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martes, 31 de mayo de 2011

Atraco perfecto

Johnny Clay, un ex convicto, ha decidido dar el último golpe de su vida: llevarse la recaudación de un hipódromo. Selecciona meticulosamente a los que serán sus colaboradores, y planea la estrategia del asalto con precisión insospechada...

Stanley Kubrick debutó con Fear and Desire, y El beso del asesino, prometedoras, y visualmente impecables, pero aún muy alejadas de sus grandes obras maestras. Su primer trabajo redondo fue esta excelente muestra de cine negro, con muchos elementos en común con La jungla de asfalto, el clásico de John Huston. Probablemente se trate de uno de los mejores trabajos del autor de 2001: una odisea del espacio, La naranja mecánica y sobre todo la excelente Senderos de gloria. Aunque tenía sólo 26 años cuando la rodó, obtuvo una hondura dramática propia de las grandes obras del celuloide.

En uno de sus mejores trabajos, Sterling Hayden interpreta a Johnny Clay, un convicto recién salido de la cárcel que sólo piensa en dar un gran golpe que le solucione la vida. El plan consiste en desvalijar la caja de un hipódromo, un día concreto en el que se disputa un gran premio. Para llevar a cabo su plan, cuenta con la ayuda de cuatro compinches.

El propio Kubrick compuso el guión, en el que brillan los imaginativos diálogos, con el novelista Jim Thompson, a partir de la novela "Clean Break", de Lionel White. Aprovecha elementos de primera, como la fotografía de Lucien Ballard y el cuidado trabajo de los actores. Kubrick, obseso perfeccionista, reflexiona sobre su tema favorito, el hecho de que la adversidad eche por tierra un plan perfecto. Además, es una de las grandes películas sobre la ambición.

Johnny Clay has a plan. After spending 5 years in Alcatraz, he decides that if he's going to commit crimes, the risk had better be worth the punishment. He then proceeds to mastermind a brilliant criminal scheme to steal $2,000,000 from a local racetrack in which "no one will get hurt." The only flaw in his plan is that he does not consider one of his co-horts' greedy, shrewish wife and her ruthless boyfriend. That's when something goes wrong...

"La mejor película de Kubrick (...) Genial guión; Kubrick exprimió el zumo de la imaginación del gran novelista Thompson y logró que escribiese uno de los juegos de geometría cinematográfica más precisos de que hay noticia" 
(Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

Director: Stanley Kubrick
Intérpretes: Sterling Hayden, Vince Edwards, Coleen Gray, Jay C. Flippen, Elisha Cook Jr., Marie Windsor
Argumento: Lionel White (novela)
Guión: Stanley Kubrick, Jim Thompson
Música: Gerald Fried
Fotografía: Lucien Ballard
Título Original: The Killing
Año: 1956
País: EE.UU.
Duración: 80 min.
Género: Cine negro


Generación Robada

Basado en hechos reales. En 1931, tres chicas aborígenes australianas -Molly, Gracie y Daisy- fueron raptadas por la policía para ser entrenadas para trabajar como empleadas domésticas. Las dijeron que no tenían ya madres. Las tres niñas se escaparon y emprendieron una odisea de 1500 millas para poder regresar a casa. Esta es la historia de los hechos.

El director australiano Phillip Noyce, que ha conseguido un inmenso prestigio en Estados Unidos con películas como Juego de patriotas, Peligro inminente y más recientemente El americano impasible, regresa a su país natal para adaptar una novela de Doris Pilkington, en la que ésta narra la historia real de su madre, arrancada de su hogar desde muy pequeña. Pero ella, emprende una huida con sus dos hermanas, aún menores, que las llevará a cruzar durante tres meses más de 2.400 kilómetros a pie por los inhóspitos desiertos australianos, perseguidas por un experto rastreador negro.
Noyce consigue conmover al espectador con un estilo realista, y unas cuantas imágenes documentales al final que muestran a las auténticas protagonistas. Por su parte, Kenneth Branagh, sorprende una vez más en un papel de villano: el frío y deshumanizado Neville, oficial para la protección de los aborígenes.

Western Australia, 1931. Government policy includes taking half-caste children from their Aboriginal mothers and sending them a thousand miles away to what amounts to indentured servitude, "to save them from themselves." Molly, Daisy, and Grace (two sisters and a cousin who are 14, 10, and 8) arrive at their Gulag and promptly escape, under Molly's lead. For days they walk north, following a fence that keeps rabbits from settlements, eluding a native tracker and the regional constabulary. Their pursuers take orders from the government's "chief protector of Aborigines," A.O. Neville, blinded by Anglo-Christian certainty, evolutionary world view and conventional wisdom. Can the girls survive?

Director: Phillip Noyce
Intérpretes: Everlyn Sampi, Tianna Sansbury, Laura Managhan, Kenneth Branagh, David Gulpilil, Ningali Lawford
Argumento: Doris Pilkington (Libro)
Guión: Christine Olsen
Música: Peter Gabriel
Fotografía: Christopher Doyle
Título Original: Rabit-Proof Fence
Año: 2002
País: Australia
Duración: 94 min.
Género: Drama

lunes, 30 de mayo de 2011

Muerte de un ciclista

Un profesor de universidad y su amante, una mujer casada de la burguesía, atropellan accidentalemente a un ciclista. Temerorosos de que se descubra el adulterio, deciden ocultar el trágico accidente.

Una de las grandes películas españolas del siglo XX, que representa la cumbre cinematográfica de su director, Juan Antonio Bardem, junto con su otra obra maestra, Calle Mayor, producida un año después. Juan, profesor de ingeniería en la universidad, mantiene una relación adúltera con María José, a la sazón esposa de un adusto millonario. La estabilidad de ambos se rompe cuando en una de sus escapadas, Juan y María José atropellan a un ciclista y por miedo a que su amor sea descubierto se dan a la fuga dejando al hombre malherido en el asfalto. La noticia de la muerte del ciclista será una dura prueba para sus conciencias.


La película cuenta con un guión medido, escueto, de pocas palabras, y con unos extraordinarios personajes que captan la atención enseguida. La composición de Alberto Closas es magistral, y su itinerario interior bebe de las fuentes del Raskolnikov de "Crimen y castigo". Juan Antonio Bardem eleva el listón del conjunto con una planificación fantástica -como las imágenes de la carretera, por ejemplo-, a menudo rica en símbolos -el cristal roto, la verja que separa a Juan de su alumna-, y elegantes y sutiles movimientos de cámara. A eso hay que sumar los cuidadísimos encuadres, ajustados, con bellos primeros planos, y unas audaces y efectivas transiciones entre acciones paralelas. La fotografía de Alfredo Fraile es soberbia. Se trata en definitiva de un film técnicamente extraordinario, que cuenta una historia dura, escandalosa para la época, pero de indudable fuerza narrativa. Fue uno de los primeros éxitos de la actriz Lucia Bosé en España, antes de casarse con el torero Luis Miguel Dominguín. La película obtuvo el premio FIPRESCI en el Festival de Cannes.

Juan is an academic, his career stalled, teaching at the university because of his brother-in-law's prestige. María José is a socialite, married to wealth, bored but attached to her comforts. The two are lovers. On an isolated country road, their car strikes a cyclist; fearing exposure, they leave him to die. Distracted, Juan unjustly fails a student. Rafa, a bitter savant in their social circle, hints that he knows something, and he threatens to expose them to María José's husband, Miguel. Miguel's pride may be the lovers' best hope. Then Juan proposes a solution.

"Obra maestra, aún hoy una de las obras capitales del cine español, una película comprometida y combativa, que arremete contra la burguesía de la época y ofrece un desolador retrato de la España franquista" 
(Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

1955: Cannes: Premio de la Crítica Internacional

Director: Juan Antonio Bardem
Intérpretes: Lucia Bosé, Alberto Closas, Otello Toso, Carlos Casaravilla, Bruna Corrà, Matilde Muñoz Sampedro, Julia Delgado Caro, Manuel Alexandre, Mercedes Albert, Emilio Alonso
Guión: Juan Antonio Bardem, Luis Fernando de Igoa
Música: Isidro B. Maiztegui
Fotografía: Alfredo Fraile
Año: 1955
País: España
Duración: 88 min.
Género: Drama

Contact

Eleanor Arroway perdió la fe en Dios tras la muerte de sus padres en su niñez. Sin embargo, Ellie ha desarrollado una clase distinta de fe en lo desconocido: trabaja con un grupo de científicos escrutando ondas de radio procedentes del espacio exterior en busca de señales de inteligencias extraterrestres. Su trabajo se verá recompensado cuando detecte una señal desconocida que supuestamente porta las instrucciones de fabricación de una máquina para reunirse con los creadores del mensaje.

Gran película de ciencia ficción, basada en la novela escrita por el científico Carl Sagan. Dirigida por Robert Zemeckis (oscarizado por Forrest Gump) cuenta con unos magníficos efectos especiales, y una esplendida interpretación a cargo de Jodie Foster y Matthew McConaughey. En cualquier caso, Contact no defraudará a los admiradores de la mítica Encuentros en la tercera Fase, auténtica precursora de esta película.

Astronomer Dr. Ellie Arroway has long been interested in contact to faraway lands, a love fostered in her childhood by her father, Ted Arroway, who passed away when she was nine years old leaving her then orphaned. Her current work in monitoring for extraterrestrial life is based on that love and is in part an homage to her father. Ever since funding from the National Science Foundation (NSF) was pulled on her work, which is referred to some, including her NSF superior David Drumlin, as more science fiction than science, Ellie, with a few of her rogue scientist colleagues, have looked for funding from where ever they could get it to continue their work. When Ellie and her colleagues hear chatter originating from the vicinity of the star Vega, Ellie feels vindicated. But that vindication is short lived when others, including politicians, the military, religious leaders and other scientists such as Drumlin...

"Una vehemente Foster se empeña en demostrar que los extraterrestres existen en esta emocionante cinta (...) Interesante historia de guión con posibilidades que no llegó a más debido a un final bastante flojito" 
(Fernando Morales: Diario El País)

"Irregular, no está a la altura del tema" 
(Manolo Marinero: Diario El Mundo)

1997: Nominada al Oscar: Mejor sonido
1997: Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz drama (Jodie Foster)

Director: Robert Zemeckis
Intérpretes: Jodie Foster, David Morse, Geoffrey Blake, William Fichtner, Matthew McConaughey, Sami Chester, Jena Malone, Tom Skerritt, James Woods, Angela Bassett, John Hurt, Rob Lowe
Argumento: Carl Sagan (novela)
Guión: James V. Hart, Michael Goldenberg
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Don Burgess
Año: 1997
País: EE.UU.
Duración: 144 min.
Género: Ciencia ficción

domingo, 29 de mayo de 2011

Tulsa - Ciudad de lucha

Tulsa, Oklahoma, está viviendo la fiebre del "oro negro". Víctima de ella ha sido un ranchero, asesinado en una disputa con la Tanner Oil Company. Su hija Cherokee busca venganza rivalizando en el negocio, con la ayuda de Brad y Jim. Pero lo que empieza como revanchismo, acaba siendo una lucha por pura ambición de dinero y poder.

El film de Stuart Heisler cuenta con un guionista de raza, Frank S. Nugent, que sabe pintar bien una clásica lucha de western, la de la civilización y el progreso, los petroleros, frente a los amantes de la naturaleza, los ganaderos. A la vez que perfila bien el triángulo amoroso del que son vértices Susan Hayward, Robert Preston y Lloyd Gough. También destaca Pedro Armendáriz como un nativo americano.

1949: Nominada al Oscar: Mejores efectos especiales

Director: Stuart Heisler
Intérpretes: Susan Hayward, Robert Preston, Pedro Armendáriz, Lloyd Gough, Chill Wills, Ed Begley, Jimmy Conlin, Roland Jack
Guión: Richard Wormser, Curtis Kenyon, Frank S. Nugent
Música: Frank Skinner
Fotografía: Winton C. Hoch
Año: 1949
País: EE.UU.
Duración: 90 min.
Género: Drama, Western, Romántico

500 días juntos

Tom aún sigue creyendo, incluso en este cínico mundo moderno, en la noción de un amor transformador, predestinado por el cosmos y que golpea como un rayo sólo una vez. Summer no cree lo mismo, para nada. La mecha se enciende desde el primer día, cuando Tom, un arquitecto en ciernes convertido en un sensiblero escritor de tarjetas de felicitación, se encuentra con Summer, la bella y fresca nueva secretaria de su jefe. Aunque aparentemente está fuera de su alcance, Tom pronto descubre que tienen un montón de cosas en común. La historia de Tom y Summer cubre desde el enamoramiento, las citas y el sexo hasta la separación, las recriminaciones y la redención, todo lo cual se suma al caleidoscópico retrato del por qué y el cómo seguimos esforzándonos de modo tan risible y rastrero para encontrar sentido al amor… y esperar convertirlo en realidad.

Notable debut en el largometraje del director Marc Webb, hasta ahora responsable de algunos videos y cortos musicales. Para hacerse un hueco en la nómina de realizadores con talento elige una comedia romántica atípica, sazonada con mucho acierto con numerosos temas musicales -que para algo es un experto en el tema- y un aire cínico de modernidad deprimente (tan propio ya del cine 'indie'), cuidadosamente estudiado, pero también fresco y eficaz.
"Chico conoce chica. Él se enamora. Ella no". Así de simple reza el 'tagline' de 500 días juntos, y es justamente eso: el amor y el desamor, las cuitas provocadas por las misteriosas relaciones entre los seres humanos, difíciles sobre todo cuando no se comparten ni el mismo enfoque ni la meta a la que se dirigen. En el fondo el planteamiento viene a desentrañar dos clásicas visiones del mundo: la de los que creen en el amor, en el destino, en un porqué de la existencia; y la de los que no creen en absoluto en que la palabra amor signifique algo, la de los que opinan que todo es casualidad, mero azar sin paliativos. Tom es el joven que se enamora de Summer, una chica que conoce en su trabajo. Él es idealista, romántico, capaz de caer hechizado al primer vistazo de la mujer de sus sueños. Ella es práctica, vital, divertida y poco dada a crear fantasías de princesa. Ambos se gustan y el espectador contemplará su historia: el encuentro, los días y días que pasan juntos, las conversaciones, las miradas, las tonterías, las risas, el sexo, las riñas, las dudas, etc.
Como se ve no hay nada nuevo en el horizonte, pero tanto los guionistas -también debutantes en este film- como el director se las ingenian para ofrecer un producto original, visualmente muy atractivo, con variadas secuencias excelentes. Mucho debe el resultado a la química y el buen hacer de los actores, el fantástico Joseph Gordon-Levitt (Brick) y la luminosa Zooey Deschanel (El incidente). Destaca, claro, la abrupta estructura narrativa, pues la narración no lleva un orden cronológico, sino que se presenta salteadamente dentro del amplio abanico de los 500 días del título. La cosa funciona sin más y da lugar a algunas transiciones muy cómicas, aunque en honor a la verdad tanto "capítulo-día" puede resultar un poco reiterativo. Pero felizmente Webb no se estanca en ese montaje, sino que ofrece además verdaderas audacias con la imagen y da lugar a momentos memorables, como el numerito musical -¡con dibujo animado incluido!- que expresa la emoción del enamorado, o las divertidas imágenes en que Tom se imagina soportando su sufrimiento en sesudas películas francesas o del mismísimo Ingmar Bergman. También resulta llamativo que la narración tenga un sesgo muy literario, ejemplo de lo cual es la extraordinaria secuencia de la fragmentacion de pantalla, en donde una parte de ella recoge las expectativas del protagonista y otra la realidad de los hechos. Son, en fin, grandes detalles que hacen diferente a este film romántico, cómico y dramático, de vitola decididamente independiente.

After it looks as if she's left his life for good this time, Tom Hansen reflects back on the just over one year that he knew Summer Finn. Despite being physically average in almost every respect, Summer had always attracted the attention of men, Tom included. For Tom, it was love at first sight when she walked into the greeting card company where he worked, she the new administrative assistant. Soon, Tom knew that Summer was the woman with whom he wanted to spend the rest of his life. Although Summer did not believe in relationships or boyfriends - in her assertion, real life will always ultimately get in the way - Tom and Summer became more than just friends. Through the trials and tribulations of Tom and Summer's so-called relationship, Tom could always count on the advice of his two best friends, McKenzie and Paul. However, it is Tom's adolescent sister, Rachel, who is his voice of reason...

"Una deliciosa comedia, llena de inventiva (...) Esta es una rara película que empieza diciendo cómo acabará, y que trata sobre cómo el protagonista no tiene ni idea de por qué."
(Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Ligera, encantadora y refrescantemente sincera pequeña película."
(A. O. Scott: The New York Times)

"La sublimemente inteligente-sexy-alegre-triste '500 días juntos' te golpea con una ráfaga de puro y romántico oxígeno (...) es también un tipo diferente de historia de amor: una honesta que se lleva un pedazo de ti."
(Peter Travers: Rolling Stone)

"Fragmentos para una cronología del desamor. (...) una comedia romántica que habla tanto al corazón como al cerebro y que marca un memorable hito en la historia del género."
(Jordi Costa: Diario El País)

"Es una peli pequeña, de ésas que pasan de puntillas sin algarabías ni escándalos, pero que toca la fibra sensible ."
(José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

"Pequeña gran joya. (...) Un filme diferente, con interpretaciones excelentes, guiños cinéfilos y momentos grandiosos ."
(Alberto Luchini: Diario El Mundo)

2009: 2 nominaciones al Globos de Oro: Película - Comedia o musical, actor (Gordon-Lewit)
2009: Premios Independent Spirit: Mejor guión. 3 nominaciones

Director: Marc Webb.
Intérpretes: Zooey Deschanel (Summer Finn), Joseph Gordon-Levitt (Tom Hansen), Clark Gregg (Vance), Matthew Gray Gubler (Paul), Rachel Boston (Alison), Geoffrey Arend (McKenzie), Chloë Grace Moretz (Rachel Hansen), Minka Kelly (chica de la entrevista), Patricia Belcher (Millie).
Guión: Scott Neustadter y Michael H. Weber.
Música: Mychael Danna y Rob Simonsen.
Fotografía: Eric Steelberg.
Título original: (500) days of Summer.
País: USA.
Año: 2009.
Duración: 95 min.
Género: Comedia dramática, romance.

sábado, 28 de mayo de 2011

Mejor... Imposible

Jack Nicholson da vida a Melvyn, un solitario escritor de novelas rosas, que tiene un carácter maniático y obsesivo, además de ser una persona sumamente egoísta. Siempre que abre la boca ofende a alguien. Víctimas de sus comentarios caústicos son, entre otros, su vecino Simon, un artista homosexual, y los clientes del restaurante donde acude a comer todos los días. No obstante, una camarera llamada Carol irrumpe en su vida. Ella es la única que puede hacerle cambiar.

James L. Brooks dirige esta comedia basada en una historia de Mark Andrus. El film engancha de principio a fin, y ello es debido a una cuidada puesta en escena, a unos diálogos inteligentes e ingeniosos, y sobre todo, a un acabado retrato de los personajes; todos ellos terminan por hacérsenos encantadores. El resultado final es una comedia perfecta. No es casualidad, pues, que el film fuera premiado con dos Oscar de la Academia en las categorias de mejor actor (Jack Nicholson) y mejor actriz (Helen Hunt).

New York City. Melvin Udall, a cranky, bigoted, obsessive-compulsive writer, finds his life turned upside down when neighboring gay artist Simon is hospitalized and his dog is entrusted to Melvin. In addition, Carol, the only waitress who will tolerate him, must leave work to care for her sick son, making it impossible for Melvin to eat breakfast.

"Comedia de las buenas"
(María Casanova: Cinemanía)

"La rareza de sus propuestas, la grandeza de las interpretaciones y la perfección de su guión la hacen un pequeño clásico. Tiempo al tiempo"
(Javier Ocaña: Cinemanía)

"Imprescindible y deliciosa comedia"
(Fernando Morales: Diario El País)

1997: 2 Oscar: Mejor actor (Jack Nicholson), actriz (Helen Hunt). 7 Nominaciones
1997: 3 Globos de Oro: Película: Comedia o Musical, actor, actriz. 6 nominaciones
1997: 2 premios National Board of Review: Mejor actor, actor secundario (Greg Kinnear)

Director: James L. Brooks
Intérpretes: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Lawrence Kasdan
Guión: Mark Andrus, James L. Brooks
Música: Hans Zimmer
Fotografía: John Bailey
Título Original: As Good As It Gets
Año: 1997
País: EE.UU.
Duración: 141 min.
Género: Comedia

Crossworlds

La línea que separa los dos mundos de nuestra historia, nos permitirá entrar en un místico y pacífico valle donde todas las fuerzas del Universo se enfrentan. La vida de Joe Talbot es aburrida y sin sobresaltos, hasta que una noche al abrir la puerta de su casa ve cómo un extraño jinete avanza hacia ella. Lo contempla entre asombrado y aterrorizado, sin dar crédito a lo que sus ojos están presenciando. Decide escapar pues teme por su vida, y lo hace en compañía de Laura, una bellísima y misteriosa joven llegada a nuestro planeta desde una lejanísima galaxia.Con ella conocerá a un muy particular mercenario, A.T., y sabrá la razón por la cual es perseguido por esos jinetes: van tras un cristal que su padre le dió antes de morir.


La película juega en realidad con la existencia de dos mundos, de un modo desasosegante y en extremo cautivador. La carismática presencia del imponente actor holandés Rutger Hauer (Blade Runner, Lady Halcon) da gran fuerza a un film que entusiasmará a los amantes de películas de acción de corte futurista.



College good guy Joe is drawn into a battle to save the world from arch-enemy Ferris. Joe's heirloom pendant just happens to be the key to the staff that opens doors to the Crossworlds. When Laura shows up to check on the key and Ferris' goons begin their assaults, they run to semi-retired adventurer A.T. for help and guidance.

Director: Krishna Rao
Intérpretes: Rutger Hauer, Josh Charles, Stuart Wilson, Andrea Roth, Jack Black, Perry Anzilotti
Guión: Raman Rao, Krishna Rao
Música: Christophe Beck
Fotografía: Christopher Walling
Año: 1996
País: EE.UU.
Duración: 93 min.
Género: Acción

viernes, 27 de mayo de 2011

El color del dinero

Eddie Felson, antiguo campeón de billar retirado, vive de su negocio de licores. Un día, en una sala de juego, conoce a Vincent, un joven jugador de billar, que aún no ha encontrado un oponente de su talla, y que siempre va acompañado de su novia, que es la que se encarga de las apuestas que se hacen a favor de Vincent.

Secuela de El buscavidas, también protagonizado por Paul Newman. El film de Scorsese cuenta con un buen guión, una buena puesta en escena y el elenco apropiado donde, aparte de Newman, aparece un joven Tom Cruise que empezaba a despuntar en el panorama cinematográfico tras Top Gun. Ídolos del aire. Oscar para Paul Newman como mejor actor y tres nominaciones en las categorías de mejor actriz secundaria (Mastrantonio), mejor ambientación y mejor guión (Richard Price). Magnífica e imprescindible.

Pool hustler Fast Eddie Felson finds the young, promising pool player Vincent in a local bar and he sees in him a younger version of himself. To try and make it as in the old days, Eddie offers to teach Vincent how to be a hustler. After some hesitations Vincent accepts and Eddie takes him and Vincent's girlfriend Carmen on a tour through the country to work the pool halls. However, Vincent's tendency to show off his talent and by doing so warning off the players and losing money, soon leads to a confrontation with Eddie.

"Meritoria continuación de una de los mejores films de la historia; "El buscavidas". Ya no está "Minnessota Fat", pero Newman lleva el cansancio escrito en la frente. Muy buena" 
(Javier Ocaña: Cinemanía)

"Acertada reflexión generacional. Brillante puesta en escena e inteligente guión (...) De la interpretación de Paul Newman, premiada con el Oscar, sólo puede decirse una cosa: impresionante" 
(Fernando Morales: Diario El País)

1986: Oscar: Mejor actor (Paul Newman). 4 nominaciones

Director: Martin Scorsese
Intérpretes: Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, John Turturro, Helen Shaver, Forest Whitaker, Bill Cobbs, Keith McCready
Guión: Richard Price
Fotografía: Michael Ballhaus
Título Original: The Color of Money
Año: 1986
País: EE.UU.
Duración: 119 min.
Género: Drama


ESTRENOS DE LA SEMANA

Ellos y Ellas

Un musical original basado en un espectáculo de Broadway según un cuento de Damon Runyon, gran maestro de la literatura picaresca americana. Nathan Detroit (Frank Sinatra), organizador de las partidas mas selectas de dados de Nueva York, se apuesta 1.000 dólares con uno de los jugadores (Marlon Brando), a que no es capaz de enamorar a una joven puritana que pertenece al Ejército de Salvación (Jean Simmons).


Unos brillantes diálogos y un reparto de lujo, plagado de estrellas, son las características de este sólido retrato de la juventud norteamericana. La sorprendente puesta en escena es obra del maestro Joseph L. Mankiewicz (La huella, Eva al desnudo), uno de los mejores realizadores del Hollywood clásico.


All the hot gamblers are in town, and they're all depending on Nathan Detroit to set up this week's incarnation of "The Oldest Established Permanent Floating Crap Game in New York"; the only problem is, he needs $1000 to get the place. Throw in Sarah Brown, who's short on sinners at the mission she runs; Sky Masterson, who accepts Nathan's $1000 bet that he can't get Sarah Brown to go with him to Havana; Miss Adelaide, who wants Nathan to marry her; Police Lieutenant Brannigan, who always seems to appear at the wrong time; and the music/lyrics of Frank Loesser, and you've got quite a musical. Includes the songs: Fugue for Tinhorns, "Luck Be a Lady", "Sit Down, You're Rocking the Boat".


1955: 4 nominaciones al Oscar: Fotografía (Color), direcc. artíst. color, vestuario color, bso
1955: Globo de Oro: Mejor película: Comedia o Musical

"Divertida historia en la que Brando (en un registro sorprendente) se enamora de una púdica mujer, miembro del ejército de salvación. En medio anda Sinatra, que borda su personaje de truhán con buen corazón" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Director: Joseph L. Mankiewicz
Intérpretes: Marlon Brando, Jean Simmons, Frank Sinatra, Vivian Blaine, Robert Keith, Stubby Kaye, B.S. Pully, Johnny Silver
Argumento: Damon Runyon (relato "The Idyll of Miss Sarah Brown"), Jo Swerling (libreto musical), Abe Burrows (libreto musical)
Guión: Joseph L. Mankiewicz
Música: Frank Loesser
Fotografía: Harry Stradling Sr.
Título Original: Guys and Dolls
Año: 1955
País: EE.UU.
Duración: 150 min.
Género: Comedia, Musical

jueves, 26 de mayo de 2011

Banderas de Nuestros Padres

Segunda Guerra Mundial. La batalla de Iwo Jima (1945), el episodio más cruento de la guerra del Pacífico, quedó inmortalizada en la foto de unos soldados que colocaban una bandera norteamericana. La toma de una isla, desde la que se defendía el territorio japonés, por parte del ejército norteamericano, supuso la muerte de más de 20.000 japoneses y 7.000 estadounidenses. Cabe destacar la utilización propagandística de la famosa foto de los seis soldados alzando la bandera de EE.UU. El mismo año el propio Eastwood dirigió ''Cartas desde Iwo Jima'', que narra la misma batalla desde el punto de vista japonés.

Primera parte del díptico ofrecido por Clint Eastwood sobre la Guerra del Pacífico, que se completa con Cartas desde Iwo Jima, rodada también en 2006. La producción es de Steven Spielberg, muy interesado con todo lo que tiene que ver con la Segunda Guerra Mundial, como demostró con Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler, El imperio del sol y la serie televisiva Hermanos de sangre.
Los guionistas Paul Haggis y William Broyles Jr. adaptan el libro escrito por James Bradley y Ron Powers, el primero de ellos hijo de uno de los veteranos que participó en la toma estadounidense de la isla de Iwo Jima. Y lo hacen con una estructura ingeniosa, donde alrededor de la célebre foto de los soldados americanos plantando la bandera, se alternan los pasajes actuales de un investigador que recaba información sobra esa imagen, con otros de los preparativos bélicos que culminarán con la conquista de Iwo Jima, más aquéllos en que los supuestos supervivientes de la histórica foto participan en una gira patriótica por su país para vender bonos de guerra.


Eastwood sigue demostrando una increíble energía creativa a sus 76 años. Marcado por ese tono desesperanzado que recorre toda su filmografía, aquí aborda el horror de la guerra, y cuestiona la noción de héroe y la manipulación mediática, tomando pie del hecho de que la famosa foto en que se planta la bandera no se corresponde con el momento en que realmente se hincó en tierra por primera vez. Lo que lleva a unos errores de identidad acerca de quién está o no en la foto, que sirven para poner sobre el tapete la idea de heroísmo, tan frecuentemente manoseada y magnificada; no niega Eastwood los comportamientos heroicos, pero los concibe como parte de la cotidianeidad, pueden surgir inesperadamente, y no tienen por qué tener continuidad. El film se fija sobre todo en los soldados relacionados con las dos banderas, lo que sirve para atrapar una realidad poliédrica y compleja, que muestra personalidades muy diversas, y para abordar el problema del racismo. A tal respecto, y aunque todos los actores están sobresalientes, descolla Adam Beach encarnando a un soldado de origen navajo.

In 1945, the Marines attack twelve thousand Japaneses protecting the twenty square kilometers of the sacred Iwo Jima island in a very violent battle. When they reach the Mount Suribachi and six soldiers raise their flag on the top, the picture become a symbol in a post Great Depression America. The government brings the three survivors to America to raise funds of war, bringing hope to desolated people, and making the three men heroes of war. However, the traumatized trio has difficulties to deal with the image build by their superiors, sharing the heroism with their mates.

"Una película de impresionante poderío y abrasadora provocación." 
(Peter Travers: Rolling Stone)

"Clint Eastwood ha creado un atrevido y meticuloso film épico. (...) Eastwood coreografía sus batallas con una brutal viveza que iguala a los mejores momentos de 'Saving Private Ryan' y 'Black Hawk Down'. (...) un relato compasivo y con moraleja" 
(Richard Corliss: Time)

"Abordando ambiciosamente su película más grande hasta la fecha, Clint Eastwood continúa desafiando y triunfando sobre las expectativas tradicionales de su carrera." 
(Todd McCarthy: Variety)

"Dura, inteligente, dolorosamente triste (...) Un film épico al tiempo crudo y contemplativo, no es ni una película de guerra patriotera ni desacreditadora." 
(David Ansen: Newsweek)

"Esperaba el paraíso, tratándose de Eastwood, pero me quedo a medias. El desembarco en la playa de Iwo-Jima me recuerda al de "Salvar al soldado Ryan", me suena a déjà vu. Me parece valiente y oportuna la visión de Eastwood (...) Su amargura es necesaria. Pero no es la obra maestra que yo esperaba." 
(Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Una reflexión muy profunda sobre por qué se ganan o se pierden las guerras (...) narrada de modo extremadamente fino (...) filmada con grandeza clásica." 
(E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Eastwood (...) es sabia y discretamente manipulador. Nos cuenta una historia de antihéroes en clave de épica heroica." 
(M. Á. Bastenier: Diario El País)

"El desembarco resulta casi calcado (¡incluso más espectacular!) al de Normandía de 'Salvar al soldado Ryan' (...) guión modélico, aunque algo reiterativo, (...) una efectiva exploración de los mecanismos que definen nuestra sociedad enferma." 
(Marcos Rebollo: Cinemanía)

2006: 2 Nominaciones al Oscar: Mejor sonido, efectos sonoros
2006: Nominada al Globo de Oro: Mejor director (Clint Eastwood)

Director: Clint Eastwood
Intérpretes: Ryan Phillippe, Jesse Bradford, Adam Beach, John Benjamin Hickey, John Slattery, Barry Pepper, Paul Walker, Robert Patrick, Neal Mcdonough, Jon Polito, Judith Ivey, Melanie Lynskey, Jamie Bell, Scott Eastwood
Guión: Paul Haggis, William Broyles Jr.
Música: Clint Eastwood
Fotografía: Tom Stern
Título Original: Flags of Our Fathers
Año: 2006
Duración: 132 min.
Género: Bélico, Drama

August

Agosto de 1896 en las espectaculares montañas del Norte de Gales. Largas y calurosas tardes, noches tormentosas. Leuan Davis y su sobrina Sian reciben un día la visita del padre de la joven, el profesor Alexander Blathwaaite, que llega acompañado de su mucho más joven y atractiva segunda esposa, la norteamericana Helen. Su tranquila vida se verá alterada con la llegada de ambos, especialmente cuando les confirman que piensan quedarse definitivamente. Helen provocará una gran confusión entre todos, empezando por Leaun, que se enamorará locamente de ella. Pero no será solamente él quien sienta esta atracción por Helen, sino también el doctor Michael Lloyd, que llega a la casa una calurosa tarde de este veraniego mes.

Anthony Hopkins dirige, protagoniza y es el responsable de la música de esta cinta. Es habitual que el genial actor desempeñe estas tres funciones cuando opta por ponerse detrás de las cámaras.
Ópera prima de Hopkins, una adaptación de "Tio Vania", de Chejov. El famoso actor galés también compuso la banda sonora.

Chekovs Uncle Vanya, transposed to turn-of-the-century North Wales, where the peace and tranquillity of a country house is disturbed by the arrival of the estates tyrannical owner and his American wife.

Director: Anthony Hopkins
Intérpretes: Anthony Hopkins, Leslie Phillips, Kate Burton, Gawn Grainger, Rhian Morgan, Menna Trussler, Rhys Ifans
Argumento: Anton Chekhov (Obra de teatro "Dyadya Vanya")
Guión: Julian Mitchell
Música: Antony Hopkins
Fotografía: Robin Vidgeon
Año: 1996
País: EE.UU., Reino Unido
Duración: 94 min.
Género: Drama

miércoles, 25 de mayo de 2011

Camino a la perdición

Años de la Depresión. Michael Sullivan es un matón de una banda de gángsters irlandeses. Reservado y concienzudo, sirve con lealtad a su jefe, el mafioso John Rooney, una figura casi paterna para él. De hecho Rooney ve más un hijo en él que en Connor, su auténtico vástago, un tipo débil, taimado y con complejos, una verdadera decepción. Pero Michael es un tipo triste. Hace lo que le encomiendan, pero se adivina que desea una vida mejor para sus hijos. Lo cual puede que no sea posible cuando su primogénito, un chaval llamado también Michael, se convierte en testigo de un crimen. La banda de Rooney trata de eliminarlo, lo que obliga a Michael padre a replantearse el sentido de su vida. Comienza una huida hacia delante, con la persecución implacable de Harlen, un asesino despiadado al que le encanta fotografiar a sus víctimas.

Sam Mendes confiere a la historia original un aire de tragedia a lo Shakespeare. Las relaciones entre padres e hijos tienen una fuerza enorme, así como el peso del destino y el ejercicio de la libertad para intentar cambiarlo. Además, el director no firma la clásica película de gángsters. De algún modo parece como si el tiempo se hubiera detenido en su film, domina un cierto aire de irrealidad: hay planos claramente oníricos (los que abren y cierran el film, la gente leyendo el periódico en la estación.) y ambientes como de ensueño.
Mendes explica que el "corazón del film" consiste en "dos padres en el camino de la mutua destrucción. Trata del legado que los padres dejan a sus hijos. Los mundos secretos donde habitan los padres." Y una vez más -se nota que procede del mundo del teatro- demuestra ser un gran director de actores: Hanks, Newman, Law y Craig están sensacionales, así como el adolescente Tyler Hoechlin.

No resulta habitual ver a Tom Hanks en la piel de un frío asesino, una difícil composición, firme candidata al Oscar. Para subrayar la ambigüedad moral del personaje, Sam Mendes optó por fotografiar al actor a cierta distancia. Y explica su decisión así: "Tom es un actor al que el público cree conocer muy bien. Y queríamos que tuvieran que hacer un esfuerzo para intentar penetrar en el mundo interior de los personajes, especialmente en el suyo. Quería arrastrarlos a un cierto nivel en el que no recibieran las señales acostumbradas. Así que escena tras escena Tom aparece parcialmente a oscuras, visto en el umbral de las puertas, sumergido en la sombra para luego volver a aparecer. Usamos siempre objetivos cortos y nos mantuvimos a cierta distancia de él."
Mike Sullivan works as a hit man for crime boss John Rooney. Sullivan views Rooney as a father figure. However after his son is witness to a killing he has done Mike Sullivan finds him self on the run trying to save the life of his son and at the same time looking for revenge on those who wronged him. Jude Law co stars as a hit man hired to kill Sullivan.

"Un poema con un tono visual verdaderamente majestuoso" 
(Stephen Holden: The New York Times)

"Desbordante de melancolía y tragedia, 'Camino a la perdición' es una de las películas de gángsters más sombrías jamás hechas" 
(Rene Rodriguez: Miami Herald)

"Por larga y oscilante que sea, 'Camino a la perdición' te lleva a sitios que merecen mucho la pena" 
(Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

"Al seguir la tradición de las tragedias griegas en las que los personajes están predestinados, pierde algo. (...) Aún así la película se compensa con la fuerza del implacable devenir de su argumento." 
(Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Su seriedad es bienvenida. Pero es también una carga que el film no puede superar del todo" 
(Wesley Morris: Boston Globe)

"Obra maestra (...) extraordinaria, reinventa el mejor cine negro sin traicionar los códigos de este glorioso género (...) Newman y Hanks bordan sus papeles" 
(Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Paul Newman y Tom Hanks renuevan con un golpe de genio el viejo cine de gánsteres (...) un guión y un reparto de altísima solvencia" 
(Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

"Peliculón de Sam Mendes con unos enormes Paul Newman y Tom Hanks. (...) con una elegancia y un talento descomunales." 
(Javier Ocaña: Cinemanía)

2002: Oscar: Mejor fotografía. 6 nominaciones
2002: Nominada al Globo de Oro: Mejor actor secundario (Paul Newman)
2002: 2 premios BAFTA: Mejor fotografía, diseño de producción. 3 nominaciones
2002: Nominada al León de Oro en el Festival de Venecia: Mejor director (Sam Mendes)

Director: Sam Mendes
Intérpretes: Tom Hanks, Paul Newman, Jude Law, Tyler Hoechlin, Stanley Tucci, Daniel Craig, Jennifer Jason Leigh
Argumento: Max Allan Collins (Novela gráfica), Richard Piers Rayner (Novela gráfica)
Guión: David Self
Música: Thomas Newman
Fotografía: Conrad L. Hall
Título Original: Road To Perdition
Año: 2002
País: EE.UU.
Duración: 117 min.
Género: Drama, Thriller

Salem's Lot

Bean Mears (Rob Lowe), escritor en declive, regresa a Salem´s Lot, con la intención de escribir un libro sobre los misteriosos asesinatos y desapariciones que se relacionan con la misteriosa casa de los Marsten, situada en una colina desde donde se contempla todo el pueblo. Pero él no es el único extranjero que ha llegado al pueblo. Unos comerciantes de muebles antiguos se han instalado en la destartalada casa de los Marsten, deshabitada desde el suicidio del antiguo propietario. Con la llegada de estos extraños comienzan a morir habitantes del pueblo, y sus cadáveres desaparecen en misteriosas circunstancias. Ben y un grupo reducido de vecinos llegan a la conclusión de qué un ser maligno y sediento de sangre se ha instalado en el pueblo...


Basada en la novela vampírica de Stephen King, que acaparó gran éxito en Estados Unidos. La historia se basa en el mito de Drácula y está protagonizada por David Soul, célebre por su papel en Starsky y Hutch, Bonnie Bedelia y un inquietante James Mason. Más tarde se elaboró una versión recortada de la serie, que fue estrenada en los cines pero no alcanzó la misma fama.

Ben Mears, a writer returns to the small Maine town of Jerusalem's Lot (also known as Salem's Lot), where he spent the first few years of his life, to write a book. Little does he or the townfolk realize that a couple of other new residents are coming...Straker, a antiques dealer, and his partner and master Barlow, a ancient and malevolent vampire bent on making Salem's Lot his new home.

Director: Tobe Hooper
Intérpretes: David Soul, James Mason, Lance Kerwin, Bonnie Bedelia, Lew Ayres, Geoffrey Lewis, Fred Willard, Julie Cobb
Argumento: Stephen King (Novela)
Guión: Paul Monash
Música: Harry Sukman
Fotografía: Jules Brenner
Año: 1979
País: EE.UU.
Duración: 183 min.
Género: Terror

martes, 24 de mayo de 2011

Boccaccio 70

Comedia satírica en la que cuatro de los directores italianos más brillantes de todos los tiempos hacen una adaptación cinematográfica de algunos cuentos de Boccaccio. En "Renzo y Luciana", Monicelli nos cuenta la historia de un hombre y una mujer que se ven obligados a ocultar su boda a su jefe común para no perder sus respectivos trabajos. Fellini presenta en "Le tentazioni del dottor Antonio" a un hombre que se escandaliza por un cartel de publicidad. Por su parte, Visconti nos muestra en "Il lavoro" a un conde involucrado en un escándalo. De Sica nos cuenta una historia ambientada en Nápoles, "La riffa".

Cuatro de lo más reputados cineastas italiano, filman otros tantos en cuentos de Bocaccio modernizados. Fellini critica la censura en Las tentaciones del señor Antonio. En Renzo y Luciana, Monicelli narra una boda secreta. II avoro, es un relato de Visconti sobre un conde. La rifa es una historia ambientada en Nápoles, de De Sica.

Four directors tell tales of Eros fit for a 1970s Decameron. Working-class lovers, Renzo and Luciana, marry but must hide it from her employer; plus, they need a room of their own. A billboard of Anita Ekberg provocatively selling milk gives a prudish crusader for public decency more than he can handle. The wife of a count whose escapades with call girls make the front page of the papers decides to work to prove her independence, but what is she qualified to do? A buxom carnival-booth manager who owes back taxes offers herself for one night in a lottery: a nerdy sacristan and a jealous cowboy make for a lovers' triangle. In each, women take charge, but not always happily.

Director: Vittorio De Sica, Federico Fellini, Mario Monicelli, Luchino Visconti
Intérpretes: Sophia Loren, Anita Ekberg, Marisa Solinas, Romy Schneider
Guión: Giovanni Arpino, Italo Calvino, Federico Fellini, Luchino Visconti
Música: Nino Rota, Armando Trovajoli, Piero Umiliani
Fotografía: Otello Martelli, Armando Nannuzzi, Giuseppe Rotunno
Año: 1962
País: Italia
Duración: 118 min.
Género: Drama

Cautivos

Una bella dentista que trabaja en una prisión británica comienza a sentir atracción por un violento convicto. Ella acaba de romper su matrimonio, y se embarca en una peligrosa aventura con el reo que quizá provoque terribles consecuencias para los dos...


A beautiful young dentist (Ormond) working in a tough British prison starts to become attracted to a violent inmate (Roth) after the break-up of her marriage, and embarks upon an illicit affair with him, with terrible consequences for all.
"Realista y con cierto aire de suspense, de inesperado final" 
(Belén de Frías: Cinemanía)

Director: Angela Pope
Intérpretes: Tim Roth, Julia Ormond, Keith Allen, Richard Hawley, Jeff Nuttall, Bill Moody, Peter Capaldi, Siobhan Redmond, Annette Badland
Guión: Frank Deasy< Música: Colin Towns Fotografía: Remi Adefarasin Título Original: Captives Año: 1994 Duración: 100 min. Género: Thriller. Romance. Drama

lunes, 23 de mayo de 2011

La Caza

José, Paco y Luis son tres amigos que van a cazar en compañía de Enrique, un joven de 20 años que asiste a su "bautismo de fuego", en un coto de caza propiedad de Paco y que fue escenario de una batalla durante la Guerra Civil. Todos ellos están pasando por momentos difíciles en sus vidas -separaciones, problemas con el alcohol-, y lo que iba a ser una tranquila jornada de caza se convierte en un enfrentamiento entre los tres hombres.

El film que dio proyección internacional a Carlos Saura, gracias al Oso de Plata al mejor director ganado en el Festival de Berlín. Describe una jornada en un coto de caza, en la que tres adultos y un muchacho tratan de cobrar sus piezas. Lo que parece una jornada de caza como otra cualquiera saca a la superficie una violencia soterrada, una serie de miedos y frustraciones que cada uno alberga en su interior. De este modo la trama se convierte en una curiosa parábola de las heridas no cicatrizadas de la guerra civil española.


1966: Berlín: Oso de Plata (Mejor Director)

Director: Carlos Saura
Intérpretes: Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada, Emilio Gutiérrez Caba, Fernando Sánchez Polack, Violeta García
Guión: Angelino Fons, Carlos Saura
Música: Luis de Pablo
Fotografía: Luis Cuadrado
Año: 1965
País: España
Duración: 93 min.
Género: Drama

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