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martes, 30 de septiembre de 2008

La Isla de las Almas Perdidas

En un pueblecito de la costa, donde nunca sucede nada apasionante, vive Lulu, una chica de 14 años que acaba de mudarse con su madre y su hermano, y que se aburre profundamente, esperando que ocurra algo y buscando aventuras. Pero a veces hay que tener cuidado con lo que se desea... De repente, el hermano pequeño de Lulu es poseído por el espíritu de un hombre que luchó contra el mal en el siglo XIX. Lulu deberá buscar ayuda en las dos únicas personas que creen en ella: Oliver, un niño rico asustado hasta de su propia sombra y Richard, un desilusionado científico de lo paranormal. Juntos se verán envueltos en una batalla contra las fuerzas de la oscuridad para descubrir los secretos escondidos en la Isla de las Almas Perdidas.

Coproducción daneso-sueco-germana rodada en Dinamarca. Cuenta con el aval de la productora Zentropa, propiedad de Lars Von Trier, aunque este dato no debe ser tenido en cuenta como algo positivo a la hora de ir a ver la película. Los pequeños de la casa pueden disfrutar con esta historia de aventuras, aunque quizás para ellos sea algo oscura y en algunos momentos les pueda inspirar miedo. Por otro lado, la magia oscura y el ocultismo no parecen, así de entrada, los temas más recomendables para un niño. De hecho, resulta curioso cómo Lulu tiene en su ouija a uno de sus más preciados objetos, y una madre que la observa con total naturalidad mientras ella trata de comunicarse con los muertos. Algo que, sin entrar ya en el terreno moral, pone los pelos de punta al espectador, cinematográficamente hablando, pues en las retinas permanece esa ingenua Regan jugando inocentemente en El exorcista.
Aún así, si la cinta puede valer para el público más joven, no se puede decir lo mismo del adulto. El director Nikolaj Arcel afirma que hizo esta película no sólo pensando en los niños, sino también en los mayores. Y es aquí donde se equivoca de parte a parte. Para los mayores resultará completamente increíble, en el sentido más literal de la palabra. El guión no tiene ninguna solidez por lo que el desarrollo de la acción carece de sentido. La historia está llena de parches que trampean lo narrado. Por ejemplo, nadie se pregunta dónde está el verdadero hermano después de haber sido poseído, pero ante la evidencia de que algo así falte en el metraje, la situación se soluciona en un par de segundos de una manera demasiado facilona -si Max von Sydow hubiera tenido ese inventito, adiós El exorcista-. Así que si algún mayor acude a ver el film, más vale que deje su mente en blanco y que deje de hacerse preguntas.

TRAILER

14-year-old Lulu moves to a small provincial town with her mother and younger brother. One night, her brother is struck by a beam of white light - actually the spirit of Herman Hartmann from the 19th-century. To her despair, Lulu realizes that Herman has possessed her brother, and the two of them are whirled into a fevered adventure. Joined by Oliver, a rich kid, and Richard, a disillusioned clairvoyant and inventor, they take on the dark, supernatural forces gathering over the town - evil from deep in the land of the dead, determined to take over the world and see them die.

"Simpática fantasía para todos los públicos (...) con efectos que nada tienen que envidiar a los de una producción USA y un toque más oscuro." (Jesús Palacios: Fotogramas)

Director: Nikolaj Arcel. Interpretes: Sara Langebæk Gaarmann (Lulú), Lucas Munk Billing (Sylvester), Lasse Borg (Oliver), Nicolaj Kopernikus (Richard), Lars Mikkelsen (Necromancer), Anette Støvelbæk (Beate), Anders W. Berthelsen (Herman), Beate Bille (Linea), Frank Thiel (Alexander). Guión: Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg. Música: Jane Antonia Cornish. Fotografía: Rasmus Videbæk. Título Original: De Fortabte Sjæles Ø. País: Dinamarca, Suecia y Alemania. Año: 2007. Duración: 100 min. Género: Aventuras, fantasía.

lunes, 29 de septiembre de 2008

La Boda de Rachel

Kym (Anne Hathaway), una ex-modelo que se ha pasado los últimos 10 años entrando y saliendo de centros de rehabilitación, regresa a casa durante un fin de semana para la boda de su hermana Rachel (Rosemarie DeWitt). A pesar de su juventud, Kym tiene un largo historial de crisis personales, conflictos familiares y estancias en clínicas para rehabilitarse. La boda de Rachel se presenta como la ocasión perfecta para volver a la casa familiar de los Buchman, y limar así las asperezas del pasado. Sin embargo, lo que prometía ser un fin de semana festivo junto a los parientes y amigos de los novios, se complica cuando salen a relucir viejas tensiones. Kym, con su mordacidad habitual, contribuye a ello, formando un retrato familiar algo extraño.

Magnífica película de Jonathan Demme, muestra perfecta de cómo una trama sencilla bien llevada puede producir resultados altamente estimulantes. La cosa arranca con la joven Kym saliendo del centro de rehabilitación donde está internada para superar su adicción a las drogas. Su hermana Rachel se casa, y por supuesto ella va a asistir al gran acontecimiento. Aunque su padre y su madrastra, al igual que Rachel, la acogen con cariño, hay una distancia, un algo nunca pronunciado, que permiten intuir que la relación es tensa y difícil. El padre adopta una actitud de preocupación constante por Kym, algo que saca de quicio a Rachel, que querría ser "reina por un día", siquiera sea el día de su boda. Por otro lado la madre, casada en segundas nupcias con otro hombre, tarda en aparecer, y hay algo de calculada frialdad en el trato con Kym. En tal tesitura Kym mantiene una actitud desabrida, de contestaciones punzantes y sarcásticas a cualquier requerimiento. Sí, algo bulle en su alma, que no deja de atormentarla; lo que no impide un esfuerzo sincero por seguir su camino de rehabilitación, acudiendo a reuniones de adictos anónimos.
Honesta película acerca del sufrimiento y las dificultades en las relaciones familiares. Jenny Lumet, hija del veterano cineasta Sidney Lumet, se estrena como guionista con un libreto de esquema sencillo pero muy eficaz, que imbrica bien los preparativos de la boda -una serie de pasajes muy naturales y reconocibles por cualquiera que haya acudido a un enlace matrimonial- con el descubrimiento de cómo es Kym, el suceso doloroso que no le abandona ni un solo día de su vida, y la mirada de sus familiares ante el mismo. Demme rueda con un adecuado estilo documental, con mucha cámara en mano, lo que ayuda a dar a la historia el deseado tono realista. Hay verismo en las acciones y reacciones, y de fondo una gran humanidad y amor detrás del dolor y los reproches, donde no falta una mirada trascendente, ayuda inestimable para salir adelante. Algunas escenas son muy poderosas en su intenso dramatismo, véase la del padre acometiendo el desafío de llenar el lavaplatos en tiempo récord con toda la vajilla sucia, o la que comparten madre e hija, en que acaban a bofetón limpio. Película dura y desgarradora, pero también catártica y esperanzada, contiene unas interpretaciones maravillosas, empezando por la de una actriz que va a más, Anne Hathaway.

TRAILER

Kym is released from rehab for a few days so she can go home to attend her sister Rachel's wedding. The home environment is always challenging for a recovering addict, no less so when the visit if only for a few days. While the sisters feel genuine affection for one another, there is tension in their relationship. Rachel feels that her father dotes on Kym far too much and Kym is upset to learn that Rachel has selected a friend to be her maid of honor. Their father is genuinely concerned about Kym's well-being but doesn't see the stress the relationship is causing. Both women also have to deal with their selfish mother who is clearly more concerned with her own well-being ahead of that of her children. Underlying the family's dynamic is a tragedy that occurred many years previously and for which Kym is held by some to be responsible.

"Sería una pena perderse 'Raquel Getting Married', que puede que tenga sus fallos, pero que es tan persuasiva perdonando los errores de sus personajes que tú sólo puedes responder, del mismo modo, con cariño" (A. O. Scott: The New York Times)

"Una libre, viva y pausada gema que no te puedes perder (...) Las actuaciones son del más alto calibre." (Peter Travers: Rolling Stone)

"Un Jonathan Demme en baja forma. (...) pretende ser cercana, humanista, compleja y emotiva, aunque a mí me resulta sosa y a ratos pesadita." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Demme sabe cómo se compaginan los estilos y los géneros, sabe profundizar en el drama (el drama es francamente doloroso) sin renunciar a un soportable sentido del humor." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Exquisita y extremadamente blanda. (...) Un guión adquirido en el 'duty free' de los lugares comunes." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

"Estirado drama coral (...) Demme, posiblemente el menos interesante de los directores de la escudería Corman que subieron a primera división, mueve su cámara pos Dogma con el tembleque acorde a la inestabilidad anímica de su protagonista" (Jordi Costa: Diario El País)

"El mayor prodigio de la cinta es la capacidad de Anne Hathaway para obligarnos a amarla y temerla a la vez." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

2008: 1 Nominación al Oscar a la mejor actriz (Anne Hathaway)
2008: 1 Nominación al Globo de oro: Mejor actriz dramática (Anne Hathaway)
2008: National Board of Review: Mejor actriz
2008: Toronto: Mejor director, guión, actriz secundaria
2008: Nominación al León de Oro del Festival de Venecia: Mejor director

Dirección: Jonathan Demme. Interpretes: Anne Hathaway (Kym), Rosemarie DeWitt (Rachel), Mather Zickel (Kieran), Bill Irwin (Paul), Anna Deavere Smith (Carol), Anisa George (Emma), Debra Winger (Abby), Roslyn Ruff (Rosa), Sebastian Stan (Walter), Tunde Adebimpe (Sidney), Jerome LePage (Andrew). Guión: Jenny Lumet. Música: Zafer Tawil y Donald Harrison Jr. Fotografía: Declan Quinn. Título Original: Rachel getting married. País: USA. Año: 2008. Duración: 113 min. Género: Drama.

domingo, 28 de septiembre de 2008

Noche de Circo

La acción discurre a lo largo de 24 horas de un solo día de uno de los primeros años del s. XX. Al alba un pequeño circo ambulante llega en viejos carromatos a una nueva población para presentar su espectáculo. A lo largo del día montan en las afueras de la localidad la carpa, la pista y las gradas. El director de la empresa (Circo Alberti) es Albert Johanson, que forma pareja con Anne (Andersson), una bella y atractiva muchacha, a cuyo cargo corre un número circense de amazona española. El film es un drama que se desarrolla en el marco de un circo ambulante a principios del s. XX. El realizador domina mejor que en obras anteriores los recursos expresivos y los contenidos, lo que le permite crear una pieza particularmente sólida, fluida y consistente. Hace una pormenorizada descripción de la fragilidad y vulnerabilidad humana. Constata que muchos viven oprimidos por las dudas, los temores, la incertidumbre y la pobreza. Las relaciones entre personas siempre son difíciles y desasosegantes. No son pocos lo que viven al borde de la desesperación. El mundo es miserable, opresivo, mezquino, intolerante, cerrado e intransigente. El futuro no va a ser muy diferente. Son generales los sentimientos de fatiga, desencanto, angustia y desesperanza. Las relaciones con las personas de fuera, aunque estén sólo de paso, son desconsideradas, hirientes y humillantes. A partir de un determinado momento la acción se desdobla en dos tramas que, en igual medida, combinan intentos de rechazo y dominación, de indiferencia y abuso, de aislamiento y fracaso. La obra revela influencias del teatro negro de Strindberg y anticipa elementos que encuentran en "El séptimo sello" (1957) un mayor desarrollo. Trata temas tan propios de Bergman como la ausencia de Dios, la incomunicación, la soledad y la fuerza reparadora del teatro.

Film nº 13 de Bergman, dirigido y escrito por él (argumento y guión). Se rueda en las islas suecas próximas a Estocolmo. Se estrena el 14-IX-1953 (Grand, Suecia).


La música, del compositor Karl-Birger Blomdahl, aporta melodías descriptivas y ambientales que refuerzan la atmósfera tensa y opresiva del film. La fotografía, de Hilding Bladh y Sven Nykvist, en B/N, marca la primera colaboración del ralizador con Nykvist, a la que siguen otras que los convierten en colaboradores habituales. Hace uso de emocionantes planos secuencia, primeros planos inquisitivos, formas expresionistas, escenarios oscuros y sucios (fango, sudor, humedad). Maneja el claroscuro con sorprendente habilidad. Sobresale la interpretación de Harriet Andersson (Anne), que luce una cautivadora sensualidad, y las de Ake Grönberg (Albert) y Hasse Ekman (Franz).

While traveling in caravan through the country of Sweden, one member of the decadent Alberti Circus tells the owner and ringmaster Albert Johansson a sad story about the clown Frost: seven years ago, his wife Alma was surprised by him bathing naked in a lake with a regiment. When the circus arrives in the town where Albert's wife Agda and sons live, he decides to pay a visit with his young mistress Anne to a famous local troupe to borrow some capes, hats and vests for their tonight show. They are humiliated by the director Mr. Sjuberg, but he lends the pieces, and the lead actor Frans gives an unsuccessful pass on Anne. When Albert decides to visit Agda, the jealous Anne meets Frans, who seduces her with an apparently valuable necklace, and they have a love affair. Anne finds that the necklace is actually worthless and returns to the circus. Meanwhile, Agda refuses to accept Albert back and he sees Anne leaving the theater and going to the jewelry. During the exhibition, Albert and Anne are submitted to humiliations by Frans.

Dirección y guión: Ingmar Bergman Intérpretes: Åke Grönberg, Harriet Andersson, Hasse Ekman, Gudrun Brost, Anders Ek, Annika Tretow, Erik Strandmark, Gunnar Björnstrand, Curt Löwgren. Música: Karl-Birger Blomdahl. Fotografía: Hilding Bladh, Sven Nykvist (B/N). Título Original: Gycklarnas afton Año: 1953. País: Suecia. Duración: 89 min. Género: Drama

sábado, 27 de septiembre de 2008

Blade II

"Blade" fue un inesperado éxito de taquilla a nivel mundial. Su secuela era por tanto un proyecto irrenunciable, que llega con el mismo protagonista de la primera aventura (Wesley Snipes) y un presupuesto notablemente superior en manos de Guillermo del Toro, experto director de cine de terror y ciencia-ficción autor de éxitos como "Mimic", "Cronos" y "El Espinazo del Diablo". En "Blade II" su protagonista se ve obligado a aliarse con un grupo de vampiros liderado por su mayor enemigo, para luchar contra una nueva clase de criaturas que se alimentan no sólo de humanos, sino también de los propios vampiros. Blade deberá decidir si puede confiar en los que hasta ese momento eran sus mayores enemigos, mientras busca la forma de derrotar a esta nueva encarnación del Mal que está a punto de dominar las calles e imponer su reinado de terror.

Al igual que Sherlock y Moriarty, o Superman y Lex Luthor, Blade y los vampiros son enemigos eternos. Pero el vampirismo hace extraños compañeros de ataúd, y el famoso cazavampiros, mestizo entre hombre y Nosferatu, debe unirse a sus rivales cuando entran en escena unas extrañas criaturas, los Reaper, que como el que roba a un ladrón, chupan sangre a los humanos, pero también a los otros chupasangres. Para liquidar esta amenaza que puede acabar en poco tiempo con todos los sufridos habitantes de la Tierra, Blade se une al grupo que se ha formado para combatirlos, compuesto por Nyssa, una atractiva vampiresa guerrera y varios soldados de élite.


Antes de que los X-Men y Spider-Man arrasaran en la taquilla, Blade se convirtió en el primer superhéroe de la factoría Marvel con éxito en los cines. La secuela no podía tardar, y los productores encargaron un guión al artífice de la primera parte, David S. Goyer, que ahora se lo ha trabajado muchísimo más. La realización le fue encargada al mexicano Guillermo del Toro, que encadenó este rodaje en Hollywood con el de El espinazo del diablo en nuestro país. El cineasta aportó una cuidada ambientación que bebe de fuentes tan dispares como el cómic japonés, las películas de acción de Hong Kong y el expresionismo alemán (los malos son primos del legendario Nosferatu de Murnau).


Por supuesto no habría habido secuela de Blade sin el actor que parece haber nacido para darle vida, Wesley Snipes, que sigue demostrando su entrenamiento en artes marciales como el kung fu y la técnica brasileña conocida como capoeira. El reparto incluye además una sorpresa para los aficionados al cine españoles: la presencia del amiguete Santiago Segura.

TRAILER

A rare mutation has occurred within the vampire community. The Reaper. A vampire so consumed with an insatiable bloodlust that they prey on vampires as well as humans, transforming victims who are unlucky enough to survive into Reapers themselves. Now their quickly expanding population threatens the existence of vampires, and soon there won't be enough humans in the world to satisfy their bloodlust. Blade, Whistler (Yes, he's back) and an armory expert named Scud are curiously summoned by the Shadow Council. The council reluctantly admits that they are in a dire situation and they require Blade's assistance. Blade then tenuously enters into an alliance with The Bloodpack, an elite team of vampires trained in all modes of combat to defeat the Reaper threat. Blade's team and the Bloodpack are the only line of defense which can prevent the Reaper population from wiping out the vampire and human populations.

Director: Guillermo del Toro. Interpretes: Wesley Snipes (Blade), Kris Kristofferson (Abraham Whistler), Norman Reedus (Scud), Leonor Varela (Nyssa Damaskinos), Ron Perlman (Reinhardt), Luke Goss (Jared Nomak), Santiago Segura (Rush). Guión: David S. Goyer. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Gabriel Beristain. País: USA. Año: 2002.

viernes, 26 de septiembre de 2008

Priscilla Reina del Desierto

Tres artistas de cabaret de Sidney son contratadas para actuar durante 4 semanas en un hotel de Alice Springs, en medio del desierto rojo de Australia. Una gran aventura les espera, pero una cosa es atravesar el país en autobús, dejando atrás todos sus problemas, y otra llegar a su destino sanas y salvas. Sobre todo si Felicia y Mitzi son reinas del drag y Benardette transexual. Inician así un periplo de dos semanas, con música sonando a toda pastilla y el autocar repleto de un llamativo vestuario y zapatos de plataforma.

Dos drag queens y un transexual han sido contratados para actuar en una zona desértica de Australia. Y van a descubrir que la ex mujer de una de ellos es la que mueve el concierto. Con esta premisa argumental se hace una apología de la ideología de género, donde la "nueva" moral sirve para ridiculizar a la de siempre. Lo mejor son las canciones.


Three friends, three lives, one persuasion and a pink bus named Priscilla head into the Australian desert with their colourful, extravagant show in a road movie that brings culture clash to the forefront of a comedy of errors. A mixture of vast landscapes, narrow minds and a melancholy, reflective mood that with the help of a larger than life gal that is Priscilla she more than widens the comfort zones and finds not just new horizons but also finds that is lost.
"Divertida comedia" (Fernando Morales: Diario El País)


1994: Cannes: Premio del Público
1994: 1 Oscar: mejor vestuario


Director: Stephan Elliott. Intérpretes: Terence Stamp, Hugo Weaving, Guy Pearce, Bill Hunter, Sarah Chadwick, Mark Holmes. Guión: Stephan Elliott. Música: Guy Cross. Fotografía: Brian J. Breheny. Título Original: The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert. País: Nueva Zelanda. Año: 1993. Duración: 102 min.

jueves, 25 de septiembre de 2008

Solas

Sevilla. Una mujer de pueblo ha acudido a la ciudad para acompañar a su marido, ingresado en un hospital. Se ve forzada a compartir piso con su hija María, que dejó el campo hace tiempo para malvivir en permanente estado de crispación en la gran ciudad. Poco a poco vamos conociendo a los personajes. La madre, cargada de bondad y cariño, recia, atenta a los detalles. El marido, un tipo machista y bastante insoportable, celoso y posesivo. La hija, desilusionada, pero a la que la maternidad no deseada con un tipo al que no ama puede cambiar la vida. Y un vecino, anciano y solitario, al que hace compañía un perro, y que traba amistad con la madre.

Peliculón. Repetimos: peliculón. Este film es una completa sorpresa. Director desconocido (solidísimo Benito Zambrano), actores desconocidos (formidables María Galiana, Ana Fernández, Carlos Álvarez-Novoa). Pedro Almodóvar confesaba que esta peli, maravilloso canto a la maternidad, es la que más le había gustado en 1999. La historia es buena y logra emocionar. Los personajes resultan cercanos y bien definidos. Temas como el amor, la aceptación de los hijos como un regalo en contraposición al aborto, o la buena cara ante las contradicciones, son tratados con hondura y sin efectismos. Con toda justicia el film tuvo el Premio del Público en Berlín y a los actores en Tokio. También se alzó con siete Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos y cinco premios Goya.


Maria, whose parents live in the country, cannot stand her father's authoritarian ways and moves to the city. She finds a job as a cleaner and tries to survive in a wretched apartment in the shabby part of a big city. She is pregnant, and the fact that her boyfriend has abandoned her does not help matters. When her father goes to the hospital for an operation, her mother comes to stay with her. Her neighbor, an old recluse whose only friend is his dog, begins to come out of his shell and these three lost souls try to give each other the strength to start over.

"Humilde, creible, humana, dura y tierna" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Hazaña cinematográfica. Un foco de contagio que conmueve y cautiva" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

"Bocanada de realidad y emoción desde la verdad. No se la pierda" (Javier Rioyo: Cinemanía)

1999: Festival de Berlín: Premio del Público
1999: 5 Goyas: incluyendo mejor dirección novel y guión original. 11 nominaciones

Director: Benito Zambrano. Intérpretes: María Galiana, Ana Fernández, Carlos Álvarez-Novoa, Antonio Dechent, Paco De Osca. Guión: Benito Zambrano. Música: Antonio Meliveo. Fotografía: Tote Trenas.Duración: 98 min. Año: 1999. País: España. Género: Drama.



miércoles, 24 de septiembre de 2008

Educando a J

Una cínica aunque brillante chica de 17 años descubre la vida gracias a la gran amistad que entabla con su jefe, un solitario de mediana edad, excéntrico y reservado. Juntos descubren que tienen más en común de lo que habían imaginado. Aprendiendo el uno del otro se transforman a sí mismos (y a los que les rodean) con perspectivas totalmente nuevas acerca de la vida y del amor.


Historia sensible, salta con acierto de la sonrisa a la lágrima, evitando el tópico de "historia con lolita". Recuerda a la reciente Ghost World, pero Lahti dota a su film de mayor calado antropológico. Las interpretaciones de la joven Sobieski y Brooks son sobresalientes.

Jennifer is a seventeen years old misfit punk teenager that uses piercing, tattoos, wears only black clothes and dyed hair, self-inflicts injures and has fixation for death. She misses a father and a normal mother, since Mrs. Benson has trouble in the communication with her, and feels absolutely rejected. While looking for a job, she meets the forty-nine years old Randall Harris, a lonely man who owns a shopping store, and he hires her. They are opposites but with loneliness and lack of friends in common. They become close friends, and their interaction changes their behavior for good while secrets and feelings are disclosed.

Director: Christine Lahti. Intérpretes: Albert Brooks (Randall 'R'), Leelee Sobieski (Jennifer 'J'), Desmond Harrington (Randy), Carol Kane (Mrs. Benson), John Goodman (Benjamin), Gary Bullock (Mr. Smithman), Michael McKean (Bob), Lisa Jane Pesky (Sheila), Matthew St. Claire (Kevin). Guión: Jill Franklyn. Música: Steve Porcaro. Fotografía: Jeff Jur. Título Original: My first Mister. Países: USA, Alemania. Año: 2001. Duración: 108 min.

martes, 23 de septiembre de 2008

Dias de Radio

Son los años 40, la era dorada de la radio, y los peculiares miembros de una familia trabajadora de Nueva York viven con el receptor permanentemente encendido. La música, los seriales lacrimógenos, las historias de superhéroes, los concursos, las crónicas de la alta sociedad y las leyendas sobre estrellas deportivas les sirven para ser un poco menos infelices y engarzan un anecdotario nostálgico de una época irrepetible.

Lejos del diván, Woody Allen hila fino para crear un maravilloso tapiz de entrañables historias en torno a la radio de los años 40. Nunca el genio de Manhattan ha destilado con tanto cariño y comicidad la chispa de la adolescencia y la nostalgia. Imborrable en su autorretrato como Joe Needleman, un pícaro chaval que fantasea con su sexy profesora de sexto. Lúcida y encantadora.

TRAILER

Several generations of a family packed into a pre-War Rockaway house always have the radio on. The fearless Masked Avenger, breakfast-show socialites (and philanderers) Roger and Irene, and Sally the Cigarette Girl are almost important as, say, whether the Pacific is a better ocean than the Atlantic, or even what your dad actually does for a living.

"De gesto tan dulce como ágil" (Luis Martínez: Diario El País)

Director: Woody Allen. Intérpretes: Mia Farrow, Julie Kavner, Mike Starr, Paul Herman, Tony Roberts. Guión: Woody Allen. Música: Dick Hyman. Fotografía: Carlo Di Palma. Título Original: Radio Days. Año: 1987. País: EE.UU.Duración: 85 min. Género: Comedia

lunes, 22 de septiembre de 2008

Viven!

El 13 de octubre de 1972, viernes, un avión que transportaba a un equipo de deportistas sudamericanos, sufrió un accidente y se estrelló en pleno corazón de los Andes. Tras varios días de intensa búsqueda, en condiciones climáticas imposibles debido a las tormentas de nieve, las autoridades abandonaron la búsqueda y dieron por perdidos a todos los pasajeros. El grupo de jóvenes logró mantenerse con vida durante más de dos meses. Dos de ellos consiguieron cruzar las montañas a pie, sin los medios adecuados, y pedir ayuda en un pueblecito.

La película, basada en un hecho real que conmocionó al mundo, cuenta con crudeza la terrible aventura de los pasajeros del avión. Su relación se estrecha en esa situación de vida o muerte, pero también las emociones se disparan. Los paisajes en los que se desarrolla la acción son impresionantes. Narrada con ritmo y habilidad, mantiene la emoción hasta el final. La música de James Newton Howard es excelente.
Las cifras de los hechos: sobrevivieron 16 personas. Murieron 29. Estuvieron 72 días aislados en los Andes (desde el 13 octubre hasta el 22 de diciembre de 1972). Soportaron temperaturas de hasta -40º C. Los nombres de los dos supervivientes que consiguieron cruzar las montañas son Nando Parrado (interpretado en la película por Ethan Hawke) y Roberto Canessa (Josh Hamilton). Un año después del suceso, en 1974, se editó el libro "Alive: The Story of the Andes Survivors", del escritor británico Piers Paul Read, base de la película.

TRAILER

The amazing, true story of a Uruguayan rugby team's plane that crashed in the middle of the Andes mountains, and their immense will to survive and pull through alive, forced to do anything and everything they could to stay alive on meager rations and through the freezing cold. The only thing the team has riding on after losing so many of their good friends and family members is the slim chance of making it through alive and their faithfulness to God.

"Sobria y creíble" (Fernando Morales: Diario El País)

Director: Frank Marshall Intérpretes: Ethan Hawke, Vincent Spano, Josh Hamilton, Bruce Ramsay, John Newton, David Kriegel, Illeana Douglas. Guión: John Patrick Shanley. Música: James Newton Howard. Fotografía: Peter James. Título Original: Alive. Año: 1993. Duración: 127 min. Género: Drama


domingo, 21 de septiembre de 2008

Martín (Hache)

Martín Echenique (Federico Luppi) es un director de cine, natural de Buenos Aires, que lleva más de veinte años viviendo en Madrid. Detesta su país (¿por lo mucho que lo ha amado?), se niega a recrearse en la nostalgia y no se permite un reencuentro con su pasado. Siguiendo la tradición familiar, su hijo también se llama Martín, pero todos le llaman Hache, por esa letra (H) entre paréntesis que le distingue de su padre y que ha provocado el efecto contrario, al negarle nominalmente una identidad propia. Hache (Juan Diego Botto) tiene 19 años y vive en Buenos Aires con su madre. Ni estudia ni trabaja; callejea y toca rock con su guitarra eléctrica. Han pasado cinco años desde la última vez que vio a su padre, pero vuelven a encontrarse cuando, al sufrir Hache un accidente que le pone a las puertas de la muerte quizá deseada, Martín acude de inmediato al lado de su hijo superando el terror a los aviones y su propósito de no volver a Buenos Aires. Su ex mujer ha formado una nueva familia en la que no parece haber un espacio ni físico ni afectivo para Hache. La propuesta de ella es que Hache viva con Martín. En Madrid les esperan Alicia (Cecilia Roth), la amante de Martín, una mujer mucho más joven que él y deseosa de derribar las firmes defensas que él ha levantado para no asumir un compromiso de pareja con ella, y Dante (Eusebio Poncela), el mejor y casi único amigo de Martín. Dante es actor, pero su verdadero oficio es vivir de acuerdo con lo que piensa. Su mayor placer es vivir en la cuerda floja. Martín comparte su vida con gente apasionada, pero él no se permite sentir. El que ama está expuesto al dolor y eso le da pánico.

Adolfo Aristarain (Un lugar en el mundo) sostiene este durísimo drama en cuatro personajes, que apenas dejan de hablar, con diálogos de estudiada naturalidad. El sólido guión contiene secuencias de gran intensidad, aunque no evita un naturalismo, en un par de ocasiones, que nada aporta. El director argentino ha confesado hacer suyo el comentario de John Ford "las historias se cuentan a través de los rostros de los actores", y apuntala este film en un memorable recital interpretativo. Federico Luppi, Juan Diego Botto, Cecilia Roth, Eusebio Poncela... Si hubiera que destacar a uno, con permiso de Luppi, premiado en San Sebastián, destacaríamos a Poncela. Hace creíble su personaje, el menos sostenible sobre el papel.


Martín, personaje a la deriva, no sabe querer con hechos. Y hace sufrir a los que tiene cerca, que le aman de veras. Dante, su amigo, se lo hace ver, no calla las verdades, aunque puedan doler. Ejerce en ese sentido de conciencia de Martín. A la vez recibe las confidencias de Hache, a quien trata de orientar en su desconcertada juventud. Nada que objetar a lo dicho si Dante no fuera además una suerte de personaje epicúreo, que busca en la vida gozar del placer al máximo, a través del sexo o las drogas; eso sí con riguroso -y utópico- control, que evite daños irreparables. Las contradicciones del personaje son evidentes.


Como hiciera en anteriores trabajos, Aristarain da una visión pesimista de la condición humana. Soledad interior, desesperanza, ausencia de ilusión, egoísmo que se desfoga en invectivas venenosas, arrojadas sin pensar en su influencia en los demás... Cerrado a la trascendencia y encharcado en una moral autónoma de escasas miras, poco queda que ofrecer al director a través de los perdedores natos de su historia. Quedan la lealtad a los amigos y los lazos de sangre, una lucecita en la oscuridad. Algo es algo, aunque sepa a poco.

TRAILER

19-year-old Argentina Martin has a nearly fatal drug overdose. After that his mother sends him to Madrid, where his film director father (also called Martin) lives with his new much younger lover Alicia and gay actor friend Dante.

"El pedazo de vida, supervivencia, desmoronamiento, amistad, autodestrucción, amor y muerte que acaba de filmar este retratista de las emociones, este hombre que parece saber la hostia de cosas esenciales sobre el anverso y el reverso de los seres humanos, rebosa intensidad y discursos torrenciales (...) un maravilloso director de cine, un equilibrista que avanza por la cuerda floja más arriesgada, amenazada por el rídiculo y el vacío verborreico, pero que consigue sortear esos peligros y llegar al final de la meta con su tesoro íntegro. Aristarain dirige la partitura y la orquesta con el pulso, el coraje y el talento de un maestro. La orquesta está formada por cuatro virtuosos que además de técnica también ponen su alma." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Una película tensa, intensa y espectacularmente lúcida. Federico Luppi ejerce de nuevo aquí todo su magisterio interpretativo, Juan Diego Botto roza la perfección y Eusebio Poncela y Cecilia Roth acaban de componer el espléndido cuarteto de cuerda con el que Aristarain ata en corto su arriesgada empresa." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Aristarain aborda un filme intimista, siempre recorrido por los sentimientos más rotundos y enfrentados. Es una película honesta hasta el desgarro y apasionada casi siempre." (M. Torreiro: Diario El País)

"A través de un texto que supura desgarro, intensidad y, por supuesto, amor, las vidas enteras de todos los oficiantes de este ejercicio de catarsis inundan la pantalla y la empapan de emoción en un condensado ejemplo del mejor cine" (Luis Martínez: Diario El País)

"Algunos la encuentran discursiva. Con un film así, bienvenidos los discursos" (Javier Ocaña: Cinemanía)

1997: Goya: mejor actriz (Cecilia Roth)

Director: Adolfo Aristarain Intérpretes: Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Sancho Gracia, Ana María Picchio. Guión: Adolfo Aristarain, Kathy Saavedra. Música: Fito Páez. Fotografía: Porfirio Enríquez. Año: 1997. País: Argentina, España. Duración: 134 min. Género: Drama

sábado, 20 de septiembre de 2008

The Faculty

Como muchas escuelas de hoy en día, en Harrington High han pasado los buenos tiempos. Sus paredes están mugrientas, sus libros de texto son obsoletos y sus profesores están quemados. No hay dinero para salidas, para ordenadores nuevos o para el departamento musical. Pero en sus sucios corredores vibran toda clase de personajes; solitarios, líderes, pandilleros y cerebritos. Como todos los adolescentes del mundo, han de luchar con unos padres que no los entienden, con unos profesores que les subestiman y con sus activas hormonas. Pero ahora, los estudiantes de Harrington High están a punto de enfrentarse con algo que ellos nunca podrían haber imaginado...

Nueva película protagonizada por adolescentes de instituto. La novedad es que, en vez de historia nostálgica o de simple terror, aparece la ciencia ficción. Pues resulta que unos malvados alienígenas se proponen invadir la Tierra; y con tal propósito toman prestados los cuerpos de los "profes" del "cole". A partir de ahí una panda de chicos y chicas debe salvar al mundo, sin olvidar que cualquiera de ellos puede acabar convertido en extraterrestre.


El director Robert Rodriguez, que sorprendió a medio mundo con un film hecho con cuatro cuartos (El mariachi), se pliega a las convenciones de las películas de serie B, y un logra un film bastante entretenido.

TRAILER

Herrington High, Ohio, a small-town highschool. All of a sudden, the teachers start changing attitude. When Casey and Delilah have to hide in a closet in the teacher's lounge, they witness the strangulation of Nurse Harper by two of them. Shocked, they manage to flee. Only moments later, the nurse seems to be very alive, but also somehow changed, like all the teachers and most of the students. Only Casey, Delilah and four others seem to be suspicious. Proof of an alien infection is finally brought by the chemistry teacher, who also points out a way to kill the infected humans. The plan now is to get the queen, before the aliens can spread out over the whole country.

"Curiosa y eficaz mezcla de géneros (...) El mejor film hasta la fecha de Rodríguez, lo cual tampoco es decir mucho. Divertidos diálogos y reparto interesante" (Augusto M. Torres: Diario El País)

"Descarada copia de "La cosa", pero sin pulso ni tensión" (Javier Ocaña: Cinemanía)

"Fechoría de Rodríguez en la que repite su cantinela y multiplica los efectos asustantes para intentar removernos las tripas. No, gracias" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

Dirección y montaje: Robert Rodríguez. Intérpretes: Elijah Wood (Casey), Josh Hartnett (Zeke), Salma Hayeck (enfermera Harper), Famke Janssen (Srta. Burke), Piper Laurie (Sra. Olson), Chirstopher MacDonald (padre de Casey), Bebe Neuwirth (directora Drake). Guión: Kevin Williamson. Fotografía: Enrique Chediak. País: USA. Año: 1999. Duración: 102 min.

viernes, 19 de septiembre de 2008

Adios Pequeña, Adios

La pequeña Amanda ha desaparecido. Nadie conoce su paradero. Se produce un gran revuelo entre la opinión pública, la ola mediática no para de crecer. La ciudad de Boston está conmocionada. Una tía de la niña pide ayuda a una pareja de detectives para que investiguen en el barrio, con idea de aprovechar que son vecinos del barrio, por lo que la gente será menos reacia a hablar con ellos que con la policía. Al principio Patrick y Angie son reacios a aceptar el caso; temen cómo les puede afectar el acabar encontrando el cadáver de la niña o, peor aún, no averiguar nunca qué ocurrió y cargar con ello en su conciencia.

Ben Affleck ganó un Oscar con su amigo Matt Damon en 1998 gracias a su guión de El indomable Will Hunting. Desde entonces ambos han optado por cultivar más su faceta de actores. Pero una década después Ben Affleck vuelve a coescribir un guión -esta vez con Aaron Stockard, a partir de la novela de Dennis Lehane-, y además debuta en la dirección, con su hermano Cassey como protagonista. Como el lector avezado habrá notado, la trama tiene puntos comunes con un caso real de rabiosa actualidad, el de la desaparición de la niña Madeleine McCann. De hecho, se retrasó el estreno del film en Gran Bretaña por no herir susceptibilidades. Y algo que se preguntaban todos los expertos era si el flujo continuo de noticias sobre el caso McCannn ayudaría o perjudicaría cara a la taquilla. La impresión es que no fue un apoyo, la gente no quería un caso de ficción después de desayunarse todos los días con un caso de verdad.
Pero independientemente de esto, Ben Affleck logra entregar una historia desasosegante, que procura huir de lo convencional, y que depara alguna que otra sorpresa. Una de las cuestiones planteadas son los dilemas morales a que se enfrenta el protagonista, de formación católica, algo que se introduce desde el principio con una cita evangélica, la de los enviados como ovejas en medio de lobos: en efecto, en el desenlace, Patrick debe optar por lo que le dicta su conciencia o por una solución acomodaticia y pragmática; y su decisión final le deja un regusto amargo.



The tough private eye Patrick Kenzie was raised in a poor and dangerous neighborhood of Boston, and works with his partner and girlfriend Angie Gennaro generally tracking missing losers in debt. When the four year-old Amanda McCready is abducted from her apartment, her aunt Beatrice 'Bea' McCready calls the police and the press, and the case is highlighted with the spots by the media. Then Bea hires the reluctant Patrick to work in the case because he is not a cop and based on his great knowledge of their neighborhood. Meanwhile Capt. Jack Doyle, who lost his own daughter many years ago and is in charge of the investigation, assigns detectives Remy Bressant and Nick Pole to give the necessary support to Patrick. After interviewing the addicted low life mother of Amanda, Helene McCready, Patrick goes to a bar and discloses that Helene was on the streets with her boyfriend Skinny Ray Likanski dealing and using drugs on the day Amanda disappeared. Along his investigation, Patrick faces smalltime criminals, drug dealers, pedophiles and corruption, facing a moral issue to solve the case.

"Fascinante thriller. (...) 'Gone Baby Gone' está llena de oscuros secretos, y la forma en que son desentrañados te mantendrá pegado a la butaca." (Peter Travers: Rolling Stone)

"El resultado es un ejercicio superior del procedimiento policial, y algo más: un estudio de la tortuosa naturaleza humana. (...) lo que distingue al guión es (...) lo bien ocultos que están los secretos, y el perfecto sentido que tiene el cuándo éstos son revelados." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Un debut portentoso." (M. Torreiro: Fotogramas)


"Un gran trabajo no sólo de escritura, sino también de puesta en escena. (...) Un filme sucio, áspero e incómodo" (Javier Ocaña: Diario El País)

"La adaptación de la novela es brillante (...) Nos hace pensar de verdad y, lo que es más difícil, sin volverse trascendental ni aburrir." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

"Un thriller apasionante y complejo (...) trabajo excepcional de un reparto encabezado por un apropiadísimo Casey Affleck." (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

2007: Nominación al Oscar a mejor actriz de reparto (Amy Ryan)

Director: Ben Affleck. Intérpretes: Casey Affleck (Patrick Kenzie), Michelle Monaghan (Angie Gennaro), Morgan Freeman (Jack Doyle), Ed Harris (Remy Bressant), John Ashton (Nick Poole), Amy Ryan (Helene McCready), Amy Madigan (Bea McCready), Titus Welliver (Lionel McCready), Michael Kenneth Williams (Devin), Mark Margolis (Leon Trett). Guión: Ben Affleck y Aaron Stockard; basado en la novela de Dennis Lehane. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: John Toll. Título Original: Gone baby gone. País: USA. Año: 2007. Duración: 114 min. Género: Drama, thriller.

jueves, 18 de septiembre de 2008

El Americano Impasible

Remake del filme de Mankiewicz de 1958 de mismo título -"The Quiet American"- y basado en la novela de Graham Greene. En 1952 en Indochina, Vietnam libra una guerra contra Francia por liberar su territorio de manos extranjeras. En este contexto se centra un triángulo amoroso compuesto por un veterano periodista inglés -Michael Caine-, un joven americano -Brendan Fraser- y una bella mujer vietnamita, en un mundo donde nada es lo que parece, un mundo de opio, intrigas y traiciones.

Adaptación de la novela homónima de Graham Greene. Como es habitual en la obra del escritor británico, plantea los dilemas morales a que están sometidos los personajes. El modo de hacer de Fowler, que realiza su tarea de corresponsal de guerra con una pose de cinismo-realismo, contrasta con el idealismo e ingenuidad de Pyle. Pero ni Greene ni el director, Phillyp Noyce, caen en el error del maniqueísmo: sus personajes son complejos.
De modo que Fowler se verá obligado a tomar partido, y Pyle acabará enseñando los repliegues más oscuros de su personalidad. Además, a las ideas ideológicas y vitales se añade, como razón para tomar decisiones, la rivalidad amorosa. De modo que la resolución del film adopta una calculada ambigüedad, que lo eleva muy por encima de lo trivial.
Para perfilar a Fowler, ese británico un poco de vuelta de todo, que duda acerca de la actitud a tomar por su chica, Michael Caine se basta y se sobra: su nominación al Oscar es más que merecida. Pero igualmente bien están Brendan Fraser (cuando quiere hace notables papeles "serios) y Hai Yen (la chica vietnamita, al que su amor con un occidental le supone una notable oportunidad para "salir del arroyo", como le hace ver su pragmática hermana).

TRAILER

"Mejor que la versión de Mankiewicz, por dos factores: uno, su fidelidad al original; otro, la presencia de un inmenso actor, Caine" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

"Magnífica película (...) inspirado guión de Christopher Hampton, resuelto con eficacia y sensibilidad por el director, (...) brillante trabajo de sus actores" (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

2002: Nominada al Oscar: Mejor actor (Michael Caine)
2002: Nominada BAFTA. Mejor actor
2002: Nominada al Globo de oro: Mejor actor - drama
2002: National Board of Review: Mejor director (Phillip Noyce)


Director: Phillip Noyce. Intérpretes: Michael Caine, Brendan Fraser, Do Thi Hai Yen, Rade Serbedzija, Tzi Ma, Robert Stanton, Holmes Osborne, Quang Hai. Guión: Christopher Hampton, Robert Schenkkan. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Christopher Doyle. Título Original: The Quiet American. Año: 2002. Duración: 101 min. Género: Drama

miércoles, 17 de septiembre de 2008

Serendepity

El término "serendipity" designa la capacidad que tienen algunas personas de protagonizar encuentros fortuitos y agradables. Y, aunque ellos lo ignoran, Jonathan y Sarah están a punto de convertirse en auténticos maestros de "serendipia". Todo comienza un día de Navidad en Nueva York. Ambos han acudido a unos grandes almacenes para comprar regalos a sus respectivas parejas. Unos guantes de lana pueden ser una buena elección. Ambos se encuentran frente al mostrador. El problema es que sólo quedan un par de guantes. Conversan, ríen y conectan de modo asombroso, hasta el punto de que deciden tomar algo en una cafetería y patinar sobre hielo en el Central Park. Cuando, al despedirse, se disponen a intercambiar los teléfonos, la duda entra en sus conciencias. Sarah toma una decisión: permanecer en el anonimato. Si han de volver a encontrarse, el destino se encargará de ello y entonces ya no tendrán que preocuparse. Pasarán los años. Sus andanzas han corrido por cauces diferentes y ambos están a punto de casarse.

¡Qué maravillosa puede ser la vida en las películas! ¡Qué disparatada y entrañable! Estamos ante una comedia romántica de corte clásico, donde la casualidad y el enredo componen un divertido y delicioso tapiz que sólo resplandecerá cuando esté enteramente completado. Hay dos cosas que logran que esta película sobresalga muy por encima de los productos del género. Por un lado tienen lugar en ella algunas escenas realmente logradas, de encanto superlativo, como la apuesta en los ascensores del Waldorf Astoria o la lección de astronomía en el brazo de Sarah. Sin embargo esa magia cinematográfica es posible únicamente gracias a la química que hay entre John Cusack y Kate Beckinsale. El encantamiento entre ambos no tiene nada que envidiar a los que se producen en el colegio Hogwarts, por poner un ejemplo conocido. Y tal es el magnetismo de su serendipia que uno sale transformado después de ver la peli, mientras se pregunta ligeramente obsesionado: ¿me puede pasar a mí?


La película cuenta además con un buen puñado de fantásticas canciones, unos secundarios bastante apañaditos (los amigos de los protagonistas son un perfecto contrapunto) y un ritmo milimétrico que va in crescendo hasta la escena final. Una delicia, vamos.

TRAILER

While each grabbing for the last pair of black cashmere gloves at Bloomingdale's in New York, Sara Thomas and Jonathan Trager meet. Despite each being in a relationship with other people at the time, they spend an amazing afternoon together. Jonathan wants her contact information "just in case", but Sara, a fatalist, plays games of fate with Jonathan to determine if they are indeed meant to be together now or in the future. At the end of the day, the two only have a few pieces of information about the other, which does not include the other's last name or telephone number as they part company. One of Sara's last games of fate that day has each leaving a identifier to the other (Jonathan and Sara scrawl their full name and telephone number on a $5 bill and a used book, respectively), which if each comes into the possession of the other by happenstance, Sara believes they are meant to be together. A few years later, Jonathan is engaged and soon to be married to a woman named Halley. Concurrently, Sara, now living in San Francisco, has too just gotten engaged to Lars, a new ageist musician. However, the thought of Sara is foremost in Jonathan's mind. Sara too is thinking about Jonathan rather than Lars. As Jonathan's wedding day approaches, Jonathan, with his best friend Dean at his side, uses a methodical approach to locate Sara. On the other hand, Sara, with her best friend Eve at her side, uses a more fatalistic approach to finding Jonathan. Will either of their search efforts result in success, especially before Jonathan's scheduled wedding?

"Si la respuesta de Hollywood al terrorismo [NT: esta crítica de Travers es de octubre de 2001] será borrar toda cruda realidad en favor del lado bello de la vida, los resultados puede que sean como 'Serendipity'. (...) ¿Las comedias románticas tienen que estar llenas de azucarada stupidity? Esta lo está." (Peter Travers: Rolling Stone)

"Serendipity nos hace regresar, aunque sea sólo por un par de horas, al Manhattan de nuestros sueños." (Jay Carr: Boston Globe)

"No tengo problemas con el destino. Dejar a los protagonistas en manos de este guión es otra cosa. (...) tantas asombrosas coincidencias y cósmicas casualidades que no es que el 'destino' llame a la puerta, es que entra con un equipo de asalto." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Se eres capaz de creer en el disparatado concepto de 'Serendipity', puede que pienses que descubrir esta entretenida historia de amor ha sido un golpe de suerte." (Claudia Puig: USA Today)

"Serendipity nos pide que creamos que la voluntad del destino está influenciada por viejas películas, y que se merece unas temporadas al estilo de la serie de TV 'Mad About You' (Loco por ti). ¿Acaso los dioses no tienen cosas mejores que hacer?¿O al menos no tienen más canales por cable que los meros mortales?" (A. O. Scott: The New York Times)

"El cine norteamericano está plagado de comedias románticas que son como pompas de jabón. En alguna medida son perfectas, pero en realidad, una vez que se rompen, que se acaban, se descubre que no son nada. Han cumplido su función y poco más. Esto es lo que ocurre con Serendipity" (Augusto M. Torres: Diario El País)

Director: Peter Chelsom. Interpretes: John Cusack (Jonathan Trager), Kate Beckinsale (Sara Thomas), Jeremy Piven (Dean), Molly Shannon (Eve), John Corbett (Lars Hammond), Bridget Moynahan (Halley Buchanan), Eugene Levy (Macall Polay), Lucy Gordon (Caroline Mitchell), Kate Blumberg (Courtney). Guión: Marc Klein. Música: Alan Silvestri. Fotografía: John de Borman. Título en Latinoamérica: Señales de amor. País: USA. Año: 2001. Duración: 90 min.

martes, 16 de septiembre de 2008

Beowulf

Adaptación del poema épico Beowulf. En un tiempo de héroes, el poderoso guerrero Beowulf da muerte al demonio Grendel, provocando la ira de su monstruosa a la vez que seductora madre, en un conflicto que transforma a un rey en una leyenda.

Película inspirada, bastante lejanamente, en el poema épico anglosajón homónimo, situado en la Dinamarca del siglo VI, y que con sus 3.182 líneas es uno de los más importantes en inglés antiguo: no hay seguridad a la hora de datarlo, pero parece que se escribió entre el siglo VIII y el XI. La historia transcurre en Escandinavia, donde el rey Hrothgar ve amenazado su reino por las salvajes escabechinas que organiza una increíble criatura que responde al nombre de Grendel. Por suerte acude en su ayuda Beowulf, un valiente guerrero, acompañado de sus hombres. El combate será bestial, e incluso una vez finalizado, queda el reto de enfrentarse a la madre del "bicho".
Como trama argumental, la cosa resulta bastante simple. Se trata de la misma épica que se quiso explotar en 300, muy grandilocuente, pero vacua, y donde las referencias literarias son mera excusa para ofrecer acción, mucha y bien rodada acción. Tenemos héroes muy valientes, dispuestos a arrostrar mil y un peligros, aunque sin ideales de entidad que los muevan. A cambio se nos ofrece una filosofía a lo Nietsche en versión barata, por la que se quiere contraponer la grandeza y valentía de los héroes paganos de antaño con los incipientes mártires cristianos, que se conformarían dócilmente con su muerte. Hay, sí, mucha violencia gore, con la sangre salpicando, claro está, algo que no sorprende si se tiene en cuenta que Robert Zemeckis dispone del guionista Roger Avary, un amiguete de Quentin Tarantino al que "le va la marcha". Y llama la atención un curioso culto al cuerpo, donde se juega a mostrar generosamente la anatomía de los protagonistas, pero sin traspasar ciertas fronteras escudados en que son "dibujos", a ver si cuela ante el censor de turno (coló en Estados Unidos parcialmente, pues le atizaron la calificación PG-13, de menores de 13 años acompañados, "por sus secuencias de violencia, algún material sexual y desnudos").
Esta película pasará a los anales de la historia del cine por ser el primer título estrenado de modo masivo en 3D, o sea, en tres dimensiones, en un nuevo intento de volver a convertir la experiencia de ver una película en sala en algo irrepetible, no comparable a visionarla en el salón de casa o en el ordenador. En Estados Unidos ha llegado en este formato a 800 salas, pero en otros países la oferta tridimensional es bastante menor (en España se puede ver en 6 salas). Sin duda que la filmación por el sistema de "motion capture" (se filma a los actores con uno sensores, y luego se les anima digitalmente en escenarios espectaculares) ha mejorado bastante desde Polar Express, también de Robert Zemeckis (el cineasta siempre ha sido un pionero en el uso de los efectos especiales, piénsese en Regreso al futuro, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y Forrest Gump), y que se aprovecha el efecto 3D al máximo. Pero también es cierto que si se piensa bien, tampoco ha habido pasos que se puedan calificar de "revolucionarios" en lo tridimensional, seguimos con las gafitas de los años 50 más o menos mejoradas.

TRAILER

In Denmark, A.D. 507, the realm of King Hrothgar is threatened by the tormented demon Grendel that attacks the locals in their celebrations. The Danish king offers a reward for the death of the creature, attracting to Herot the brave Geat warrior Beowulf that seeks for glory. After a fierce battle, Beowulf defeats the demon and after receiving an old relic as reward, he finds his men slaughtered in the party saloon of the castle. King Hrothgar advises that the Grendel's mother was the responsible for the bloodshed and Beowulf chases her in the lake where she lives. The creature takes the form of a seductive woman and seduces Beowulf with a promise of becoming an invincible and wealthy king if he makes love to her and gives his golden relic to her. Years later, King Beowulf feels the aftermath of his sin.

"Zemeckis y su equipo de animación de 3-D consiguen dotar de vibrante vida al heroico poema. (...) la audiencia experimentará una total inmersión en el mundo de 'Beowulf' con la mejor técnica de 3-D." (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)

"Es escandalosamente entretenida. (...) Zemeckis despliega tan poderosas sorpresas en 3D que pensarás que 'Beowulf' es tu propio rincón de diversión." (Peter Travers: Rolling Stone)

"Tiene poderío y profundidad." (Richard Corliss: Time)

"No es la 'reinvención de la rueda', pero en 3D es una asombrosa experiencia que hace casi obligatoria verla, y que eleva el listón de lo que James Cameron está planeando con 'Avatar'." (Tom Ambrose: Empire)

"Beowulf no podría ser menos fiel al poema épico original, y eso es de hecho una buena cosa para los cinéfilos. Es mucho más entretenida que la aventura mítica que la mayor parte de nosotros leímos en la escuela." (Claudia Puig: USA Today)

"El 3-D es necesario en la película sólo para mantener tus ojos atentos mientras tu mente comienza a vagar. Despojada de casi todo el lenguaje del poema original; su cadencia, su profundidad histórica y su contexto, no ofrece mucho más allá de los "¡oh!" de su 3-D" (Manohla Dargis: The New York Times)

"En el proceso de digitalización de la carne, la pantalla recoge toda la traza, la carcasa de los actores pero no su esencia y eso repercute en la implicación de uno en el calor de la trama (...) Hay, a pesar de todo, escenas magníficas." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Actores como juguetes. (...) fantasía demasiado ingenua para los adultos y demasiado patética para los niños (...) un entretenimiento que deja la impresión de que podría haber sido o quizá es mucho más divertido, por participativo, como videojuego." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

"Me ha sorprendido gratamente" (Carlos Boyero: Diario El País)

Director: Robert Zemeckis. Interpretación: Ray Winstone (Beowulf), Anthony Hopkins (rey Hrothgar), John Malkovich (Unferth), Robin Wright Penn (Wealthow), Brendan Gleeson (Wiglaf), Crispin Hellion Glover (Grendel), Alison Lohman (Ursula), Angelina Jolie (madre de Grendel). Guión: Roger Avary, Neil Gaiman. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Robert Presley. País: USA. Año: 2007. Duración: 113 min. Género: Animación, acción, drama, fantasía.

lunes, 15 de septiembre de 2008

Llamada Perdida

Beth Raymond (Shannyn Sossamon) se queda traumatizada cuando presencia las horribles muertes de dos amigos con pocos días de diferencia. Lo que le resulta aún más preocupante es que sabe que ambos habían recibido espeluznantes mensajes en sus móviles, grabaciones reales de sus propios y terribles últimos momentos. Increíblemente, recibieron las llamadas días antes de morir, pero cada muerte ocurrió precisamente en el momento y del modo que el mensaje anunciaba. La policía cree que Beth está equivocada, excepto el detective Jack Andrews (Ed Burns), cuya propia hermana murió en un extraño accidente que guarda una curiosa similitud con las muertes de los amigos de Beth. Juntos, Jack y Beth trabajan febrilmente para esclarecer el misterio que hay detrás de las siniestras llamadas.

En el terror estadounidense conviven dos tendencias al principio del nuevo milenio, importar cineastas franceses, como Alexandre Aja (Las colinas tienen ojos) o David Moreau y Xavier Palud (The Eye), y los remakes de cintas japonesas. No es de extrañar por tanto que hayan reclutado al francés Eric Valette, que ha despuntado en el género en su país con Maléfique, para este remake de la japonesa Llamada perdida. El original de Takashi Miike -basado en una novela de Yasushi Akimoto- nació, como se puede comprobar en el argumento, a rebufo del extremado éxito de The Ring (El círculo), cuya influencia en el cine fantaterrorífico contemporáneo es sólo comparable -salvando mucho las distancias- a la de Scarface, el terror del hampa, al cine de gangsters, si bien esta última ha inspirado grandes obras maestras.


Si The Ring (El círculo) sorprendió por su originalidad, empieza a resultar agotadora la enésima repetición de las mismas amenazas de muerte en cadena y fantasmas de movimientos bruscos, entrecortados mediante una técnica de eliminación de fotogramas en el montaje. Por lo demás, el tal Eric Valette crea una atmósfera bastante adecuada, y logra introducir más o menos bien los giros del guión. Además, tiene actores muy superiores a la media del género, pues Edward Burns eleva mucho el nivel, así como las jóvenes Shannyn Sossamon y Ana Claudia Talancón, que es la que sostiene la mayor parte de la trama. Un espectador que desconozca los precedentes, pasará un rato sobrecogido, por lo que se puede decir que es un producto que cumple sus objetivos.

TRAILER

After the death of their friend Shelley, Leann Cole receives a voice mail from the future of the date and time when she would die. On the scheduled day, Leann sees weird things and in the precise informed hour, Leann is attacked by a supernatural force on a footbridge over a train station while talking to her friend Beth Raymond. Beth meets Leann's boyfriend Brian, who also received a call, and witnesses his death on the street. When her roommate Taylor Anthony receives a call, Beth befriends Det. Jack Andrews, who tells her that his sister was the first victim of the phone call. They decide to investigate the connections of Jack's sister and find the name of Marie Layton, who apparently abused of her daughters. Jack and Beth run against time trying to save Beth from her fate.

"La dirección no está inspirada, las interpretaciones no tienen vida y el guión bordea la ineptitud." (Richard James Havis: The Hollywood Reporter)

"Su mayor susto es la ausencia de Sarah Michelle Gellar. (...) El guión de Klavan sacrifica la coherencia por la atmósfera en todo momento. (...) desconectar es la única respuesta posible." (Jeannette Catsoulis: The New York Times)

"Fotocopia de 'todo a 100'. (...) un borroso remedo sin tensión ni escalofrío, en el que lo único novedoso es la mortífera melodía del móvil."(Javier Ocaña: Diario El País)

"Terror recalentado. (...) enésima variación de una idea que una vez fue original." (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

"De lo malo, lo peor. (...) el filme es aburridísimo, todo lo que pasa es previsible y obvio, el director (...) da una lección magistral de incompetencia, las interpretaciones son patéticas" (Alberto Luchini: Diario El Mundo)

Director: Eric Valette.  Interpretes: Shannyn Sossamon (Beth Raymond), Edward Burns (Jack Andrews), Ana Claudia Talancón (Taylor Anthony), Ray Wise (Ted Summers), Azura Skye (Leann Cole), Johnny Lewis (Brian Sousa), Jason Beghe (Ray Purvis), Margaret Cho (Mickey Lee), Meagan Good (Shelley Baum), Rhoda Griffis (Marie Layton). Guión: Andrew Klavan; basado en la novela "Chakushin ari" de Yasushi Akimoto. Música: Reinhold Heil y Johnny Klimek. Fotografía: Glen MacPherson. Título Original: One missed call. Países: USA, Japón, Reino Unido y Alemania. Año: 2008. Duración: 87 min. Género: Terror, thriller.

domingo, 14 de septiembre de 2008

Blade

En un mundo cohabitado en guerra por hombres y vampiros Blade es un vampiro que, al contrario que el resto, no se alimenta de humanos, y que pretende acabar con la raza de "seres superiores" que mordieron a su madre cuando estaba embarazada.

El cómic de Marvel ha sido adaptado a la pantalla por David S. Goyer, autor de uno de los films del género fantástico más interesante de los últimos tiempos: Dark City. El británico Stephen Norrington, procedente del mundo del videoclip, dirige la cinta. Y ha apostado por dar a Blade un "look" de semivampiro elegante, con clase: gafas oscuras, ropas negras y grises, gabardina flotante en las escenas de acción. En cambio Frost (encarnado por Stephen Dorff) es un vampiro macarra y mal afeitado, con una pinta permanente de colgado; no en vano es muy aficionado a organizar orgías vampíricas. Mucha sangre y efectos especiales salpican a este violento título, que trata de ser fiel a los dictados del cómic en que se basa.


Wesley Snipes, el popular actor de color (Sol Naciente, Demolition Man, Pasajero 57) da vida con fortuna al torturado Blade. Aunque no estamos ante un film que exija grandes esfuerzos interpretativos, el actor se muestra inspirado cuando, casi al final, descubre un terrible secreto en torno a su madre. Snipes demuestra además que sus aptitudes como karateka no han perdido fuerza con los años.

TRAILER

When Blade's mother was bitten by a vampire during pregnancy, she did not know that she gave her son a special gift while dying: All the good vampire attributes in combination with the best human skills. Blade grew up to be a vampire hunter for revenge on his mother's death. The vampires, who managed to infiltrate nearly every major organization, need Blade's very special blood to summon La Magra, the blood god, in order to reign over the human cattle, as they call us.


"Historia de vampiros con la rotunda y morbosa presencia de Stephen Dorff; el mito de la lujuria vampírica tiene nuevo sentido en las pálidas carnes de este joven actor" (Ángel Retamar: Cinemanía)

"Convencional, previsible y ultraviolenta" (Omar Khan: Diario El País)

"Con estilo de videoclip, propone truculencia de diseño, planificación cambiante (...) desdeñando argumento, diálogos y personajes." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

Obtuvo un gran éxito de taquilla.


Director: Stephen Norrington  Intérpretes: Wesley Snipes, Stephen Dorff, Kris Kristofferson, N'Bushe Wright, Donal Logue, Udo Kier, Arly Jover, Traci Lords. Guión: David S. Goyer . Música: Mark Isham.  Fotografía: Theo van de Sande.  Año: 1998.  Duración: 95 min.  Género: Acción

sábado, 13 de septiembre de 2008

Tres Fugitivos

En su primer día en la calle tras cumplir una condena por 14 robos a mano armada, Lucas (Nick Nolte) se encuentra atrapado en el atraco de otro. Perry (Martin Short) ha decidido asaltar el banco de la localidad para conseguir el dinero suficiente para su hija Meg y para el tratamiento médico que necesita. El detective Dugan asumirá que el robo es obra del ingenio de Lucas, y Lucas, Meg y Perry se convierten en tres fugitivos... Remake norteamericano de Francis Veber de su propia película francesa de 1986, "Les Fugitifs".

Remake de la francesa “Dos fugitivos”, también dirigida por el especialista en este tipo de comedias Francis Veber, rodada y ambientada en los USA, que a pesar de contar con el siempre excelente Nick Nolte en el papel del ex presidiario que hacia Gerard Depardieu , no aporta nada a la normalita película que era la francesa (Martin Short en el papel que hacia el ahora desaparecido gran cómico Pierre Richard queda en evidencia).
Si ya has visto la francesa, puedes perfectamente pasar de esta que nos ocupa.
ESCENA
Daniel Lucas, who was recently released from prison after being there because of 14 bank robberies, walks into a bank to start an account, then Ned Perry walks into the bank and tries to rob the place, taking Lucas hostage. Detective Dugan, knowing Lucas's history, assumes that Lucas and Ned are pulling the heist together. With no choice in the matter, Lucas is forced to engineer their getaway. Complicating the situation further is Ned's 6-year-old daughter Meg, who has been mute since the death of her mother. With his bank account depleted, Ned loves Meg so much that he has robbed the bank to get enough money to get Meg the psychiatric care she needs, and so he can have enough money to have custody of Meg and raise her. Meg loves Ned, and finds herself drawn to Lucas as well. While they are on the lam from the cops, the three of them begin to bond as a makeshift family.

"Simplona comedia (...) simplona y poco más." (Fernando Morales: Diario El País)

Director: Francis Veber. Intérpretes: Nick Nolte, Martin Short, Sarah Rowland, James Earl Jones, Alan Ruck, Bruce McGill, Kenneth McMillan. Guión: Francis Veber (Remake). Música: David McHugh. Fotografía: Haskell Wexler. Título Original: Three Fugitives. Año: 1989. Duración: 90 min. Género: Comedia, Remake

viernes, 12 de septiembre de 2008

Love Me Tender

Desde el momento en que nació, Harmony Jones (Kim Basinger), una atractiva y exitosa vendedora de cosméticos de la marca Pink Lady, parecía estar vinculada al Rey. ¿Y por qué si no Elvis participó en el show de Ed Sullivan la noche en que ella nació e incluso crecieron en la misma localidad?. Pero de lo que ella no tenía ni la más remota idea es que su vínculo con Elvis llegaría a ser mortal. Mientras Harmony viaja al volante de su Cadillac rosa descapotable, entrevistándose con aspirantes a chicas de Pink Lady, va sembrando casi sin darse cuenta las carreteras del sudeste con cadáveres de "Elvises". En medio de esta serie de oscuros pero divertidos eventos, Harmony encuentra al hombre de sus sueños, un ejecutivo publicitario de Nueva York llamado Miles Taylor (John Corbett), momento en que su vida da un repentino vuelco, pero el camino hacia el amor verdadero estará lleno de baches. "Love me tender" es un vertiginoso viaje por carretera que sigue las vicisitudes de Harmony, quien se ve perseguida por dos agentes del FBI sobrados de entusiasmo pero ineptos donde los haya, empeñados en cruzarse entre Harmony y su intento por conseguir la felicidad junto a Miles. Pero es a medida que Harmony va esquivando con inteligencia a los dos agentes cuando va reencontrándose consigo misma y descubre el camino hacia el amor verdadero.

La película explota tanto la "Elvismanía" como el talento cómico de la Basinger, acentuado hasta la exageración por su visión hortera e ingenua de la vida. John Corbett está convincente y resulta especialmente surrealista y gracioso el brevísimo cameo de Tom Hanks. Destaca la presencia de la veterana Angie Dickinson.

The successful Pink Lady cosmetics saleswoman Harmony Jones, who uses lipsticks of her competitor to protect her lips, is very connected to Elvis Presley since she was seven years old and met him. She presently wishes to have a boy-friend and raise a family of her own, being lucky in business and unlucky in love. While traveling nearby Las Vegas, she accidentally kills three Elvis Presley impersonators, and she believes the police is chasing her. Meanwhile, she also meets Miles Taylor, who works in an advertising agency in New York, and is traveling to Las Vegas to finalize his divorce process with his former wife, Belinda. She wants her Elvis Presley clothes back as the final condition to sign the divorce papers. Harmony sees the clothes in Miles' hands and believing he is another Elvis impersonator, she avoids him, afraid of hurting him.
"Absurda comedia romántica (...). Con una protagonista absoluta y unos secundarios que se mueven por comportamientos que producen vergüenza ajena en lugar de la empatía que se pretende (...). Cuando buscan la carcajada encuentran el tópico y cuando van a la caza de la sensibilidad se topan con la melaza." (Javier Ocaña: Diario El País)

"Una comedia simpática (...). Tiene varios golpes buenos y algún que otro golpazo (...), se permite una cierta y sana coña a propósito de la figura de Elvis y de sus increíbles imitadores." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

Director: Joel Zwick. Intérpretes: Kim Basinger (Harmony Jones), John Corbett (Miles Taylor), Annie Potts (Shirl), Sean Astin (Aaron), Mike Starr (Sal), Phill Lewis (Charlie), Denise Richards (Belinda), Philip Charles MacKenzie (Darren Swirl), Gil McKinney (Joven Elvis), Angie Dickinson (Bobette), Tom Hanks (Mailbox Elvis), Pat Morita (Hombre con turbán). Guión: Mitchell Ganem y Adam-Michael Garber. Música: David Kitay. Fotografía: Paul Elliott. Título Original: Elvis has left the building. País: USA. Año: 2004. Género: Comedia.

jueves, 11 de septiembre de 2008

Salvador

A principios de los años setenta, el Movimiento Ibérico de Liberación (MIL), un grupo izquierdista formado por un puñado de militantes españoles y franceses muy jóvenes, pone en jaque a la policía al cometer varios atracos en Cataluña con el objetivo de conseguir dinero para apoyar a los sectores más combativos del movimiento obrero. En un primer momento, el éxito de sus acciones espectaculares, provocadoras e irreverentes proporciona a los jóvenes del MIL una sensación de invulnerabilidad que termina bruscamente en septiembre de 1973, cuando efectivos de la Brigada Político Social tienden una trampa a dos de sus militantes. En el transcurso de su detención se produce un confuso tiroteo en el que muere un joven inspector de policía. Salvador Puig Antich (Daniel Brühl) resulta gravemente herido y, tras pasar por el hospital, ingresa en la cárcel Modelo de Barcelona a la espera de un consejo de guerra. A partir de ese momento, tanto sus hermanas como sus abogados inician, ante la indiferencia general, una carrera contrarreloj para salvar la vida del joven activista. Pero el 20 de diciembre de 1973 se produce el atentado de ETA contra el presidente del Gobierno Franquista, el almirante Carrero Blanco, y Salvador Puig Antich se convertirá en el chivo expiatorio que un sector del Régimen Franquista reclama. El Consejo de Guerra contra Puig Antich es una farsa y el joven Salvador es condenado a muerte. Todos los intentos por salvarlo, incluso una improbable y rocambolesca fuga, resultarán inútiles y el 2 de marzo de 1974 Puig Antich es ejecutado mediante el "garrote vil". Su muerte trágica y cruel deja una gran huella, durante años, a toda una generación que aún se pregunta si pudo hacer algo más para evitar una ejecución tan terrible como inútil.


El director de Antártida reconstruye esta historia real, basándose en un conocido libro de Francesc Escribano. Manuel Huerga hace gala de un dinamismo visual poco frecuente en el cine español, y se luce dirigiendo al excelente reparto, encabezado por el alemán Daniel Brühl, protagonista de Good bye, Lenin! Pero acumula tópicos en su primera parte, que idealiza la lucha armada y los movimientos extremistas, frente a unos policías que parecen malvados de opereta. Huerga lo explica diciendo: "Hace lo que hace para conseguir un mundo más justo e igualitario y asume riesgos y da la cara por quienes ni siquiera le conocen. Por eso nos subleva su asesinato, por eso hacemos una película. Porque su muerte no debe quedar en el interesado olvido de quienes todavía hoy lo quieren hacer pasar por un pistolero, despolitizando sus razones y su ideario."
Gana sustancialmente en intensidad dramática en la segunda mitad, centrada en el proceso, y que parece más documentada, con personajes de carne y hueso.


A profile of anarchist and bank-robber Salvador Puig Antich, whose 1974 execution under the dictatorship of Francisco Franco ushered in a period of unrest that helped Spain transition to democracy.

"Estuve a punto de largarme de la sala en los primeros 10 minutos, en los que todo huele a falso y abuso de lugares comunes. El resto me parece buen cine, auténtico (...) Huerga evidencia otra vez un notable poderío visual (...) complejo personaje magistralmente interpretado por Daniel Brühl." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Sorprende por lo bien hecha y contada que está (...) Todo en 'Salvador' es de primera calidad (...) tiene empaque pero también sustancia." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Su guión y su puesta en escena conducen inexorablemente al espectador hacia un final impresionante (...) en alguno de sus momentos la película se convierte en algo absoluto, magistralmente insoportable" (M. Torreiro: Diario El País)

"El resultado (...) exilia toda tentación de nostalgia y esquiva el peligro del registro 'vidas de santos' (...) película quizá imperfecta, pero puntuada por inusuales ráfagas de verdad y de purísimo cine." (Jordi Costa: Fotogramas)

Director: Manuel Huerga. Intérpretes: Daniel Brühl (Salvador Puig Antich), Tristán Ulloa (Oriol Arau), Leonardo Sbaraglia (Jesús), Leonor Watling (Cuca), Ingrid Rubio (Margalida Bover), Celso Bugallo (Padre de Salvador), Joaquim Climent (Policía), Antonio Dechent (Policía), Carlos Fuentes (Paco), Joel Joan (Oriol), Bea Segura (Montse), Olalla Escribano (Inma Puig). Guión: Lluís Arcarazo; basado en el libro "Cuenta atrás: Historia de Salvador Puig Antich" de Francesc Escribano. Música: Lluís Llach. Fotografía: David Omedes. Título Original: Salvador Puig Antich. Países: España y Reino Unido. Año: 2006. Duración: 138 min. Género: Drama.

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