor esfuerzo. " (Claudia Puig: USA Today)

"'The Wrestler' con bourbon en lugar de esteroides (...) Crazy Heart' es humildemente brillante, una película pequeña hecha con elegancia " (Kyle Smith: New York Post)

"Es una película bonita y agridulce, con alguna tentación de blandura, con momentos previsibles, bien contada. Pero tiene algo excepcional. Bridges (...) es estilo, sutileza, magnetismo, humanidad. Hasta canta bien." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Aquí Bridges da otra muestra de sobriedad dentro de la grandeza en un trabajo muy de a pie. Es una mirada a la carretera, de nuevo en ruta con los viejos vaqueros del country" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

2009: 2 Oscars: Mejor actor (Jeff Bridges), canción. 3 nominaciones
2009: 2 Globos de Oro: Mejor actor principal - drama (Jeff Bridges), canción
2009: Premios Independent Spirit: Mejor actor (Jeff Bridges)

Director: Scott Cooper. Intérpretes: Jeff Bridges (Bad Blake), Maggie Gyllenhaal (Jean Craddock), Robert Duvall (Wayne), Tom Bower (Bill Wilson), James Keane (gerente), William Marquez (doctor), Ryan Bingham (Tony), Paul Herman (Jack), Rick Dial (Wesley Barnes). Guión: Scott Cooper; basado en la novela de Thomas Cobb. Producción: Robert Duvall, Rob Carliner, Judy Cairo y T. Bone Burnett. Música: Stephen Bruton y T. Bone Burnett. Fotografía: Barry Markowitz. Título original: Crazy heart. País: USA. Año: 2009. Duración: 113 min. Género: Drama, musical, romance.

sábado, 26 de junio de 2010

Rastro Oculto


El FBI cuenta con un departamento que se dedica únicamente a investigar y perseguir a los delincuentes que actúan en Internet. La agente especial Jennifer Marsh (Diane Lane) creía haberlo visto todo... hasta ahora. Un depredador cibernético cuelga torturas y asesinatos en su página web. El destino de sus prisioneros depende del público: cuantas más visitas registre su página web, más deprisa morirán las víctimas. Cuando el juego del gato y el ratón se convierte en algo personal, Jennifer y su equipo deberán lanzarse a una carrera contrarreloj para encontrar a este asesino.

Convencional thriller dirigido por el artesano Gregory Hoblit, que llamó especialmente la atención tras La guerra de Hart. Aquí ofrece un film muy a su estilo, cuya trama gira en torno a la aparición de un asesino en serie que por medio de sofisticados mecanismos logra que la muerte de sus víctimas pueda observarse por internet en tiempo real. Es más, su mente enferma ha diseñado un sistema por el que son los propios cibernautas quienes las torturan y matan, ya que cuantas más visitas tenga la página más rápido morirá el pobre infeliz de turno. Tras la pista del psicópata está la agente del FBI Jennifer Marsh, especializada en delitos informáticos.

Lo mejor del film son la lograda ambientación y el tono oscuro de la historia, pero esto no es suficiente para ensalzar un guión pobre, sin aristas, y cuyo punto central ya está demasiado cogido por los pelos. Es cierto que ofrece una seria crítica a la utilización irresposable de internet y a la tendencia enfermiza que muchos usuarios tienen al voyeurismo y a la complicidad con el mal, amparados en el anonimato que proporciona la red. Pero el desarrollo del argumento propiamente dicho es excesivamente lineal, de modo que los hechos no hacen otra cosa que seguir su curso natural, sin giros ni sorpresas. Todo se reduce a un sencillo juego del ratón y el gato, y ni siquiera el simple y algo tramposo desenlace es satisfactorio. Por otra parte, los personajes son superficiales y tienen tan poco recorrido, que aunque Diane Lane se esfuerza meritoriamente con su papel, el resultado sólo puede llegar a correcto. Por destacar algo se pueden mencionar las "originales" y terribles torturas ideadas por el asesino, y la escena de la grabación de la casa.



A secret service agent, Jennifer Marsh, gets caught in a very personal and deadly cat-and-mouse game with a serial killer who knows that people (being what they are - both curious and drawn to the dark side of things) will log onto an "untraceable" website where he conducts violent and painful murders LIVE on the net. The more people who log on and enter the website, the quicker and more violently the victim dies.

"Un thriller aterrador, inteligente y narrado de forma seca, sin piedad." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
 
"Puede que veas 'Untraceable', como yo, como un repugnante ejemplo del voyerismo que pretende condenar." (Stephen Holden: The New York Times)

"Ya desde su primera escena, 'Untraceable' no es el sofisticado y agudo thriller que está a punto de ser, sino simplemente otra película sobre un asesino en serie." (Ann Hornaday: The Washington Post)

"El discurso puede parecer maniqueo y, en su parte final, cerca del desvarío. Pero se basa en un hecho incontestable: la fascinación por la violencia" (Javier Ocaña: Diario El País)

"El espectador no entiende el modus operandi del criminal y, por tanto, no se lo cree. Lo peor: la hipocresía de incurrir en el vicio denunciado al inventar y escenificar asesinatos especialmente dolorosos." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

Director: Gregory Hoblit. Intérpretes: Diane Lane (Jennifer Marsh), Billy Burke (detective Eric Box), Colin Hanks (Griffin Dowd), Joseph Cross (Owen), Mary Beth Hurt (Stella), Daniel Liu (Tom Moy), Perla Haney-Jardine (Annie), Peter Lewis (Richard Brooks), Chris Cousins (David Williams), Brynn Baron (Sra. Miller). Guión: Robert Fyvolent, Mark R. Brinker y Allison Burnett.Música: Christopher Young. Fotografía: Anastas Michos.País: USA. Año: 2008. Duración: 100 min. Género: Thriller.

viernes, 25 de junio de 2010

This is It

 
Este es el aporte de este blog a la leyenda que ha dejado tras de su partida el REY DEL POP, luego de un año de su partida su legado sigue.

Primavera de 2009. Michael Jackson inicia el montaje de una serie de 50 conciertos en Londres. En junio, los espectáculos se van al traste por la inesperada muerte del cantante, pero el director Kenny Ortega (High School Musical), máximo responsable del show con el propio Jackson, anuncia que había rodado imágenes de los ensayos. Sony pagó 60 millones de dólares por este material, y encargó al propio Ortega que seleccionara los mejores momentos para componer un documental.

El film ha desatado -antes de su estreno- cierta polémica, pues algunas personas afirman que se está sobreexplotando a nivel comercial la muerte del Rey de Pop. Otro sector insinúa que el documental muestra sólo la parte buena de Jackson, pero que estaba mucho peor de lo que parece viendo la cinta... Según ellos, era evidente que estaba enfermo, pero los promotores del concierto decidieron callar, pensando en la gran cantidad de millones que iban a ganar...

Sea como fuere, y sin entrar en controversias, las imágenes de Ortega son bastante espectaculares. Michael Jackson aparece a sus cincuenta años en plena forma, ejecutando unas coreografías que dejan boquiabierto al espectador. Es de agradecer que el realizador se haya centrado únicamente en el espectáculo, es decir que no se mencionan las circunstancias de su muerte, ni las especulaciones sobre un posible asesinato, etc. Todos los testimonios son referentes al montaje del concierto, y los entrevistados son sus técnicos, músicos y bailarines, que hablan de los diferentes números musicales que iba a incluir en el mismo, o de la gran oportunidad que supone para ellos trabajar con "el más grande".

El que vaya al cine buscando algo que no sea Michael Jackson en acción, no lo va a encontrar. Una vez aceptada esta premisa, This is it es bastante recomendable, no sólo para los apasionados del artista, sino para el público en general. El divo preparaba minuciosamente todos los detalles, seleccionaba a artistas de primera para que le acompañaran en el escenario y aderezaba sus interpretaciones con unos efectos especiales y unas imágenes excepcionales. This is It es toda una caja de sorpresas.

Destaca especialmente "They Don't Care About Us", donde mediante la magia digital, Jackson iba a estar acompañado de una enorme multitud de bailarines. En "Smooth Criminal", Jackson aparecería en una pantalla gigante recogiendo el guante que arroja Rita Hayworth en Gilda, y compartiendo plano con el mismísimo Humphrey Bogart. En "Thriller", se usaban imágenes en 3D y unos fantasmas mecánicos que iban a deambular de un lado a otro, y que eran conocidos como los 'novios cadáver'. En "Heal the World" iba a lanzar un mensaje ecológico, mediante emotivos planos de la selva. Es realmente una pena que no se vayan a hacer nunca esos conciertos.

El documental se muestra en todas las salas en versión original -incluyendo cines donde se exhiben normalmente las películas dobladas-. Además, incluye alguna imagen de propina tras los títulos de crédito, por lo que merece la pena quedarse.



The film opens with a short text introduction stating the purpose of the footage and its intent "For the fans...". After short dialogues from various dancers, Kenny Ortega is heard talking through the original concert opening sequence involving a body suit made from screens which display fast clips and images with bright intensity from which Jackson emerges on stage. Immediately after this, Jackson begins "Wanna Be Startin' Somethin'" first solo, which pauses half-way through and a small snippet of Jackson singing his song "Speechless" acapella is shown. Jackson is then joined by dancers and completes the first number. A short clip showing rehearsals of the "toaster" mechanism is shown before rehearsal footage of "Jam" is played. This plays directly into the green screen adaption of soldiers dancers for "Bad" which are also used for "They Don't Really Care About Us" which is shown next. From here, the film shows Michael directing Ortega and his band for his solo rehearsal performance of "Human Nature" which he performs acapella, then acoustic and finally with full band. Green screen rehearsals for the video vignette for "Smooth Criminal" come next, with dress rehearsals of the song following, including parts of the vignette intertwined with the dancing. Jackson is seen next directing his musical team for the cues in his song "The Way You Make Me Feel." Jackson then performs a rehearsal with dancers which he alters and changes as he goes. A small animatic introducing the Jackson 5 is shown afterwards, and Michael then rehearses "I Want You Back", "The Love You Save", "I'll Be There" and "Shake Your Body." Jackson stops only to report problems with his earpiece. After this, Jackson sings with one of his back up singers on his duet song "I Just Can't Stop Loving You" in which he sings at full strength, directing his partner as he goes. The filming for the "Thriller" vignette is then shown with Jackson and Ortega watching with 3D glasses. Jackson is then seen rehearsing "Thriller" with the vignette intertwined like that in "Smooth Criminal." During the dance sequence, puppets are suspended in the audience aisles while Jackson emerges from a robotic spider originally seen in the vignette. Jackson and Ortega rehearsing the cherry-picker is seen next, along with Jackson rehearsing "Beat It." Jackson creates the ending he wants for the song, a long drum build up in which he tears off his jacket and burns it. Footage of the show's aerialists rehearsing to the instrumental of "Who Is It" is shown next, followed by the Jackson and his band rehearsing "Black or White," in which he allows guitarist Orianthi Panagaris to take center stage to finish with a high guitar rift. The video-sequence for "Earth Song" is shown next, featuring a small girl who wanders through an abundant forest, falls asleep, and wakes up to find the forest destroyed by man. Jackson then performs the song both onstage and using the cherry-picker, with his voice being heard at the end telling of the dangers of Global Warming and the lack of reversible time left. Afterwards, Michael is seen conversing with Ortega, his dancers and band about the shows, trivial dance moves and his hopes for the concert series. He then performs a quick version of his song "Billie Jean" featuring an extra dance sequence. Michael is then seen talking to all crew members and wishing everyone the best for the London performances. At a sound check, Jackson performs "Man In The Mirror" with strong backing vocals. The film ends with Jackson with his arms extended on stage with the message: "Michael Jackson King of Pop Love Lives Forever.

"Un documental extraordinario, para nada lo que esperaba ver. Aquí no hay un hombre enfermo y drogado forzándose a agotadores ensayos, sino un espíritu encarnado en música. Michael Jackson fue algo más." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Lo que vemos en este film que no se pueden perder (...) es a un artista tratando de que el MJ del escenario coincida con el MJ de su cabeza. Contemplar su esfuerzo es revelador, inquietante e inolvidable." (Peter Travers: Rolling Stone)

"Hay una increíble cantidad de materia para disfrutar, y los fans de la estrella entrarán en éxtasis. (...) ensamblada con gran cuidado, (...) Incluso con sus casi dos horas, el film se te hace demasiado corto." (Andrew Barker: Variety)

"This is it no muestra ni una experiencia total de Jackson en el escenario ni un retrato revelador de su compleja mentalidad. A pesar de ello no deshonra su memoria, y no se puede negar el poder de su música." (Ian Freer: Empire)

"Lo mejor que se puede decir es que es un mero sketch de lo que Jackson parecía capaz de ofrecer en Londres. (...) Para un hombre que quería tan desesperadamente mostrarnos la perfección -o al menos proyectarnos su ilusión- Jackson nunca habría querido que viéramos este film." (Chris Richards: The Washington Post)

"Un precipitado y desigual monumento al hombre, su obra y los intereses comerciales de aquellos que ha dejado atrás. (...) El resultado en pantalla es extraño y vistoso, a ratos frustrante y entretenido, y como era previsible un poco morboso." (Manohla Dargis: The New York Times)

"This is it impresiona aunque el espectador llegue cargado de recelos. (...) el documental tiene sentido. (...) ofrece una fascinante mirada sobre los intríngulis de una gira de gama alta." (Diego A. Manrique: Diario El País)

"No es la despedida que sus fans hubieran soñado, pero es una despedida digna, poderosa e intensa." (David Broc: Fotogramas)

Dirección: Kenny Ortega. País: USA. Año: 2009. Duración: 112 min. Género: Documental, musical. Intervenciones: Michael Jackson, Orianthi. Producción: Paul Gongaware, Randy Phillips y Kenny Ortega. Fotografía: Kevin Mazur. Montaje: Don Brochu, Brandon Key, Tim Patterson y Kevin Stitt. Dirección artística: Michael Cotten.








ESTRENO DE LA SEMANA
“Tenías que ser tú”

Amy Adams interpreta a una mujer un tanto estresada que viaja hasta Dublín para proponerle matrimonio a su novio el 29 de febrero —de ahí precisamente procede el título de la cinta, “Año bisiesto”—, siguiendo así una tradición irlandesa. Sin embargo, las complicaciones climáticas desbaratarán sus planes de viaje, y la joven tendrá que pedirle ayuda a un maleducado posadero, con el que se embarcará en una travesía a pie por el país para llegar a la cita a tiempo.

Título original: Leap year. Dirección: Anand Tucker. País: USA. Año: 2009. Género: Comedia romántica. Interpretación: Amy Adams (Anna), Matthew Goode (Declan), John Lithgow (Jack), Kaitlin Olson (Libby), Adam Scott (Jeremy). Guión: Deborah Kaplan y Harry Elfont. Producción: Gary Barber, Chris Bender, Rober Birnbaum, Jonathan Glickman y Jake Weiner. Música: Randy Edelman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Montaje: Nick Moore. Diseño de producción: Mark Geraghty. Vestuario: Eimer Ní Mhaoldomhnaigh. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en USA: 8 Enero 2010. Estreno en España: Agosto 2010.

jueves, 24 de junio de 2010

Leaving Las Vegas

Ben bebe demasiado y acaba de perder su trabajo como guionista de Hollywood. En un arranque de osadía y desesperación se marcha a Las Vegas dispuesto a vivir al límite. Una vez allí bebe todo el alcohol que está a su alcance con el único objetivo de morir de una vez. En su estancia conoce a Sera, una prostituta que huye de su chulo. Ambos iniciarán un recorrido por la ciudad de las luces y el dinero, aceptando lo que el destino quiera depararles.

Nicolas Cage (60 segundos, Next) y Elisabeth Shue (El santo, El hombre sin sombra) protagonizan la trágica historia de dos almas perdidas que encuentran juntos una luz al final del túnel de sus patéticas vidas. El director Mike Figgis se basó en una novela de John O'Brien, escritor que no pudo ver su obra en la pantalla, pues desgraciadamente se suicidó unos días antes del estreno de la película. El film es duro y en algún momento resulta excesivo en su tratamiento del sexo, especialmente en su rebuscado desenlace. La desgarrada y cruda interpretación de Cage le valió el Oscar al mejor actor. La película obtuvo además otras tres nominaciones en las categorías de actriz, director y guión adaptado.


Because his wife left him and took his son with her, screenwriter Ben Anderson has started drinking, a lot. He's getting more and more isolated and he troubles women in bars because he wants to have sex with them. When he gets fired, he decides to leave everything behind and move to Las Vegas and drink himself to death. In Las Vegas he meets Sera, a prostitute with some problems as well who he moves in with.

"Bello y granítico directo a las buenas costumbres" (Luis Martínez: Diario El País)

1995: Oscar: Mejor actor (Nicolas Cage). 4 nominaciones
1995: Globo de Oro: Mejor actor (Nicolas Cage). 4 nominaciones
1995: 3 nominaciones BAFTA: Mejor actor (Cage), actriz (Elisabeth Shue), guión adaptado
1995: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película
1995: San Sebastián: 2 premios
1995: National Board of Review: Mejor actor (Nicolas Cage)

Director: Mike Figgis. Intérpretes: Nicolas Cage, Elisabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis, Steven Weber, Valeria Golino, Laurie Metcalf, Vincent Ward, Danny Huston, Bob Rafelson, Mark Coppola, Carey Lowell, Julian Lennon, Lou Rawls, Mariska Hargitay, R. Lee Ermey. Guión: Mike Figgis. Música: Mike Figgis. Fotografía: Declan Quinn.Duración: 112 min. Año: 1995. Género: Drama.

Auto Focus

Ambientada en los años sesenta, narra el éxito y su posterior derrota, la victoria y la caída a los infiernos del actor y locutor de radio Bob Crane, un hombre “con problemas de imagen”; por un lado, de cara al público, Bob era el prototipo del padre norteamericano. Pero, por el otro, era un impenitente mujeriego aficionado a la pornografía que fue incapaz de mantenerse fiel a sus dos esposas.

Duro film basado en la vida del actor Bob Crane, célebre por la serie televisiva Los héroes de Logan, una sátira sobre el nazismo. El atormentado cineasta Paul Schrader cuenta las esquizofrénicas peripecias de Crane, quien conjugaba una vida familiar de apariencia normal con su enfermiza afición a grabar en vídeo sus juergas sexuales. Schrader muestra los extremos de degradación a que puede conducir la adicción al sexo.


Bob Crane was a radio comedian when he was offered the part of Hogan on Hogan's Heroes. Also an avid photographer, his favorite subject was the female form. He then met John Carpenter, an electronic technician, who introduced him to the new thing, video equipment. John was also a swinger, who turned Bob into a sex addict. And it's this compulsion that would not only end his marriage but also make Bob virtually unhireable.

"El protagonista aporta a su personaje el punto justo entre lo lúdico y lo patológico. (...) Buena." (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)


Director: Paul Schrader. Intérpretes: Greg Kinnear (Bob Crane), Willem Dafoe (John Carpenter), Maria Bello (Sigrid Valdis), Rita Wilson (Anne Crane), Ron Leibman (Lenny), Bruce Solomon (Feldman), Michael E. Rodgers (Richard Dawson), Kurt Fuller (Coronel Klink), Christopher Neiman (Robert Clary), Lyle Kanouse (John Banner / Sargento Schultz), Ed Begley Jr. (Mel Rosen). Guión: Michael Gerbosi; basado en el libro 'The murder of Bob Crane' de Robert Graysmith. Música: Angelo Badalamenti. Fotografía: Fred Murphy. Título Original: Auto focus. (AKA "Desenfocado"). Año: 2002. País: USA. Duración: 105 min.

miércoles, 23 de junio de 2010

Mulholland Drive

Una joven alegre, frágil y algo ingenua, Betty (Naomi Watts), llega a Los Angeles dispuesta a ser una gran actriz , y se aloja en el apartamento prestado por su tía. Allí se encontrará con Rita (Laura Elena Harring), una mujer amnésica, única superviviente de un accidente en la carretera de Mulholland Drive. En la misma ciudad, un egocéntrico director de cine ve cómo tiene que someterse a los productores de su película, que le imponen a la protagonista. Las tres tramas se entrecruzarán misteriosa y oscuramente en búsqueda de su identidad perdida, con personajes que se debaten entre el amor y la muerte, entre el éxito y el fracaso.

Con formato de thriller, David Lynch cuenta la relación entre dos mujeres, Betty y Rita, que se conocen casualmente. Una es ingenua e idealista, y aspira a ser actriz; la otra sufre amnesia, aunque se adivina un turbio pasado. Lo que parece una hermosa amistad, se convierte en caprichosa relación lésbica, mostrada con crudeza; es el punto de inflexión escogido por Lynch para dar la vuelta a la tortilla peliculera. Realidad y sueño (o ensoñaciones producto de la frustración), poco importa. Crítica a Hollywood, cualquiera sabe. Lo que el director y guionista logra, con hábil uso del sonido y la cámara, es atrapar al espectador, como en los mejores tiempos de Terciopelo azul. Le toma el pelo, con breves sketches de personajes prescindibles; pero vuelve a recuperarle cual diestro ilusionista, como en las escena del casting.

Lynch entrega un impecable, inteligente ejercicio de estilo: alimenta expectativas, crea atmósferas malsanas, hace dudar sobre qué es verdad y qué es mentira. Y aprovecha la baza de dos magníficas actrices, las desconocidas Naomi Watts y Laura Harring, que soportan bien el peso de la historia. Unos amarán la película, otros la odiarán: pero a nadie dejará indiferente, porque Lynch, sin duda, sabe hacer cine.

En verdad es un filme que no se entiende pero, puestos a especular... "Mulholland Drive", tan fascinante como confusa, es una película donde Lynch recurre a las mismas actrices para interpretar diferentes personajes -lo cual despista totalmente al espectador- dejando, como única interpretación más o menos "lógica" (no se preocupen, no hay spoilers que valgan), una narración sobre el destino pasado y futuro de una amnésica y una aspirante a actriz -que ayuda a la primera a resolver su identidad-. Pero claro... eso es lo que yo creí entender, otros la interpretan como una ordenación atemporal de una historia que ofrece dos posibilidades o alternativas paralelas. En cualquier caso, absorbente o irritante, otra obra singular del Lynch más onírico que no deja a nadie indiferente.


After a brutal car accident in Los Angeles, California, Rita is the sole survivor but suffers mass amnesia. Wandering into a strangers apartment downtown, her story strangely intertwines with Betty Elms, a perky young woman in search of stardom. However, Betty is intrigued by Rita's situation and is willing to put aside her dreams to pursue this mystery. The two women soon discover that nothing is as it seems in the city of dreams.

"Esta es una película a la que te tienes que rendir. Si buscas lógica, ve otra cosa. Mulholland Drive va directamente a las emociones, como la música." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Probables o no, estos detalles no significan nada en un argumento convencional, pero como imágenes poderosas, como películas de un mundo imaginario, son inolvidables. Y esa, como probablemente diría David Lynch, es excactamente la intención." (Kenneth Turan: Los Angeles Times)

"Mientras uno ve 'Mulholland Drive', uno pregunta si algún cineasta ha usado el cliché de Hollywood de 'fábrica de sueños' más profundamente que David Lynch. (...) Lynch da un extraordinario salto para abrazar lo irracional. (...) una gran película" (Stephen Holden: The New York Times)

"Brillante y retorcida, artificiosa y, obviamente, sobrevalorada (...) Lynch juega a hacernos creer que él tampoco entiende qué demonios ocurre al final, ni en medio..." (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

"Lynch vuelve a su cine caótico y pedante con 'Mulholland Drive'. La película es una sucesión de escenas deshilvanadas que componen una auténtica ceremonia de la confusión. En efecto la trama se va bifurcando en miniaventuras e incidentes cuya aparición no es explicada en su momento del metraje, ni será explicada tampoco al final. Las imágenes, además, no tienen magia ni magnetismo, como pretenden. (...) Lynch, a quien se le elogia por ser arbitrario, hace de las suyas. Es un enfant terrible y un niño mimado. Pero el cine tiene sus reglas y se paga transgredirlas, sobre todo a cambio de nada. Tarde o temprano." (Manolo Marinero: Diario El Mundo)

"Lynch se rinde homenaje en esta genial (y confusa) obra. (...) un puzzle con más huecos que piezas, llena de impulsos inconscientes." (Bárbara Escamilla: Cinemanía)

"Lynch regresa a sus ambientes oníricos en un filme que envuelve al espectador en un turbio desasosiego. (...) varias historias cruzadas; aunque tal vez sean la misma, pero vista desde varios ángulos. Las fascinantes imágenes que inundan 'Mulholland Drive' plantean muchas preguntas, pero aportan pocas respuestas. Quizá por eso el propio Lynch confesó que desconocía el significado del desconcertante desenlace de esta obra inclasificable." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

2001: Nominada al Oscar: Mejor dirección
2001: 4 Nominaciones al Globos de Oro: Película, director, guión, bso
2001: BAFTA: Mejor montaje. 2 nominaciones
2001: Festival de Cannes: Premio Mejor Director (David Lynch). 2 nominaciones
2001: Círculo de Críticos de New York: Mejor Película
2001: Cesar: Mejor película extranjera
2001: National Board of Review: Mejor actriz (Naomi Watts)
2001: Festival de Toronto: Mejor director

Dirección y guión: David Lynch. Intérpretes: Naomi Watts (Betty Elms / Diane Selwyn), Laura Elena Harring (Rita / Camilla Rhodes), Justin Theoux (Adam Kesher), Ann Miller (Coco Lenoix), Robert Forster (Detective Harry McKnight), Brent Briscoe (Detective Neal Domgaard), Jeannie Bates (Irene). Música: Angelo Badalamenti. Fotografía: Peter Deming. Países: USA, Francia. Año: 2001. Duración: 145 min.

martes, 22 de junio de 2010

El Buen Pastor

"El buen pastor" relata la historia, hasta ahora nunca contada, de la creación de la Central Intelligence Agency (CIA). Matt Damon interpreta a Edward Wilson, un auténtico patriota consciente de la importancia del secretismo. Aprendió el valor de la discreción y del honor en su trágica y privilegiada infancia. En 1939, mientras estudia en la universidad de Yale, se le invita a unirse a una sociedad secreta llamada Skull and Bones, una fraternidad muy cerrada de la que saldrán muchos líderes. Su inteligencia, impecable reputación e inquebrantable fe en los valores americanos, le convierten en el perfecto candidato para ser un agente secreto según los criterios de aquellos que calibran a los nuevos miembros. El joven idealista empieza a trabajar en el Office of Strategic Services (OSS), la Oficina de Servicios Estratégicos, precursora de la CIA, durante la II Guerra Mundial. Su ingreso cambiará su vida y, en cierta medida, ayudará a conformar la geopolítica de la época actual: Edward Wilson y sus compañeros crearon la agencia de espionaje más poderosa del mundo. Es uno de los miembros fundadores de la CIA, una organización en la que la duplicidad está a la orden del día y nada debe ser lo que parece. Poco a poco, su idealismo deja paso a un carácter cada vez más suspicaz, reflejo de un mundo que acaba de entrar en la larga paranoia de la Guerra Fría. Sus métodos acaban siendo adoptados como procedimientos estándares y se convierte en uno de los agentes de más peso de la Agencia mientras combate sin tregua al KGB en una especie de partida de ajedrez a escala mundial. Pero su dedicación no tiene medida. Ni siquiera por su esposa Margaret, a la que todos llaman 'Clover' (Angelina Jolie), y su amado hijo (Eddie Redmayne), dejará a un lado un camino que le obligará a sacrificarlo todo por su trabajo.


Acercamiento a cómo nacieron y se consolidaron los servicios secretos estadounidenses, primero durante la Segunda Guerra Mundial, en forma de la OSS, y finalmente bajo el apelativo popular de "la Agencia", o sea, la CIA. La narración pivota sobre Edward Wilson, un agente de aspecto gris y taciturno, pero muy bueno en su trabajo; y transcurre básicamente en dos tiempos: años 60, con la fracasada invasión de Cuba en Bahía de Cochinos; y prolegómenos de la guerra, cuando Wilson, miembro de una fraternidad y universitario idealista, recibe la propuesta de sumarse al incipiente servicio de inteligencia. Con una estructura de idas y venidas temporales compleja pero bien trabada, que se diría inspirada en El padrino II -¿habrá dado ideas el productor ejecutivo Francis Ford Coppola al guionista Eric Roth, y al director Robert De Niro, que intervino precisamente en ese film?-, se consigue transmitir una idea bastante cabal de las duplicidades que marcan la vida de los espías, cuyas consecuencias pagan, a un precio demasiado alto, sus familias, y por supuesto, ellos mismos.

Gran parte del mérito de Roth y De Niro es que, a través de las andanzas de su protagonista, consiguen dar una visión del conjunto: en este caso se puede decir que las ramas no sólo no impiden ver el bosque, sino que ayudan a ello. Hay resonancias de gran tragedia en el destino fatal que aguarda a Wilson, con una vida marcada por el suicidio paterno, y cuyos sentimientos, siempre guardados para sí mismo, le han conducido a sacrificar lo que le dictaba el amor, y a hacer daño a sus seres queridos. En ese sentido el modelo 'padrinesco' de soledad en la inmoralidad ha sido perfectamente asimilado -Matt Damon parece tomar como referencia de su difícil y frío personaje al Michael Corleone de Al Pacino-, pero sin caer en mimetismos evidentes que le hagan perder fuelle. Incluso la escena de montaje paralelo en que la identidad de un 'topo' es puesta al descubierto, homenaje evidente a la saga de Coppola, está tratada con originalidad, pues se trata de planos, no sólo separados espacialmente, sino también temporalmente.

Se nota que De Niro es actor, y además un gran actor. Curiosamente, muestra una virtud que bien podría haberse aplicado a sí mismo en los filmes de su última etapa actoral: controla a sus intérpretes para que entreguen unas actuaciones muy contenidas y realistas, sin lugar para el histrionismo. Y así, a un reparto maravilloso, perfectamente escogido, donde conviven los actores conocidos (Damon, Angelina Jolie, Alec Baldwin, el propio De Niro.) con los repescados (Joe Pesci, Timothy Hutton, William Hurt, Keir Dullea, John Turturro.), los que prometen y uno nunca acaba de saber cómo se llaman (Billy Crudup, Martina Gedeck...) y los 'descubrimientos' (Oleg Stefan, John Sessions...).


Laconic and self-contained, Edward Wilson heads CIA covert operations during the Bay of Pigs. The agency suspects that Castro was tipped, so Wilson looks for the leak. As he investigates, he recalls, in a series of flashbacks, his father's death, student days at Yale (poetry; Skull and Bones), recruitment into the fledgling OSS, truncated affairs, a shotgun marriage, cutting his teeth on spy craft in London, distance from his son, the emergence of the Cold War, and relationships with agency, British, and Soviet counterparts. We watch his idealism give way to something else: disclosing the nature of that something else is at the heart of the film's narration as he closes in on the leak.

"Una de las películas más impresionantes sobre el espionaje jamás hecha." (David Denby: The New Yorker)

"Ha costado casi doce años llevar el inteligente, reflexivo y psicológicamente complicado guión de Eric Roth a la pantalla, con una dirección cuidadosa y metódica de De Niro, y es fácil comprobar por qué." (Kenneth Turan: Los Angeles Times)

"Impecablemente documentada, pero sin un personaje central (...) A pesar de sus nobles intenciones, consigue que el espionaje resulte aburrido." (Rene Rodriguez: Miami Herald)

"Inteligente, complejo y perturbador retrato de la CIA." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Excelente guión (...) una película que avanza con deliberada lentitud (...) Damon domina de cabo a rabo la película (...) A no ser por algunas oscuridades finales, sentiría uno la tentación de decir que es un peliculón" (M. Á. Bastenier: Diario El País)

"En todos los sentidos grande y sólida. (...) larga, pero tan elocuentemente narrada que se abre con claridad ante el espectador. (...) Matt Damon está perfecto." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Interesante, ambigua y meticulosa (...) resulta demasiado mimética con 'El Padrino'." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

2006: 1 nominación al Oscar: mejor dirección artística


Director: Robert De Niro. Intérpretes: Matt Damon (Edward Wilson), Angelina Jolie (Margaret 'Clover'), Alec Baldwin (Sam Murach), Tammy Blanchard (Laura), Billy Crudup (Arch Cummings), Robert De Niro (Bill Sullivan), John Turturro (Ray Brocco), William Hurt (Philip Allen), Michael Gambon (Dr. Fredericks), Gabriel Macht (John Russell), Keir Dullea (senador Russell), Martina Gedeck (Hanna), Timothy Hutton (Thomas Wilson). Guión: Eric Roth. Música: Marcelo Zarvos y Bruce Fowler. Fotografía: Robert Richardson. Título Original: The good shepherd. País: USA. Año: 2006. Duración: 167 min. Género: Drama, thriller.

lunes, 21 de junio de 2010

La Clase

François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto difícil, situado en un barrio conflictivo. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años. No duda en enfrentarse a Esmeralda, a Souleymane, a Khoumba y a los demás en estimulantes batallas verbales, como si la lengua estuviera en juego. Pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos. François -autor de la novela en la que se basa la película, con formato de docudrama- y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Llenos de buenas intenciones, deseosos de aportar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula, microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor que no cobra bastante. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos.

Una magnífica película sobre el mundo de la educación escolar, Palma de Oro de 2008 en Cannes. Laurent Cantet (Recursos humanos, El empleo del tiempo) se basa en "Entre les murs", un libro donde François Bégadeau, un profesor auténtico, recogía algunas de sus experiencias profesionales. Rodada con un tono realista, que recoge anécdotas reales recogidas en ese libro, el propio Bégadeau es coguionista, además de interpretar al profesor protagonista. El marco de la acción es un instituto conflictivo de París, donde debido al multiculturalismo vigente, conviven chicas y chicos de procedencia muy diversa, África negra, el Magreb, China... François es profesor de lengua, peros sus clases no se limitan a enseñar el uso correcto del francés, sino que son una continua conversación con los alumnos, donde éstos son obligados a pensar, a razonar sus ideas, a bucear por qué mantienen un determinado punto de vista. La relación no es perfecta, hay alumnos que responden mejor que otros. Algunos se niegan a responder a las preguntas del profesor, pues implican darse a conocer, algo que pueden no desear hacer. Otros hacen el tonto, mantienen una actitud pasiva, se distraen... Pero ése es el reto para François, motivarles un día tras otro, tratarles con respeto.

El cine francés tiene una interesante tradición en abordar el tema de la educación de modo sugerente, basta pensar en títulos como Hoy empieza todo y Ser y tener. Además, dentro de la tradición en Francia de enseñar cine en las aulas, tiene mucho sentido que exista el viaje inverso, enseñar la educación en las pantallas. Cantet, Bégaudeau y Robin Campillo han sabido articular una trama muy realista y natural, uno verdaderamente tienen la sensación de ser una especie de cámara oculta, testigo de lo que acontece en las clases, o en las reuniones de profesores. Hay una decisión de que todo lo mostrado transcurra en el instituto, nada veremos de lo que pasa fuera. Y esto, lejos de escamotear el resto de la vida de los personajes, sirve para pintar mejor lo que ocurre en las clases, y la bidireccional influencia que puede tener lo que pasa dentro y fuera de ellas; hay formas eficaces de enseñar cómo lo del exterior repercute en lo del interior, ya sea la anunciada expulsión de Francia del padre de Wei, un alumno chino, o el comportamiento en casa de Souleymaine, un chico sometido a un consejo disciplinario. Curiosamente, no tiene uno la sensación de estar ante un film consciente y aburridamente pedagógico, sino que todo parece emocionante, muy estimulante, con lugar para las sorpresas, como esa alumna que, ante el estupor de su profesor, declara haber leído "La República" de Platón en su tiempo libre, lo que además es un homenaje a la socrática pedagogía del maestro.

El film contiene unas interpretaciones tremendamente naturales, aunque Cantet niega que ello se deba a que los alumnos se interpreten a sí mismos. El director organizó un talles con los alumnos de un instituto, y logró que de los 50 asistentes iniciales 25 siguieran comprometidos con su proyecto cuando arrancó el rodaje. Lo cierto es que el desarrollo de cada clase es atractivo, y que los chicos resultan creíbles, se abandona cualquier estereotipo, tan difícil de evitar, piénsese en la esforzada Diarios de la calle. Afirma Cantet que el planteamiento de muchas escenas, rodadas con tres cámaras digitales para captar al profesor, al alumno principal, y al resto de la clase, era como un partido de tenis, un intercambio de raquetazos donde cualquiera podía resultar más o menos vencedor, y tal enfoque funciona muy bien. También es un acierto mostrar la fragilidad del profesor, quien a pesar de sus buenas intenciones también puede equivocarse, o encontrarse sin respuesta ante un alumno. El reto, por supuesto, es no tirar la toalla, seguir adelante con la loable meta de formar bien a los chicos que están a su cargo.


Teacher François Marin and his colleagues are preparing for another school year teaching at a racially mixed inner city high school in Paris. The teachers talk to each other about their prospective students, both the good and the bad. The teachers collectively want to inspire their students, but each teacher is an individual who will do things in his or her own way to achieve the results they desire. They also have differing viewpoints on the students themselves, and how best to praise and discipline them. The administration of the school tries to be as fair as possible, which includes having student representatives sit on the student evaluation committee. Marin's class this year of fourteen and fifteen year olds is no different than previous years, although the names and faces have changed. Marin tries to get through to his students, sometimes with success and sometimes resulting in utter failure. Even Marin has his breaking point, which may result in him doing things he would probably admit to himself are wrong. But after all is said and done, there is next year and another group of students.

"Una astuta e inteligente película sobre la identidad moderna de Francia y sobre el intento de transformar a los jóvenes en ciudadanos a través del diálogo." (Manohla Dargis: The New York Times)

"Hace didactismo del bueno con un estilo cercano al docudrama. (...) Una película que respira autenticidad" (Carlos Boyero: Diario El País)

"Sincera y honesta" (Luis Martínez: Diario El País)

"Tiene mucha miga dentro, y un cine fragante, cálido y a la vez fresco (...) El debate es completo (...) Igual que la película" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Todo un prodigio de montaje que recoge con elegante precisión los pormenores de una batalla dialéctica y vital sin solución (...) una propuesta verdaderamente atípica, formalmente valiente, dramáticamente hipnótica y temáticamente imprescindible." (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

"Sigue su impronta de cine social, utilizando el formato de falso documental (...) merece figurar en el grupo de películas con aspiraciones de figurar en el palmarés de Cannes." (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

2008: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
2008: Festival de Cannes: Palma de Oro
2009: Nominada al Goya: Mejor película europea


Director: Laurent Cantet. Intérpretes: François Bégaudeau (François), Vincent Caire (Vincent), Olivier Dupeyron (Olivier), Patrick Dureuil (Patrick), Frédéric Faujas (Fred), Laura Baquela (Laura), Juliette Demaille (Juliette), Dalla Doucoure (Dalla), Esméralda Ouertani (Sandra), Franck Keïta (Souleymane), Wei Huang (Wei). Guión: Laurent Cantet, François Bégaudeau y Robin Campillo; basado en la novela "Entre les murs" de François Bégaudeau. Fotografía: Pierre Milon, Catherine Pujol y Georgi Lazarevski. Título Original: Entre les murs. País: Francia. Año: 2008. Duración: 128 min. Género: Drama.

domingo, 20 de junio de 2010

Los Hombres que miraban fijamente a las cabras

La historia gira en torno a Bob Wilton (Ewan McGregor), un reportero enviado a Irak que podría conseguir la historia de su vida cuando conoce a Lyn Cassady (George Clooney), un hombre que asegura ser un soldado psíquico, entrenado por el ejército de los EE.UU. para usar su mente como un arma. El creador de este revolucionario programa que podría cambiar el modo en que se libran las guerras es Bill Django (Jeff Bridges), pero resulta que está desaparecido.

Debut en el largo del poco conocido actor Grant Heslov. Los hombres que miraban fijamente a las cabras es un film altamente desconcertante. Su muy particular humor surrealista se pone al servicio de una intención satírica, con la guerra de Irak como blanco de los afilados dardos. Respalda en la producción y con un papel coprotagonista George Clooney, y seguramente la película sin su presencia no existiría.

La trama sigue a Bob (Ewan McGregor), periodista inmerso en una crisis por la infidelidad de su esposa, que decide ir a cubrir la guerra en Irak para ahogar las penas. Allí conoce a un tipo la mar de raro, Lyn (Clooney), que le habla de una unidad secreta del ejército estadounidense que desarrolla armas parapsicológicas de combate, o sea, el poder de la mente. Él, por ejemplo, es capaz de matar a una cabra, después de mirarla fijamente durante horas.

Heslov tiene entre manos un guión de Peter Straughan -cuyo principal crédito, no demasiado estimulante, es Nueva York para principiantes-, que a su vez adapta un libro de Jon Ronson. Y su idea es jugar con ideas delirantes, llevar al extremo la paranoia de algunos militares en su deseo de estar a la altura de ejércitos rivales. Hay algún momento gracioso, pero en general el planteamiento de mezclar a un hippy -el personaje de Jeff Bridges-, que se suele asociar con los deseos de paz, con la cuestión armamentística, no da mucho de sí. Mientras que el egoísta Hooper al que da vida Kevin Spacey, presenta rasgos tan antipáticos que simplemente se hace odioso, y no ayuda a provocar risas.


A reporter, trying to lose himself in the romance of war after his marriage fails, gets more than he bargains for when he meets a special forces agent who reveals the existence of a secret, psychic military unit whose goal is to end war as we know it. The founder of the unit has gone missing and the trail leads to another psychic soldier who has distorted the mission to serve his own ends.

"Una sátira a lo loony-tunes formidablemente escrita, interpretada por un reparto de altura que está en inmejorable forma. (...) Elegante cine de corte liberal, con un toque populista, al estilo de los hermanos Coen." (Derek Elley: Variety)

"Agradable, ligera y absurda comedia." (Manohla Dargis: The New York Times)

"En el desarrollo de idea tan hilarante hay gags con notable gracia (...) pero también desfallecimiento narrativo, acumulación de chistes con dudosa efectividad. Observar lo bien que se lo pasan actores tan notables haciendo el ganso consigue entretenerte" (Carlos Boyero: Diario El País)

"Muy metida en su papel de comedia para listos, es decir, consciente de que hace gracia, (...) A la cinta (...) se le va la mano. De principio a fin, luce el aspecto de una película de los hermanos Coen, pero sin los Coen." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

"Una versión cool -y clooneyzada- de una hipotética aventura bélica de Mortadelo y Filemón." (Jordi Costa: Diario El País)

"Bridges ofrece aquí una gozosa variante de su inmortal -y grande- Lebowski. Parte de la inspirada locura de combustión lenta que exhibía aquella película le hubiera venido bien a ésta; eso, o directamente que la hicieran los Coen" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)


Dirección: Grant Heslov. Interpretación: George Clooney (Lynn Cassady), Jeff Bridges (Bill Django), Ewan McGregor (Bob Wilton), Kevin Spacey (Larry Hooper), Robert Patrick (Todd Nixon), Stephen Root (Gus Lacey), Stephen Lang (general Hopgood), Rebecca Mader (Deborah Wilton), Nick Offerman (Scotty Mercer), Tim Griffin (Tim Kootz). Guión: Peter Straughan; basado en el libro de Jon Ronson. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Robert Elswit. Título original: The men who stare at goats. Países: USA y Reino Unido. Año: 2009. Duración: 95 min. Género: Comedia.

sábado, 19 de junio de 2010

Sherlock Holmes

En un nuevo y dinámico retrato de los personajes más famosos de Arthur Conan Doyle, Sherlock Holmes envía a Holmes y a Watson, su incondicional compañero, a enfrentarse a un nuevo reto. Mostrando unas habilidades para luchar tan letales como su legendaria agudeza intelectual, Holmes peleará como nunca para acabar con un nuevo enemigo y desenmarañar así un complot mortal que podría destruir el país. Adaptación del cómic de Lionel Wigram, que reinventaba los personajes de Arthur Conan Doyle, convirtiendo a Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) y al Doctor John Watson (Jude Law) en detectives con habilidades para el boxeo y el uso de la espada, respectivamente.

Sherlock Holmes, legendario personaje creado por el novelista Sir Arthur Conan Doyle, ha conocido muchísimas adaptaciones literarias. Es además un personaje que se presta a variaciones y experimentos. Por ejemplo, Billy Wilder presentaba al personaje como un hombre menos inteligente de lo que se suponía, y que ha logrado triunfar a causa del azar, en La vida privada de Sherlock Holmes. Por su parte, Asesinato por decreto mezclaba al personaje con el caso real de Jack el destripador. En Elemental, doctor Freud, Sigmund Freud somete a Sherlock a psicoanálisis para curarle de su adicción a la cocaína. Y El secreto de la pirámide mostraba la juventud del personaje.

Ahora, el británico Guy Ritchie, conocido por películas como Cerdos y diamantes, propone una nueva visión del personaje, con Joel Silver (Arma Letal, Jungla de cristal) como productor. En realidad, su visión de Sherlock en esencia se parece a las novelas de Conan Doyle, salvo porque añade muchísima acción y algunos golpes de humor -marcas de fábrica de las producciones de Silver-, y porque los personajes son un poco distintos a lo habitual.

Esta vez, Sherlock Holmes está muy preocupado porque su fiel amigo y ayudante, el doctor Watson, está a punto de dejarle, para casarse con Mary, una niñera de la que se ha enamorado, que provoca los recelos del detective. Antes, Watson le ayuda en el extraño caso de Lord Blackwood, un asesino en serie que practica rituales de magia negra. Blackwood parece tener poderes sobrenaturales, pues los propios Holmes y Watson han sido testigos de su ejecución. Sin embargo, se diría que ha regresado de la tumba, continuando con sus fechorías.

Guy Ritchie filma su obra más espectacular, con secuencias realmente impresionantes, como la persecución en unos astilleros, o la pelea sobre el Puente de Londres. La reconstrucción de la Inglaterra victoriana es de las más logradas que se hayan visto en la pantalla. El ritmo es dinámico, y los giros de guión dosifican muy bien la intriga hasta el final. El tono es propio del cine de aventuras, con una épica partitura de un inspirado Hans Zimmer, en la línea de su trabajo conjunto con James Newton Howard para El caballero oscuro.

Acierta Ritchie al renunciar a su estilo habitual inspirado en Tarantino, salvo en algún momento aislado, como un combate de lucha en el que muestra antes lo que está pensando Sherlock Holmes sobre la táctica a seguir, y luego se puede ver lo que hace el personaje. Tampoco se excede con los gags cómicos, pues aunque incluye muchas risas, éstas no dañan la tensión dramática.
Robert Downey Jr. compone muy bien a un particular Sherlock Holmes, tan sagaz como se presupone, pero que también es un experto en combate cuerpo a cuerpo. Tiene por otro lado muchos defectos, pues es por ejemplo desastrado y extremadamente celoso en todo lo referente a su mejor amigo. Jude Law (Watson) es justamente lo contrario, un pulcro ex militar. Quizás el actor que más destaca es Mark Strong, que brillaba en RocknRolla, y que aquí encarna a un inquietante villano.


In London, Sherlock Holmes and his partner Dr. John Watson captures the follower of black magic and serial killer Lord Blackwood that has already killed five women when he is near to kill his sixth victim. Blackwood is sentenced to be strung up and Dr. Watson attests his death. However, Blackwood mysteriously returns from the afterlife and Inspector Lestrade summons Sherlock Holmes to help the Scotland Yard in the investigation. Meanwhile Dr. Watson intends to get married of the gorgeous Mary Morstan while Sherlock is visited by his former lover Irene Adler that has a secret agenda.


"Otro héroe clásico que alimenta la fábrica de f/x (...) La película de Ritchie está llena de sensacionales vistas y personajes extraordinarios (...) Es probable que sea disfrutada por los fans del cine de acción. " (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Ritchie se dedica de pleno a los golpes y los ruidos, y no deja tiempo para saborear el significado de las palabras de Holmes. Downey está irresistible. La película, no tanto." (Peter Travers: Rolling Stone)

"Saludable pastiche victoriano. (...) Un competente recital de golpes de efecto, acción enfebrecida y saludable espíritu dionisiaco" (Jordi Costa: Diario El País)

"Un trabajo entretenidillo por la ruleta rusa en la que meten la historia. Que luego parezca seria con estos dos macarrillas de tres al cuarto es harina de otro costal." (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

2009: 2 nominaciones al Oscar: Mejor bso, dirección artística
2009: Globo de Oro: Mejor actor comedia o musical (Robert Downy Jr.)

Director: Guy Ritchie.  Intérpretes: Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Jude Law (Dr. John Watson), Rachel McAdams (Irene Adler), Mark Strong (lord Blackwood), Eddie Marsan (inspector Lestrade), Kelly Reilly (Mary Morstan), Robert Maillet (Dredger), Geraldine James (Sra. Hudson), William Houston (Clark), Hans Matheson (lord Coward), James Fox (sir Thomas), Clive Russell (capitán Tanner). Guión: Michael Robert Johnson, Anthony Peckham y Simon Kinberg; basado en los personajes creados por Arthur Conan Doyle. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Philippe Rousselot. País: USA. Año: 2009. Duración: 128 min. Género: Acción, aventuras, drama, thriller.

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