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jueves, 31 de octubre de 2013

Terciopelo azul

Una mañana, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickerson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en una pequeña localidad de Carolina del Norte.

Nada es lo que parece. Para el personalísimo director David Lynch, bajo la cómoda existencia cotidiana existe un submundo turbio e irreal. Esta premisa, también presente en otras de sus obras, como Corazón salvaje o la serie Twin Peaks, aparece por primera vez en este film, la película de culto por excelencia de los 80, y la que consagró a Lynch. El insano cineasta despliega sus toques surrealistas habituales, sin que esto impida que se pueda seguir claramente la trama central, a diferencia de algunas de sus obras posteriores. Protagoniza el film uno de sus actores fetiche, Kyle MacLachlan.

A man returns to his home town after being away and discovers a severed human ear in a field. Not satisfied with the police's pace, he and the police detective's daughter carry out their own investigation. The object of his investigation turns out to be a beautiful and mysterious woman involved with a violent and perversely evil man.

"Otros directores trabajan mucho y duramente para lograr la febril perversidad que tan natural le sale a David Lynch, cuyo "Terciopelo azul" se ha convertido en un clásico de culto de forma instantánea (...) tan fascinante como extraña (...) confirma a Lynch como un innovador, técnicamente brillante y alguien con quien mejor no encontrarte en un callejón oscuro"
Janet Maslin: The New York Times

"Hay ocasiones en que un cineasta acierta a atisbar que es cierto que hay otros mundos, y también que están en éste. Sólo hace falta saber mirar. Terciopelo azul se abre con una inenarrable imagen de unos bomberos (...) Entonces se desata la magia del cine, un torrente de sensaciones que impulsan al espectador a un thriller desorbitado y fantasmal, a la pesadilla de las realidades que se ocultan en los pliegues de lo cotidiano."
Miguel Ángel Palomo: Diario El País

"Obra maestra"
Guillermo Cabrera Infante

1986: Nominada al Oscar: Mejor director (David Lynch)
1986: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor película, fotografía
1986: Círculo de Críticos de Nueva York: 3 Nominaciones



Director: David Lynch
Intérpretes: Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange
Guión: David Lynch
Música: Angelo Badalamenti
Fotografía: Frederick Elmes
Título Original: Blue Velvet
Año: 1986
País: EE.UU.
Duración: 115 min.
Género: Thriller

miércoles, 30 de octubre de 2013

Amigos...

Nacho, Santi, Diego y Víctor, todos de 35 años, son amigos desde su más tierna infancia. En su juventud solían poner a prueba su competitividad y su ingenio haciendo peculiares apuestas. Un incidente provocado por Nacho en una de ellas, le valió ser ignorado para siempre por sus amigos, que, desde entonces, abandonaron aquellas competiciones. Cuando, diez años después, reciben la noticia de la muerte de Nacho y asisten a su entierro, se enteran de que Nacho les ha preparado una apuesta póstuma: recibirá su herencia, valorada en 17 millones de euros, el que logre más audiencia en televisión hasta final de año. Esta apuesta pondrá no sólo sus principios y valores, sino también su arraigada amistad.

Desde que era un niño, Nacho realizaba todo tipo de apuestas con sus amigos Santi, Diego y Víctor. Pero una de ellas, consistente en provocar a unos hinchas de fútbol, acaba de forma desastrosa, y a partir de entonces Nacho se distanció de los otros tres. Cuando muere, tras haber sido un exitoso y millonario presentador televisivo, ha preparado un reto para sus antiguos compañeros: legará su fortuna al que logre una mayor audiencia en televisión, antes de que acabe el año. Los tres pondrán en marcha diferentes planes para convertirse en ganadores.
Estamos ante una cinta bienintencionada, que en lugar de recurrir al humor grueso –como es habitual en las comedias españolas– mantiene la elegancia. Pretende también criticar la telebasura y los programas tipo Gran Hermano o que explotan el morbo. Tiene también algún momento gracioso con la firma del coguionista Borja Cobeaga (Pagafantas), como el intento de ligoteo en el que uno de los personajes cuenta con la ayuda del tenista Carlos Moyá, interpretándose a sí mismo, y que es sin duda la secuencia más inspirada.


"Una presentación de personajes poco inspirada (...) una puesta en escena simplemente esforzada, junto una fotografía deplorable y la irregularidad de los gags por bandera"
Javier Ocaña: Diario El País

"A 'Amigos' le falta mala leche, y le sobra moralina impostada" 
Salvador Llopart: Diario La Vanguardia

"Una comedia a la que falta inventiva y picardía y sobra el volantazo moralista final" 
Desirée de Fez: Diario El Periódico

"Los altibajos de esta fábula chorra sobre la amistad masculina son considerables, pero 'Amigos' merece un lugar en nuestros corazones de teléfagos." 
Noel Ceballos: Fotogramas

Director: Marcos Cabotá, Borja Manso
Intérpretes: Ernesto Alterio, Diego Martín, Alberto Lozano, Goya Toledo, Manuela Velasco
Guión: Marcos Cabotá, Borja Manso
Música: Sergio de la Puente
Fotografía: Mario Montero
Año: 2011
País: España
Título Original: Amigos...
Duración: 89 min.
Género: Comedia

Vincere

Principios del siglo XX. Benito Mussolini, un joven revolucionario socialista, conoce a Ida Dalser, una mujer tan pasional como él, que lo apoyará en la lucha política, incluso cuando cambia de rumbo y sustituye el socialismo por el fascismo. Ella pone a su disposición todos sus recursos para que pueda fundar su propio periódico: Il Popolo d'Italia. Se casarán y tendrán un hijo, pero Ida descubre que su matrimonio por la Iglesia tiene mucho menos valor que el que Mussolini ha contraído con Rachele Guidi. Cuando el Duce llega al poder, su decisión de excluir de su vida tanto a Ida como al niño es irrevocable.

El veterano cineasta italiano Marco Bellocchio ofrece el punto de vista de Ida, una mujer independiente, que cae rendida a los pies del joven socialista exaltado Benito Mussolini, al que se entrega sin reservas, para luego ver cómo es relegada con su hijo en favor de otra mujer y otra familia. El dibujo del que primero es director del diario Avanti y luego Il Diario dil Popolo, pacifista y luego intervencionista en la Primera Guerra Mundial, líder de los Camisas Negras y el fascismo, y el presidente del gobierno más joven de Italia, es el de un animal sin sentimientos, un monstruo sin fisuras, en el que no hay un ápice de humanidad. Contrasta este modo monolítico de pintar a Mussolini con el que entregaba de Adolf Hitler el alemán Oliver Hirschbiegel en El hundimiento, ahí en el 'monstruo' se reconocía a la persona.


The powerful new film from acclaimed auteur Marco Bellocchio (My Mothers Smile, Good Morning, Night, The Wedding Director), VINCERE is a compelling drama based on the littleknown story of Benito Mussolinis first wife. Ida Dalsar (Giovanno Mezzogiorno) and Mussolini (Filippo Timi) begin their liaison in 1914; she is a well-to-do beauty salon owner and he is an impoverished young Socialist and union activist. When Ida sells all her possessions to fund her lover's new newspaper, the rise of Fascism is set into play An official selection of the Cannes, Toronto and Telluride Film Festivals, VINCERE is a gripping film that combines drama, archive footage, and music creating a highly cinematic oratorio of enormous emotional force.

"Un relato a ratos emocionante de una historia fascinante y poco conocida. Y el por qué Mezzogiorno no fue considerada en los premios es un misterio."
Ian Freer: Empire

"Mastodóntica, fascinante, desequilibrada, hiperbólica e interesantísima (...) Bellocchio resuelve fundir ficción y documental con un golpe de mano de autor prodigioso" 
Javier Ocaña: Diario El País

"Melodrama gustosamente desaforado. (...) Bellocchio incendia la pantalla con una puesta en escena uniformemente enérgica, huracanada y operística" 
Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia

"Un gran trabajo, bello en la misma aspereza que le circunda, sin concesión alguna (...) De nuevo, un gran Marco Bellocchio. "
José Manuel Cuéllar: Diario ABC

2009: Premios del Cine Europeo: 2 nominaciones: actor (Filippo Timi), Premio a la Excelencia
2009: Premios David di Donatello: 9 premios, incluyendo mejor director. 15 nominaciones
2009: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

Director: Marco Bellocchio
Intérpretes: Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Corrado Invernizzi, Fausto Russo Alesi, Michela Cescon, Pier Giorgio Bellocchio, Paolo Pierobon, Bruno Cariello
Guión: Marco Bellocchio, Daniela Ceselli
Música: Carlo Crivelli
Fotografía: Daniele Ciprì
Título Original: Vincere
Año: 2009
País: Francia, Italia
Duración: 128 min.
Género: Biográfico, Drama, Histórico

martes, 29 de octubre de 2013

Fish tank

Mia es una adolescente rebelde y arisca, con un cuadro familiar complejo, pues vive con su innmadura madre soltera y una hermana pequeña. Con dificultades de comunicación, agresiva, fumadora y bebedora de cerveza, esta quinceañera sólo parece sentirse a gusto cuando practica en soledad su pasión secreta, el baile. Con este panorama, no es de extrañar que reciba con mala cara a Connor, el nuevo novio de su madre. Pero el caso es que el tipo parece bastante decente, tiene detalles con Mia, y con su presencia en el hogar aquello empieza a asemejarse un poco a una familia.

Sólido drama de la guionista y directora británica Andrea Arnold, que ganó el Premio del Jurado en Cannes con este film, su segunda vez, pues tres años antes había hecho lo propio con Red Road. Es evidente la deuda de la cineasta con sus colegas Ken Loach y Mike Leigh, en lo que se refiere al realismo social, al uso de algunos actores no profesionales, y al modo en que ha trabajo el guión con ellos, sin desvelarles de entrada su completo desarrollo. En tal sentido Katie Jarvis es un completo descubrimiento, su composición de Mia desprende credibilidad, e interactúa muy bien con el profesional Michael Fessbender y el resto del reparto.

Mia, an aggressive fifteen-year-old girl, lives on an Essex estate with her tarty mother, Joanne, and precocious little sister Tyler. She has been thrown out of school and is awaiting admission to a referrals unit and spends her days aimlessly. She begins an uneasy friendship with Joanne's slick boyfriend, Connor, who encourages her one interest, dancing.

"'Fish Tank' transmite un evocadora sensación de adolescencia en un entorno carente de esperanza y promesas (...) La interpretación de la debutante Jarvis es una auténtica revelación"
Claudia Puig: USA Today

"Las contradicciones de la adolescencia rara vez han sido reflejadas con tanta fuerza y autenticidad (...) 'Fish Tank' es prácticamente intachable"
A. O. Scott: The New York Times

"'Fish Tank' es una película apreciable, aunque aspira a una revisión social que no consigue y un análisis psicológico que no se mantiene" 
Mick LaSalle: San Francisco Chronicle

"Como una peli de Loach, pero bien hecha (...) cuenta muy bien lo que le pasa a una adolescente rabiosa e inadaptada (...) Excelentes interpretaciones, espléndido uso del color y alergia a la obviedad para una película a la que le sobran veinte minutos."
Sergi Sánchez: Diario La Razón

"Andrea Arnold vuelve a demostrar aquí, como hiciera en su sugestiva ópera prima, que sabe describir a gente a la deriva, a seres frágiles y en permanente desconcierto que se defienden a bocados."
Carlos Boyero: Diario El País

"Muy en el estilo dramático de Ken Loach (...) La película es fría en lo visual y lo afectivo, (...) debutante y magistral Katie Jarvis."
E. Rodríguez Marchante: Diario ABC

2009: Festival de Cannes: Premio del Jurado
2009: Premios del Cine Europeo: 3 nominaciones (película, director, actriz)
2009: Premios BAFTA: Mejor film británico


Director: Andrea Arnold
Intérpretes: Katie Jarvis, Michael Fassbender, Kierston Wareing, Rebecca Griffiths, Harry Treadaway, Sydney Mary Nash, Charlotte Collins
Guión: Andrea Arnold
Fotografía: Robbie Ryan
Título Original: Fish Tank
Año: 2009
País: Reino Unido
Duración: 124 min.
Género: Cine social, Drama

lunes, 28 de octubre de 2013

Betty Anne Waters

Betty Anne Waters es un auténtico ejemplo de estoicismo, solidaridad y entrega. En 1983, su hermano Kenny fue condenado a cadena perpetua por un asesinato que no había cometido. Por aquel entonces, Betty Anne, que trabajaba como camarera en un bar, era una mujer de 28 años divorciada y con dos hijos. Completamente convencida de la inocencia de su hermano, se puso a estudiar derecho y cuando terminó la carrera se convirtió en su representante legal. Tras superar innumerables dificultades, logró que lo exculparan gracias a un análisis de ADN que demostró su inocencia.

El actor Tony Goldwyn se ha ido labrando poco a poco una carrera como director, que incluye la realización de muchos episodios de series televisivas. Aquí maneja un guión de Pamela Grey (Música del corazón), basado en una aleccionadora historia real, sobre el amor fraternal y la confianza mutua mantenidos a lo largo del tiempo, que lleva a la protagonista a sobreponerse con constancia a mil y un obstáculos para demostrar una inocencia en la que cree firmemente. Lo que le da pie a entregar una película de corte clásico, no demasiado innovadora, pero que funciona.
Es cierto que este drama judicial tiene numerosos elementos vistos en tantas películas, aquí se puede aplicar con toda propiedad aquello de que 'no hay nada nuevo bajo el sol'. Pero el guión de Grey es sólido, y presenta una sólida galería de personajes, en la que brillan las interpretaciones de Hilary Swank, Sam Rockwell y Minnie Driver, pero también, en roles más breves, Melissa Leo, Juliette Lewis, Peter Gallagher y Clea Duvall. Y junto a momentos de genuino suspense -la búsqueda de las pruebas desaparecidas-, destacan los momentos en que se despiertan las emociones -las conversaciones entre los hermanos, la amiga leal, los hijos de Betty Anne preguntándose si harían lo mismo que su madre por el otro hermano...

Betty Anne Waters (Swank) is a high school dropout who spent nearly two decades working as a single mother while putting herself through law school, tirelessly trying to beat the system and overturn her brother's (Rockwell) unjust murder conviction.

"Una narración sencilla que se desarrolla de forma bastante precedible. No obstante emerge como una historia potente e inspiradora gracias a la fuerza de sus dos interpretaciones principales."
Claudia Puig: USA Today 

"Los talentos de un buen número de soberbios actores están sofocados por una historia convencional y falta de aliento" 
A. O. Scott: The New York Times

"La película está en la tradición de las historias de "lucha contra el sistema" tomadas de la vida real, como 'Erin Brokovich', y su atractivo poderosamente emocional interesará al público adulto" 
Ray Bennett: The Hollywood Reporter

"Llena de matices, emociones intrincadas y una refrescante ausencia de melodrama, 'Conviction' es una conmovedora exploración de la luz y el amor que brillan a través de la oscuridad de la desesperación" 
Rex Reed: The New York Observer

"Una película de la estirpe de 'Erin Brokovich', aunque sin el sano escepticismo de Soderbergh y con el almibarado añadido de una relación fraternal más grande que la vida" 
Sergi Sánchez: Diario La Razón

"Una película que, como el cine clásico de Hollywood, se preocupa de contar bien una pequeña historia." 
Pere Vall: Fotogramas

"Hilary Swank busca su 'Pena de muerte' y le sale un telefilme. (...) Si queda algo por encima de la media es por el empeño de Swank (...) algunas actuaciones aisladas y el clásico ritmo adictivo de las películas de abogados" 
Manuel Piñón: Cinemanía

2010: Nominada a Critics' Choice Awards: Mejor actor secundario (Rockwell)


Director: Tony Goldwyn
Intérpretes: Sam Rockwell, Hilary Swank, Juliette Lewis, Minnie Driver, Ari Graynor, Clea Duvall, Peter Gallagher, Bailee Madison, Melissa Leo, Loren Dean
Guión: Pamela Gray
Música: Paul Cantelon
Fotografía: Adriano Goldman
Título Original: Conviction
Año: 2010
País: EE.UU.
Duración: 107 min.
Género: Biográfico, Drama

domingo, 27 de octubre de 2013

El Hobbit: Un viaje inesperado

Precuela de la trilogía "El Señor de los Anillos", obra de J.R.R. Tolkien. En compañía del mago Gandalf y de trece enanos, el hobbit Bilbo Bolsón emprende un viaje a través del país de los elfos y los bosques de los trolls, desde las mazmorras de los orcos hasta la Montaña Solitaria, donde el dragón Smaug esconde el tesoro de los Enanos. Finalmente, en las profundidades de la Tierra, encuentra el Anillo Único, hipnótico objeto que será posteriormente causa de tantas sangrientas batallas en la Tierra Media.

Se ha hecho esperar la adaptación de “El hobbit”, la primera obra de J.R.R. Tolkien situada antes de los acontecimientos de “El Señor de los Anillos”, convertida en trilogía de películas dirigidas por el neozelandés Peter Jackson. Aquí, tras amagar con confiar la dirección a Guillermo del Toro, finalmente el mexicano figura como coguionista con el propio Jackson, Philippa Boyens y Fran Walsh, poniéndose él finalmente detrás de la cámara. Si “El Señor de los Anillos” daba claramente para tres películas, e incluso para seis, se hacía necesario suprimir pasajes de la obra de Tolkien, aquí claramente la decisión de entregar tres filmes se antoja exagerada y descaradamente comercial, lo que obliga a estirar las escenas de acción, batallas muy espectaculares y bien rodadas, pero que apabullan. Ello más la invitación a personajes de “El Señor de los Anillos” que no aparecen en “El hobbit” de Tolkien, pero que aquí tienen su papel, medianamente justificado. Dicho lo anterior, y pese a que el film se hace largo, hay que reconocer que El hobbit: un viaje inesperado es, además de un gran espectáculo donde al carácter de cuento se le aplican proporciones épicas de gran “scope” en muchos pasajes, una película fiel a Tolkien en lo esencial. El amor por el hogar, dulce hogar; el perdón a los enemigos, mayor muestra de coraje que rebanarles el pescuezo; el heroísmo cotidiano y salido del corazón de los pequeños –¿o habría que decir “medianos”?–, de mayor valor que los combates vistosos guiados por la furia. Estos elementos conceden gran parte de su grandeza al film, al igual que los divertidos momentos humorísticos, bien trenzados. Aunque muchos espectadores se quedarán sobre todo en los magníficos paisajes neozelandeses, las criaturas como orcos, trasgos y águilas, o lo que se esconde en las entrañas de la Tierra, al final lo que cuenta son las emociones que transmiten los personajes, bien presentes en los intercambios entre Gandalf y Bilbo, Bilbo y los enanos, en particular Thorin, o Gandalf y cierta dama élfica, y, por supuesto, Bilbo y Gollum. Martin Freeman como Bilbo se revela una magnífica elección para el papel protagonista.



Bilbo Baggins is swept into a quest to reclaim the lost Dwarf Kingdom of Erebor from the fearsome dragon Smaug. Approached out of the blue by the wizard Gandalf the Grey, Bilbo finds himself joining a company of thirteen dwarves led by the legendary warrior, Thorin Oakenshield. Their journey will take them into the Wild; through treacherous lands swarming with Goblins and Orcs, deadly Wargs and Giant Spiders, Shapeshifters and Sorcerers. Although their goal lies to the East and the wastelands of the Lonely Mountain first they must escape the goblin tunnels, where Bilbo meets the creature that will change his life forever ... Gollum. Here, alone with Gollum, on the shores of an underground lake, the unassuming Bilbo Baggins not only discovers depths of guile and courage that surprise even him, he also gains possession of Gollum's "precious" ring that holds unexpected and useful qualities ... A simple, gold ring that is tied to the fate of all Middle-earth in ways Bilbo cannot begin to ...


"En términos puramente cinematográficos, es un poco cansina (...) Hay elementos en esta película que son tan espectaculares como lo eran los de la trilogía de los anillos, pero también tiene mucho tedio, especialmente al comienzo." 
Todd McCarthy: The Hollywood Reporter

"La película carece de majestuosidad. Es grande en sus partes, pero a menudo resulta demasiado grandiosa o grandilocuente, y su duración es indefendible." 
Richard Corliss: Time

"El hobbit alterna recompensa y abuso del apetito de la audiencia por la Tierra Media. (...) la principal novedad es técnica (...) una innovación que mejora el movimiento a costa de la elegancia visual." 
Peter Debruge: Variety

"Serkis contribuye a convertir 'El Hobbit' en todo lo que una vez soñaste -una fantasía con el poder de encantar tus sueños. Una pena que la película tarde tanto en llegar hasta ahí."
Peter Travers: Rolling Stone

"Se subtitula como 'Un viaje inesperado', aunque hace poca justicia al resultado. Si Jackson fuera más exacto, podría haberla llamado 'Todavía lejos' o 'A medio camino' (...) Nos deja más atónitos que emocionados" 
Anthony Lane: The New Yorker

"Ofrece suficientes delicias visuales y secuencias de acción para satisfacer a los fans y mucho más humor que las otras películas de 'Lord of the Rings' - aunque sólo ocasionalmente alcanza la grandeza de la trilogía." 
Lou Lumenick: New York Post

"El hobbit es más de lo mismo. Sobran por fatigosas las aclaraciones. La única innovación es que se puede ver en 3D." 
Carlos Boyero: Diario El País

"Provoca una extraña sensación en quienes no acabamos de disfrutar de la trilogía anterior: la de, por fin, entender la vertiente lúdica, no tan grandilocuente, de la historia. Porque el mayor acierto de una película dilatada en su locura visual es hallar ese tono ligero de gran entretenimiento" 
Fausto Fernández: Fotogramas

"Jackson siempre ha apostado por la retórica del exceso, pero, hasta el momento, nunca habían faltado los hallazgos de ingenio y forma. Aquí, sí, 'El Hobbit' es sólo levadura, una supuración histérica sobre el referente literario" 
Jordi Costa: Fotogramas

"Estamos ante un filme impecable, minucioso, pulido hasta el delirio (...) Jackson se ha obsesionado tanto en satisfacer a los fans (...) que se ha olvidado de inyectarle algo de vida al conjunto" 
Sergi Sánchez: Diario La Razón

2012: Oscars: Nominada a Maquillaje, Dirección Artística y Efectos Visuales
2012: Premios BAFTA: Nominada a Sonido, Efectos Visuales y Maquillaje/Peluquería
2012: Critics Choice Awards: 4 nominaciones técnicas

Director: Peter Jackson
Intérpretes: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Stephen Hunter, James Nesbitt, William Kircher, Ken Stott, Graham McTavish, Jed Brophy, Dean O'Gorman, Peter Hambleton, John Callen, Adam Brown, Aidan Turner, Ian Holm, Elijah Wood, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Christopher Lee, Andy Serkis, Sylvester McCoy
Argumento: J.R.R. Tolkien (novela)
Guión: Philippa Boyens, Peter Jackson, Fran Walsh, Guillermo del Toro
Música: Howard Shore
Fotografía: Andrew Lesnie
Título Original: The Hobbit: an Unexpected Journey
Año: 2012
País: EE.UU., Nueva Zelanda
Duración: 169 min.
Género: Aventuras, Drama, Épico, Fantástico

La hija de un soldado nunca llora

Años 60. El matrimonio Willis vive en París con Channe, su hija, una niña. Él es un escritor de éxito, que busca la inspiración en Europa. Es feliz con su esposa, que le quiere. Surge en el hogar la posibilidad de adoptar a Benoît, un niño francés de 6 años, cuya madre quedó embarazada siendo adolescente. El chaval será recibido como uno más de la familia. La vida de los Willis es como la de tantas familias, aunque con la peculiaridad de que son americanos en el extranjero. Pero esto da a los chicos la posibilidad de una educación que de otro modo nunca habrían tenido. Pasa el tiempo y…

El mayor mérito de James Ivory (Regreso a Howards End, Una habitación con vistas, Las bostonianas) es atrapar al espectador en una historia normal. Desde el punto de vista de Channe –suya es la mirada que domina el metraje–, se describen cosas muy corrientes: la enfermedad cardíaca del padre, que cuelga cual espada de Damocles sobre la familia; el cariño de los esposos, de los hermanos, entre padres e hijos, con la tata; un pequeño trauma en el despertar a la sexualidad; la amistad de Channe con un compañero de temperamento artístico; los miedos del hijo adoptivo a enfrentarse a su pasado; el primer noviazgo formal de Channe… Estos puntos cotidianos adquieren un relieve insospechado. Retazos de vida auténtica, transmiten el amor de un hogar. Nadie en la familia es perfecto, todos cometen errores; pero se quieren, y existe una preocupación real por los otros.


This fictionalized story, based on the family life of writer James Jones, is an emotionless slice-of-life story. Jones here is portrayed as Bill Willis, a former war hero and now successful author who obviously drinks too much and is starting to experience health problems. Living in France with his wife, daughter, and an adopted son, the family travels an unconventional road that leaves all of them as outsiders to others. Preaching a sexual freedom, his daughter's sexual acceptance begins at an early age and betrays her when the family moves to Hanover in America. Her sexuality is definitely not the normal for American teens and gives her a bad reputation and outcasts her. Meanwhile her brooding brother struggles with his own inner turmoils about his early desertion in life. Only within the tight knit confines of his family is he comfortable to even speak.

"Conforme el filme avanza, la característica frialdad de Ivory desaparece, para llegar a la emoción"
Augusto M. Torres: Diario El País

"No es cursi, ni relamida, ni fatua como la mayoría de sus películas anteriores"
Maruja Torres: Diario El País

Director: James Ivory
Intérpretes: Leelee Sobieski, Kris Kristofferson, Barbara Hershey, Jesse Bradford, Jane Birkin, Dominique Blanc, Virginie Ledoyen, Isaach De Bankolé, Harley Cross
Argumento: Kaylie Jones (novela)
Guión: James Ivory, Ruth Prawer Jhabvala
Música: Richard Robbins
Fotografía: Jean-Marc Fabre
Título Original: A Soldier's Daughter Never Cries
Año: 1998
País: Reino Unido, EE.UU., Francia
Duración: 120 min.
Género: Drama

sábado, 26 de octubre de 2013

Gremlins

Rand (Hoyt Axton) es un viajante que un día regala a su hijo Billy (Zach Galligan) una tierna y extraña criatura, un mogwai. El inocente regalo, sin embargo, será el origen de toda una ola de gamberradas y fechorías en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Todo empieza cuando son infringidas, una tras otra, las tres reglas básicas que deben seguirse para cuidar a un mogwai: no darle de comer después de medianoche, no mojarlo y evitar que le dé la luz del sol.

Una sucesión de homenajes cinéfilos y bromas de todo tipo, que incluso tiene detalles cínicos como el convertir el gran sueño americano en una excavadora asesina. Exitosa producción de Steven Spielberg que se convirtió en la cuarta película más taquillera de 1984 con 148 millones de dólares de taquilla americana, dando lugar a una secuela mucho más disparatada titulada Gremlins 2: La nueva generación (1990), de nuevo dirigida por Joe Dante.


Minature green monsters tear through the small town of Kingston Falls. Hijinks ensue as a mild-mannered bank teller releases these hideous loonies after gaining a new pet and violating two of three simple rules: No water (violated), no food after midnight (violated), and no bright light. Hilarious mayhem and destruction in a town straight out of Norman Rockwell. So, when your washing machine blows up or your TV goes on the fritz, before you call the repair man, turn on all the lights and look under all the beds. 'Cause you never can tell, there just might be a gremlin in your house.

"Buenas dosis de humor y algunas referencias cinéfilas para una entrega fantástica, divertida y sumamente comercial"
Fernando Morales: Diario El País


Director: Joe Dante
Intérpretes: Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Scott Brady, Corey Feldman, Belinda Balaski, Chuck Jones, Frances Lee McCain, Arnie Moore, Polly Holliday
Guión: Chris Columbus
Música: Jerry Goldsmith, Noel Regney
Fotografía: John Hora
Título Original: Gremlins
Año: 1984
País: EE.UU.
Duración: 106 min.
Género: Fantástico, Terror

viernes, 25 de octubre de 2013

Romeo + Julieta

En Verona Beach se suceden los enfrentamientos entre las dos familias más poderosas (los Montesco y los Capuleto), cuyo objetivo es conseguir el dominio de la ciudad. Fulgencio Capuleto organiza una fiesta a la que asiste, gracias a la mediación de su amigo Mercuccio, Romeo Montesco. Lo que los Capuleto pretenden es que su joven hija Julieta se comprometa con el arrogante Dave Paris, el hijo del gobernador. Pero, cuando Romeo y Julieta se miran, surgirá entre ellos desde el primer momento la chispa del amor. Adaptación moderna del clásico de Shakespeare.

Singular adaptación de la obra de Shakespeare, que traslada su acción a una imaginaria ciudad actual. La psicodélica realización del australiano Baz Luhrmann (El amor está en el aire (1992), Moulin Rouge), su iconografía religiosa, su violencia y su sensualidad quizá resulten un tanto excesivas, pero esto se compensa porque es visualmente fascinante y muy fiel a la letra y al fondo del original, cuyos diálogos se respetan. Tras el éxito de filmes como Vida de este chico, Leonardo DiCaprio comenzaba a convertirse en el actor de moda que, poco a poco, conseguiría desbordantes éxitos en filmes como Titanic. De todos los jóvenes ídolos de adolescentes de los 90, DiCaprio es el mejor actor, como demuestra en este filme, en su papel del paradigma de joven enamorado de Julieta, una enemiga de su familia, aunque en esta ocasión el escenario no es una playa isabelina, sino un futurista marco urbano situado en Verona. Junto a DiCaprio, la actriz Claire Danes realiza un buen papel, así como el prestigioso actor Pete Postlethwaite (En el nombre del padre). El reparto se completa con grandes nombres como Paul Sorvino o John Leguizamo. El propio realizador Baz Luhrman coescribió el guión junto con Craig Pearce, y ambos lograron una excelente sintetización que demuestra un extenso conocimiento de la obra del más célebre de los dramaturgos británicos. La música corrió a cargo de Nellee Hooper.


Shakespeare's famous play is updated to the hip modern suburb of Verona still retaining its original dialogue. The gun-toting members of the families wage a vicious war on the streets as the star-crossed lovers meet their tragic destiny.

1996: Nominada al Oscar: Mejor dirección artística
1997: 4 premios BAFTA, incluyendo mejor montaje y guión adaptado. 7 nominaciones
1997: Festival de Berlín: Oso de Plata - Actor (Leonardo DiCaprio), Premio Alfred Bauer


"Bríos nuevos para un texto eterno. La apuesta del riesgo no admite tonos tibios: se odia o encandila. Lo que sí permanece es un hallazgo: la letra de Shakespeare respira con facilidad a través de unas interpretaciones en verdad ajustadas"
Luis Martínez: Diario El País

"Obra maestra que demuestra que una obra con genuina alma kitsch puede ser cualquier cosa menos banal (...) Desprejuiciada reinvención escenográfica del material original"
Antonio Trashorras: Fotogramas

"Atractiva"
Fernando Morales: Diario El País


Director: Baz Luhrmann
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Claire Danes, John Leguizamo, Pete Postlethwaite, Paul Sorvino, Brian Dennehy, Paul Rudd, Diane Venora, Christina Pickles, Harold Perrineau
Guión: Craig Pearce, Baz Luhrmann
Música: Nellee Hooper
Fotografía: Donald McAlpine
Título Original: Romeo + Juliet
Año: 1996
País: EE.UU.
Duración: 120 min.
Género: Drama, Romántico

jueves, 24 de octubre de 2013

La vida que te espera


En el valle del Pas, se desata una disputa mortal: Gildo (Juan Diego) mata a su vecino Severo (Celso Bugallo). El motivo: una disputa sobre una hermosa vaca lechera. Gildo tiene dos hijas: Val (Etura) y Genia (Lago): la una trabaja de sol a sol, y la otra estudia. Al entierro de Severo asiste su hijo Rai (Luis Tosar), que pronto se siente atraído por Val. La chica empieza a salir con él, por orden de su padre, que desea averiguar si Rai alberga alguna sospecha sobre quién pueda ser el asesino de su padre. También Rai espera saber algo de la muerte de su padre a través de Val. Poco a poco las iniciales indagaciones de ambos se van trocando en verdadero amor, un amor que es una amenaza para todos.

Val, una chica trabajadora que vive en un pueblecito con su padre y su hermana estudiante, es maltratada y retenida por su vecino, el anciano Severo, por una disputa a causa de una vaca. Cuando su padre, Gildo, acude a rescatarla, se produce una pelea, en la que muere Severo. Mientras la policía investiga el caso, Gildo y Val guardan silencio, al tiempo que ésta vive un idilio con Rai, un peluquero, hijo del fallecido. El cineasta cántabro Manuel Gutiérrez Aragón se fue a rodar en su tierra, el valle del Pas, una historia que ha coescrito con Ángeles González Sinde, la prestigiosa guionista de La buena estrella. El montaje es desconcertante, y algunos comportamientos de los personajes desentonan, pero describe el ambiente rural y cuenta con actores brillantes.

A fight over the calf of a prize milk cow in the close-knit and traditional Pas Valley of Cantabria leaves a cantankerous dairy farmer dead and another fearful of arrest. He and his daughter Val conspire to keep the cause of death quiet, but tensions mount when Val becomes attracted to the dead farmer's son, Rai, estranged from his father and now a hairdresser in the city. The tensions open long-festering family resentments and spur the lurid imagination of Val's younger sister, the teen Genia. "What goes unsaid, gets undone," the Pasiegos say, but is it true? Is there harm in staying silent?

"Un rasgo de gran estilo invade 'La vida que te espera' y da lugar a que en ella broten algunos de los grandes momentos del cine de Gutiérrez Aragón (...) momentos que, dentro de este juego de asperezas contadas con seda, conforman un todo impregnado de esa rara coherencia interior de la pantalla cuando anuncia o presagia signos de un microuniverso, de un mundo."
Ángel Fdez. Santos: Diario El País

"Más que un drama rural o un documental antropológico, es una tragedia con sorprendentes detalles de humor."
Francisco Marinero: Diario El Mundo

2004: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes

Director: Manuel Gutiérrez Aragón
Intérpretes: Luis Tosar, Marta Etura, Juan Diego, Clara Lago, Celso Bugallo, Víctor Clavijo, Xosé Manuel Oliveira, José Luis Bernal
Guión: Ángeles González Sinde, Manuel Gutiérrez Aragón
Música: Xavier Capellas
Fotografía: Gonzalo F. Berridi
Título Original: La vida que te espera
Año: 2004
País: España
Duración: 100 min.
Género: Drama

miércoles, 23 de octubre de 2013

El año que mis padres se fueron de vacaciones

Brasil, 1970. El país está sometido a una dictadura militar desde 1964; mientras tanto, en México, la selección brasileña de fútbol trata de ganar su tercera Copa del Mundo. Mauro, un niño de 12 años, cuyos padres deben irse de "vacaciones", como tantos otros izquierdistas, queda al cuidado de un abuelo, en Sao Paulo, pero él sólo sueña con que Pelé y compañía consigan el preciado título.

La película, aunque algo tristona y poco emocionante, ofrece una buena ambientación de la vida brasileña de los 70 (con colores azulados, con baja saturación), centrada en lo que acontece en un pequeño barrio de judíos e italianos. Es creíble la evolución que experimenta la relación entre Schlomo y Mauro, muy tensa al principio y más honda conforme avanzan las semanas. Acierta plenamente Hamburger en no dejarse llevar por el sentimentalismo en este aspecto y en decidirse por la verosimilitud (ese abrazo en la cocina, tan suave como sorprendente). Se echa en falta, sin embargo, algo más de trama incisiva en la historia, pues se recogen las más de las veces cosas anecdóticas y quizá excesivos silencios del protagonista. Éste, por otra parte, está magníficamente interpretado por Michel Joelsas. La película fue elegida para representar a Brasil en los Oscar en 2008.


In 1970, near the World Cup, Daniel Stern and his wife Miriam leaves Belo Horizonte in a hurry and scared with their ten years old son Mauro in their Volkswagen. While traveling to São Paulo, the couple explains Mauro that they will travel on vacation and will leave Mauro with his grandfather Mótel. Daniel promises to return before the first game of the Brazilian National Soccer Team in the Cup. The boy is left in Bom Retiro, a Jewish and Italian neighborhood, and waits for Mótel in front of his apartment. When the next door neighbor Shlomo arrives, he tells the boy that Mótel had just had a heart attack and died. Alone and without knowing where his parents are, the boy is lodged by Shlomo and the Jewish community. Through the young neighbor Hanna, Mauro makes new friends, cheers for the Brazilian team and sees the movement of the police and militaries on the streets while waiting for his parents.

2007: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes

"Tiene en su escrupuloso tratamiento del punto de vista una gran virtud técnica y, quizá, su tumba narrativa. (...) todo queda en el universo infantil, subrayado continuamente por una música melodramática (...) el tono es directamente melifluo"
Javier Ocaña: Diario El País 

"Lo mejor: La falta de sensiblería en el personaje del anciano (...) Lo peor: Resulta demasiado conocido en lo sustancial y demasiado localista en lo circunstancial." 
Francisco Marinero: Diario El Mundo

"El problema principal es que toda la historia de Mauro se apoya en un guión fácil que lo único que busca es el efecto sentimental." 
Nuria Vidal: Fotogramas

Director: Cao Hamburger
Intérpretes: Michel Joelsas, Germano Haiut, Paulo Autran, Simone Spoladore, Eduardo Moreira, Caio Blat, Daniela Piepszyk, Liliana Castro, Rodrigo dos Santos
Guión: Claudio Galperin, Cao Hamburger, Bráulio Mantovani, Anna Muylaert, Adriana Falcão
Música: Beto Villares
Fotografía: Adriano Goldman
Título Original: O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias
Año: 2006
País: Brasil
Duración: 104 min.
Género: Drama

Este cuerpo no es el mío

Una joven adolescente, muy popular y atractiva pero mala, se despierta un día dentro del cuerpo de un hombre. Mientras intenta descubrir qué ha pasado y cómo volver a su estado anterior, se da cuenta entonces de lo cruel y maligna que ha sido con los demás hasta ese momento.

Comedia zarrapastrosa para el total lucimiento de Rob Schneider (Gigoló, Estoy hecho un animal), coautor también del guión. La película explota el chiste fácil, lo cual no resulta extraño si nos atenemos al planteamiento. Y aunque es verdad que subyace una cierta crítica al culto excesivo por la imagen y a las frustraciones que este modo de vida puede provocar, Schneider deja claro que su intención es ante todo divertir a los espectadores, nada de pensar...

Jessica Spencer is the hottest, most popular girl in high school. Jessica, her best friend April, and a couple of other hot girls Lulu and Keecia visit the mall to hang out and do some shopping. They enter a new age store, where they check out a pair of ancient earrings. Unbeknownst to Jessica, these are magical ones set in ancient Abyssinia. A princess known as Princess Nawa is disgusted by the groom of her arranged marriage and switches bodies with a slave girl by means of an enchanted set of earrings. Since the earrings are not for sale, Jessica steals them. But the next morning she gets a big dose of reality when she wakes up in the body of a 30-something lowlife male, Clive, a career criminal. Clive finds himself in Jessica's body. Now it's up to Jessica (in Clive's body) to find a way to get her body back, while Clive (in Jessica's body) takes advantage of his new body to set in motion a crime spree to put the blame on Jessica!

"Chapuza impresentable"
Ángel Fdez. Santos: Diario El País

Director: Tom Brady
Intérpretes: Rob Schneider, Tia Mowry, Rachel McAdams, Anna Faris, Michael O'Keefe, Eric Christian Olsen, Alexandra Holden, Tamera Mowry
Guión: Tom Brady, Rob Schneider
Música: John Debney
Fotografía: Tim Suhrstedt
Título Original: The Hot Chick
Año: 2002
País: EE.UU.
Duración: 101 min.
Género: Comedia

martes, 22 de octubre de 2013

Un poco de chocolate

Lucas y María son dos viejos hermanos que comparten una casa llena de recuerdos de las personas que han amado. Saben que antes o después, también ellos emprenderán el último viaje. Marcos y Roma son jóvenes pero están solos. Ella es enfermera y pinta ventanas que embellecen las vistas desde su habitación. Marcos anda sin rumbo agarrado a su acordeón y a un montón de preguntas. Un día, el azar los reúne y, desde entonces, Lucas y María van a contagiar con su manera de ser a Roma y a Marcos.

La película es por encima de todo una mirada dulce a la última etapa de la vida, encarnada en la figura de Lucas, un anciano entrañable que en medio de los coletazos que la demencia o el Alzheimer empiezan a ocasionar en su cerebro, conserva una alegría de vivir contagiosa y un afinado tino para vislumbrar el interior de los demás. Llama la atención la carga de nostalgia de la historia, pues los personajes parecen vivir siempre del pasado, un territorio poblado por los seres queridos muertos hace tiempo. En claro contraste con Lucas y María se sitúa Marcos, quien rejuvenecerá el ambiente que reina en la casa de los dos hermanos, aprenderá alguna valiosa lección y a su vez vivirá una historia de amor situada en el presente. También resulta bella la metáfora del viaje en tranvía al Shisha Pangma –montaña mitificada en el corazón de Lucas (y de ahí el “SP” de la novela)–, quizá como un trayecto vital y definitivo hacia el objetivo anhelado de la felicidad.


In a small town in the Basque country, Lucas and Maria are an elderly brother and sister. They share a house with their memories and the ghosts of the people they have loved throughout their lifes. They know that sooner or later they will buy their ticket for their final journey. Marcos and Roma are young and alone. She's a nurse and paints windows that embellish the views from her room. Marcos is a street performer with no home of his own, clinging to his accordion and a pile of questions. They don't know that sooner or later they will all set out on a journey together.

"Relato en clave naturalista a la que se añaden impostaciones oníricas que sólo funcionan en contadísimas ocasiones (...) en diversas secuencias el sentimentalismo y la melifluidad se acaban imponiendo a lo verdaderamente tierno."
Javier Ocaña: Diario El País

"Deja bien claro adónde nos quiere llevar y, por encima de todo, el destino es hermoso. (...) Su indulgencia no bastará, sin embargo, para pasar por alto la imposibilidad (o casi) de atrapar la magia.."
Federico Marín Bellón: Diario ABC

"Espléndido cuarteto protagonista (...) El pero es que todo está contado con una ingenuidad y un sentimentalismo excesivos."
Alberto Luchini: Diario El Mundo

Director: Aitzol Aramaio
Intérpretes: Héctor Alterio, Daniel Brühl, Julieta Serrano, Bárbara Goenaga, Marián Aguilera, Ramón Barea, Gorka Otxoa, Mikel Albisu
Guión: Aitzol Aramaio, Michel Gaztambide
Música: Bingen Mendizábal
Fotografía: Gonzalo F. Berridi
Título Original: Un poco de chocolate
Año: 2008
País: España
Duración: 90 min.
Género: Comedia, Costumbrista

lunes, 21 de octubre de 2013

Cosas que importan

Ellen es una prestigiosa periodista en Nueva York. Ha dejado atrás la vida provinciana de un pueblo donde vivió con sus padres y su hermano. Hasta que un día recibe una llamada de su padre, un profesor universitario: su madre tiene cáncer. Ante la nueva situación, Ellen arriesga su consolidada posición profesional para atenderla. Descubrirá entonces que las cosas no son lo que parecen: ni su padre es el tipo estupendo que creía ni su madre la mujer "plasta" y posesiva que había imaginado.

Excelente drama que da vueltas a la situación que plantea la atención de un enfermo terminal. El film permite explorar numerosos sentimientos y responsabilidades: espíritu de sacrificio, paciencia, generosidad, amor en definitiva, que deben enfrentarse a los intereses personales, a veces egoístas. También explora adónde puede conducir un exceso de compasión. Una película como ésta necesitaba buenos actores. Ésta los tiene: Meryl Streep (candidata al Oscar una vez más), Renée Zellweger (que ya llamó la atención en Jerry Maguire) y William Hurt. Dirige Carl Franklin, que hasta ahora se había especializado en thrillers de gran intensidad: Un paso en falso y El demonio vestido de azul.


When a tough New Yorker's mother is stricken with a serious illness, she is forced to quit her job and her relationship with her boyfriend to take care of her, finding out a lot of things she didn't know about her mother and father and her life along the way.

1998: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Meryl Streep)
1998: Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz drama (Meryl Streep)
1998: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor actriz (Renée Zellweger)


"Streep borda una magistral interpretación en un filme rutinario y cobarde"
Ángel Fdez. Santos: Diario El País 

"Digno melodrama"
Carlos Boyero: Diario El Mundo

"Uno de los mejores melodramas de los últimos tiempos (...) Sólido guión"
Augusto M. Torres: Diario El País

"Recital de Streep, Hurt y la maravillosa Zellweger. Más allá del tufillo a telefilme-llorera, la primera parte de la película -el encuentro con la verdad de una familia con secretos- es muy buena"
Javier Ocaña: Cinemanía

"Conmueve y emociona"
Omar Khan: Diario El País

Director: Carl Franklin
Intérpretes: Meryl Streep, Renée Zellweger, Tom Everett Scott, Lauren Graham, William Hurt, Nicky Katt, James Eckhouse, Patrick Breen, Gerrit Graham, David Byron
Argumento: Anna Quindlen (novela)
Guión: Karen Croner
Música: Cliff Eidelman
Fotografía: Declan Quinn
Título Original: One True Thing
Año: 1998
País: EE.UU.
Duración: 100 min.
Género: Drama

domingo, 20 de octubre de 2013

Biutiful

Barrio del Raval, en Barcelona. Uxbal es un padre de familia separado de su esposa bipolar Marambra, que tiene la custodia de sus dos hijos pequeños, Ana y Mateo. Baqueteado por la vida, sostiene a los suyos colaborando con una mafia china de inmigrantes ilegales, chinos y africanos, que trabajan en la construcción, o como ‘manteros’, aunque tampoco son ajenos al tráfico de drogas. Además, Uxbal tiene un don muy especial: es vidente, y en ocasiones ve a los espíritus de los muertos, que le cuentan sus penas. Acostumbrado a mirar a la muerte de cara, va a tener que enfrentarse a la suya propia: le acaban de diagnosticar un cáncer terminal, y una buena amiga le aconseja que en el tiempo que le queda intente “arreglar lo suyo”.

El mexicano Alejandro González Iñárritu cambia la narración fragmentada de tramas múltiples por el relato lineal centrado sobre todo en un personaje, tarea en que le han ayudado los jóvenes Armando Bo y Nicolás Giacobone; sólo prólogo y epílogo, profundamente conectados, rompen levemente esa linealidad. En lo que no hay alteración es en los temas y enfoques del cineasta, nuevamente tenemos una situación extrema que envuelve a Uxbal, al que si algo le puede salir mal, parece que le saldrá peor. De modo que la dramática situación de familia rota conoce vaivenes, las mejorías resultan espejismos, la esperanza la aportan las posibilidades abiertas de un futuro incierto. Y las variables de su enfermedad, más sus trapicheos con los inmigrantes, donde él pone toda su buena voluntad para ayudar en una sociedad atravesada por la injusticia, le harán tocar fondo, todo debe conducir a la necesaria catarsis. El fondo católico de Iñárritu se nota no sólo en la imaginería religiosa presente en la cinta, sino en los temas, recurrentes en su cine, de sentido de culpa y redención, que surgen en el océano de la injusticia propia del ser humano caído. Ello atravesado de fatalismo providente, si se nos permite el oxímoron. Las cosas se tuercen, toman la senda más difícil, pero ello acaba ayudando al protagonista, del mal acaba saliendo el bien, aunque antes toca sufrir. El director sabe contar su historia, aunque quizá se entretiene demasiado en algunas escenas, una recreación excesiva en el dolor de Uxbal, que a veces parece un lastre. Está bien la subtrama del amigo senegalés, o la relación con Marambra, pero otros elementos –la relación afectiva entre los dos chinos mafiosos, el hermano de Uxbal– no aportan demasiado, de haber sido eliminados quizá el conjunto ganaría en agilidad. Para González Iñárritu es su primera película sin Guillermo Arriaga. La película cuenta con un gran reparto, entre los que se cuentan algunos actores no profesionales. Pero sobresale Javier Bardem, con una magnífica interpretación, salvaje y entregado como suele ser –por ejemplo la escena en que le van a hacer una extracción de sangre muestra su increíble temple actoral–, que le valió el premio al mejor actor en Cannes.


Uxbal, single father of two children, finds his life in chaos as he is forced to deal with his life in order to escape the heat of crime in underground Barcelona, to break with the love for the divorced, manic depressive, abusive mother of his children and to regain spiritual insight in his life as he is diagnosed with terminal cancer.

2010: Oscars: 2 nominaciones: Mejor actor (Bardem) y película de habla no inglesa
2010: Festival de Cannes: Mejor actor (Javier Bardem) (ex-aequo)
2010: Globos de Oro: 1 Nominación: Mejor film de habla no inglesa
2010: Premios Goya: Mejor actor (Javier Bardem). 8 nominaciones
2010: 2 Nominaciones a los BAFTA: Mejor actor (Bardem) y película en habla no inglesa
2010: Nominada a Critics' Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa
2010: Premios Ariel: Mejor fotografía. 7 nominaciones


"Un retrato impresionista y conmovedor de un hombre (...) es un precioso poema, de tono melancólico, sobre el amor, la paternidad y la culpa. (...) Bardem ofrece una interpretación que noquea" external-link
Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter

"Iñárritu narra el día a día de Uxbal con gran intimidad (...) Lo que me atrajo de la película y despertó mi simpatía fue la propia presencia de Bardem.." 
Roger Ebert: Chicago Sun-Times

"Sería imposible hacer una lista de interpretaciones merecedoras del Oscar 2010 sin destacar a Javier Bardem en 'Biutiful'." 
Peter Travers: Rolling Stone

"Iñárritu ha creado un clásico de la tragedia moderna, y en Javier Bardem ha encontrado a su primer héroe auténtico: un personaje atrapado." 
Andrew Male: Empire

"Una película declarada y vorazmente fea. (...) la fotografía de Rodrigo Prieto (entre la claustrofobia y la luz) y el innegable talento visual del director (...) equilibran lo desequilibrado. Y en medio, (...) Bardem. In-men-so." 
Luis Martínez: Diario El Mundo

"Iñárritu palidece sin la letra de Arriaga. (...) no me creo lo que observo y escucho (...) Javier Bardem se entrega en cuerpo y alma a su personaje, lo compone, matiza, vive y siente, pero su admirable esfuerzo va por libre" 
Carlos Boyero: Diario El País

"Soberbia interpretación (...) un drama sin fisuras, sin que en ningún momento se plantee siquiera el abrir una ventana para que entre el aire" 
E. Rodríguez Marchante: Diario ABC

"Un retrato lleno de sutileza (...) Su encarnación [de Bardem] de la falibilidad inherente a la condición humana es, sin duda, lo más cerca de la perfección que llega a estar una película tremendamente imperfecta." 
Nando Salvá: Diario El Periódico

"Interesado más en la autocomplacencia y en el miserabilismo de la degradación humana que en contar plausiblemente una peripecia con claros y oscuros (...) A eso, en otros tiempos, se le llamaba explotación del dolor ajeno. Ahora, tal vez alguno lo confunda con Arte."
M. Torreiro: Fotogramas

"Javier Bardem se supera a sí mismo, te hunde con él y ya no te suelta."
Carlos Marañón: Cinemanía

"Tediosa poética de la miseria. (...) Entre la hermosa honestidad de Bardem y la manipuladora condescendencia de Iñárritu se abre el vacío en el que 'Biutiful' intenta existir sin demasiado éxito"
Sergi Sánchez: Diario La Razón

"Es una tragedia demoledora (...) No obstante su desmesura dramática y el efectismo de algunas escenas, 'Biutiful' no cae en los parajes del panfleto social, beneficiándose de un portentoso, desgarrador Bardem"
Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia

"Realismo impostado. (...) carga las tintas innecesariamente y hace, y esto es lo más discutible, espectáculo de la miseria (...) toca la fibra sensible de la manera más fácil y acomodada ."
Quim Casas: Diario El Periódico


Director: Alejandro González Iñárritu
Intérpretes: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Hanna Bouchaib, Guillermo Estrella, Eduard Fernández, Cheikh Ndiaye, Diaryatou Daff, Chen Taisheng, Rubén Ochandiano, Luo Jin, Karra Elejalde, Ana Wagener
Guión: Alejandro González Iñárritu, Armando Bo, Nicolás Giacobone
Música: Gustavo Santaolalla
Fotografía: Rodrigo Prieto
Título Original: Biutiful
Año: 2010
País: España, México
Duración: 138 min.
Género: Drama

Sigo como Dios

En esta secuela del éxito de 2003 "Como Dios" (Bruce Almighty), el presentador de TV Evan Baxter (Steve Carell) se convierte en congresista de los EE.UU., y se muda desde Buffalo a Washington con su mujer (Lauren Graham) y sus 3 hijos. El primer día en su nueva casa reza pidiendo ayuda para poder cumplir su promesa política de "cambiar el mundo", y entonces es cuando el mismísimo Dios (Morgan Freeman) le pide que construya un arca, ante el supuestamente inminente diluvio universal que se avecina...

Quizás es de rigor señalar el defecto que tiene esta película desde el punto de vista estrictamente financiero, en lo relativo al planteamiento de producción. Sigo como Dios ha costado la friolera de 175 millones de dólares, convirtiéndose en la comedia más cara de la historia, un disparate de inversión porque no se puede gastar un presupuesto similar al de Misión imposible III, en un film de corto alcance, al servicio de Steve Carell, cada vez más en alza pero que no tiene ni de lejos el tirón de Tom Cruise. Y aunque el film fue número uno en la taquilla americana, no llegó a recaudar lo que se esperaba. Por contra, desde el punto de vista cinematográfico y creativo, todo es bastante distinto. El principal acierto de los guionistas es que no pretenden copiar al milímetro la primera parte, como hacen casi todas las secuelas, sino que se aventuran a seguir otros derroteros. Repite como director Tom Shadyac, que vuelve a acercarse al tono del cine de Frank Capra, una opción apropiada teniendo en cuenta que el argumento es una comedia celestial cercana a ¡Qué bello es vivir!, con elementos que parecen sacados de Caballero sin espada. Al igual que Capra, Shadyac no duda en introducir moralejas valiosas, en torno a la unidad familiar, al valor del servicio a los demás, y sobre todo a la aceptación de los designios divinos. Shadyac acumula gags efectivos, no recurre nunca al humor grueso, tan de moda últimamente, y sus referencias al Génesis de la Biblia y a la religión son tan positivas como divertidas. Además, el amplísimo presupuesto se nota en los eficaces efectos especiales y en una secuencia final catastrofista que sin alcanzar la espectacularidad de El día de mañana, está bien realizada. Steve Carell demostró que podía contenerse en la estupenda Pequeña Miss Sunshine, y en esta ocasión vuelve a la comedia histriónica, con una interpretación divertida que recuerda más a su trabajo en la serie The Office. Además, está muy bien secundado por Lauren Graham, la actriz de Las chicas Gilmore, que encarna a su mujer, y sobre todo por Morgan Freeman, la mejor elección que podían haber hecho para encarnar a Dios, y que aprovecha que tiene las mejores frases del guión.



Buffalo newsman Evan Baxter is elected to Congress with the slogan, "Change the world." He lucks into a huge house in a new Virginia suburb. His Capitol office is also fantastic, but there's a catch: he's tapped by the powerful Congressman Long to co-sponsor a bill to allow development in national parks. In steps God, who appears to a disbelieving Evan and gently commands him to build an ark. Tools and wood arrive in Evan's yard, animal pairs follow, his beard and hair grow wildly, nomad's clothes and a staff appear. Long grows impatient, Evan starts building, his family leaves him, reporters gather, and drought grips D.C. Still, Evan believes. But will he change the world?

2007: Nominada a los Premios Razzie: Peor precuela o secuela

"Una película mucho menos interesante que su premisa. Y además es ligeramente menos interesante que su popular predecesora"
A. O. Scott: The New York Times

"En 'Evan Almighty', 'Mr. God goest to Washington' [NT: Caballero sin espada, 1939]. Frank Capra: deja de removerte en tu tumba. Al menos se han preocupado lo suficiente como para robar de los mejores."
Stephen Hunter: The Washington Post

"Carell obliga a sus incondicionales a realizar un considerable acto de fe: seguir encontrándole gracioso, mientras permanece encerrado en el diseño inteligente de una comedia aparatosa concebida para no perturbar."
Jordi Costa: Diario El País

"Tiene un presupuesto visual envidiable (...) Pero el resultado final acaba lastrado por un guión que confunde buenas intenciones con ingenuidad de parvulario."
David Broc: Fotogramas 


Dirección: Tom Shadyac
Intérpretes: Steve Carell, Jonah Hill, Morgan Freeman, Lauren Graham, Johnny Simmons, John Goodman, Graham Phillips, Jimmy Bennett, Harve Presnell, Ed Helms
Guión: Steve Oedekerk
Música: John Debney
Fotografía: Ian Baker
Título Original: Evan Almighty
Año: 2007
País: EE.UU.
Duración: 118 min.
Género: Comedia

sábado, 19 de octubre de 2013

Muerte a la Media Noche - Gosford Park

Noviembre de 1932. Godsford Park es la magnífica mansión campestre a la que Sir William McCordle y su esposa Lady Sylvia invitan a familiares y amigos para una partida de caza. Los invitados son muy dispares: una condesa, un héroe de la Primera guerra mundial, el ídolo de masas Ivor Novello, y un productor de cine norteamericano. Mientras los invitados ocupan las lujosas habitaciones de arriba, sus criados conviven abajo con la servidumbre de los anfitriones. Sin embargo, no todo es lo que parece, ni entre los huéspedes ni entre los criados que se afanan por el bienestar de sus amos.

Méritos no le faltan al veterano director Robert Altman, aunque sólo sea por su habilidad para componer este enorme puzzle costumbrista de tan numerosas piezas. Estamos en 1932, en algún lugar de la campiña inglesa, donde se emplaza la enorme finca de Gosford Park, con la suntuosa mansión –un palacio en toda regla– de Sir William McCordle. Allí tiene lugar una concurrida reunión de caza de amigos y parientes –algo que recuerda a La regla del juego, del maestro Jean Renoir–, los cuales, acompañados cada uno de sus sirvientes, conforman la flor y nata del dandismo. Pero entre los invitados no reina precisamente la amistad; más bien se llevan otros vicios “elegantes” como la envidia, el rencor o la hipocresía. En fin, que da igual que se trate de un apolillado conde adinerado o de la última cocinera de la lista: todos arrastran su personal baúl de miserias secretas. Pero la encantadora reunión de sociedad se pondrá patas arriba cuando un asesinato llene de estupor a todos los invitados. La película tiene su punto fuerte en la cuidada ambientación y en la esmerada planificación para mostrar la alteridad de entre siervos y señores. Gracias a un montaje vivo y preciso se hace imposible relajarse. La expectación ante el inmenso reparto de personajes –un verdadero laberinto de nombres– acaba diluyéndose en el enorme tapiz de formalismo presente en Gosford Park, hasta dar lugar a una obra coral de sutiles reacciones psicológicas, gestos y miradas. A todo eso contribuye eficazmente el envidiable reparto: un elenco de actores y actrices que encarnan perfectamente la gélida flema británica que el experimentado Altman traslada con virtuosismo a la pantalla. La película ganó el premio al mejor guión en la última ceremonia de los Oscar.


Set in the 1930's the story takes place in an old fashioned English country house where a family has invited many of their friends up for a weekend shooting party. The story centers around the McCordle family, particularly the man of the house, William McCordle. Getting on in years William has become benefactor to many of his relatives and friends. As the weekend goes on and secrets are revealed, it seems everyone, above stairs and below, wants a piece of William and his money, but how far will they go to get it?

2001: Oscar: Mejor guión original. 7 Nominaciones
2001: Globos de Oro: Mejor director. 5 nominaciones
2001: 2 premios BAFTA: Mejor film británico y diseño de vestuario. 9 nominaciones
2001: Nominada al Goya: Mejor película europea
2001: Nominada al Cesar: Mejor película europea
2001: 3 premios del Círculo de críticos de Nueva York: Mejor director, actriz, guión


"Primoroso reparto coral"
Carlos Boyero: Diario El Mundo

"Brillantísimo recital de dirección y puesta en escena"
Ángel Fdez. Santos: Diario El País

"Altman borda su película con el mejor paño inglés"
E. Rodríguez Marchante: Diario ABC


Director: Robert Altman
Intérpretes: Michael Gambon, Maggie Smith, Kelly Macdonald, Kristin Scott Thomas, Jeremy Northam, Helen Mirren, Clive Owen, Emily Watson, Ryan Phillippe, Camilla Rutherford, Bob Balaban
Guión: Julian Fellowes, Robert Altman, Bob Balaban
Música: Patrick Doyle
Fotografía: Andrew Dunn
Título Original: Gosford Park
Año: 2001
País: EE.UU., Italia, Reino Unido
Duración: 137 min.
Género: Comedia

viernes, 18 de octubre de 2013

Señora Beba

Beba supo ser una dama de clase acomodada. Fue dueña de su propia casa de cosméticos, pero hoy se ve forzada a trabajar como vendedora puerta a puerta de productos de belleza. Sus gruesos pendientes de oro y su criada, Dora, son los últimos bastiones de un estatus que no se resigna a perder. Dora llegó a los 17 años desde la provincia del Chaco para trabajar `cama adentro` en la casa de la señora Beba. Desde entonces, con el dinero de su sueldo ha ido construyendo una casita en la periferia de Buenos Aires. Sin embargo, Dora no puede terminar su casa porque Beba le adeuda seis meses de sueldo. Cansada de escuchar las falsas promesas de pago de su patrona y dispuesta a enfrentar el desafío de vivir su propia vida, Dora decide irse...

Sobrio y triste film argentino, acerca de las vueltas que da la vida, que atrapa bien la psicología de los personajes, estupendas Norma Aleandro y Norma Argentina. Explica su director, Jorge Gaggero: “traté de abordar mis propias inquietudes sobre la crisis económica y cultural de mi país y preguntarme en qué medida un desmoronamiento tan significativo como el que se dio en la Argentina en los últimos años puede suscitar un cambio o una liberación en la manera en que se relacionan las personas.”.


Late in 2001, tough economic times in Buenos Aires mean that Beba, a slim, blond, and privileged divorcée, has no money to pay Dora, a doughy, nearly-silent maid who has lived with her for almost 30 years. Dora breaths in her dignity and resigns. She wants to finish work on her own house, with her less than reliable mate, Miguel. She also looks for a new job. Beba asks her ex-husband for financial help. He demurs. Can Beba adjust to new realities, find a way to pay Dora, and honor her lifetime of service, and can either make a life without the other? Does sisterhood cross class lines?

2005: Sundance: Premio Especial del Jurado (Internacional)

"Le falta un punto de sorpresa.."
Federico Marín Bellón: Diario ABC

"El filme se deja ver gracias a sus actrices y a algunos toques de guión que demuestran un buen conocimiento del alma humana."
M. Torreiro: Diario El País

"Su cualidad principal es trascender la creación de un personaje y mostrar cómo se perpetúan las relaciones de poder (...) Lo mejor: un desenlace desolador, un plano final para figurar en las antologías del cine auténticamente político."
Francisco Marinero: Diario El Mundo

Dirección: Jorge Gaggero
Intérpretes: Norma Aleandro, Norma Argentina, Marcos Mundstock, Raúl Panguinao, Elsa Berenguer
Guión: Jorge Gaggero
Fotografía: Javier Julia
Título Original: Cama adentro
Año: 2004
País: Argentina, España
Duración: 87 min.
Género: Drama

jueves, 17 de octubre de 2013

Una mamá en apuros

Eliza Welch (Uma Thurman) vive cómodamente en el barrio West Village de Nueva York, tiene dos hijos pequeños, un marido cariñoso pero muy despistado (Anthony Edwards) y un enorme deseo de encontrarse a sí misma y poder retomar su abandonada carrera de escritora. Sin saberlo, está a punto de vivir un día que pondría a prueba hasta a la mejor madre del mundo: en sólo 24 horas deberá organizar el cumpleaños de su hija, lidiar con el equipo de rodaje de una película que ha invadido su urbanización, asistir a la comida semanal con sus amigas, intentar escribir un artículo para una revista, sacar a pasear a su perro incontinente, y por si fuera poco, perseguir a su escurridizo hijo de dos años.

Simpática película de la que podríamos deducir que la mujer, no es que sea igual al hombre, es que es superior. Al menos eso opina la hijita de la protagonista, que dice a su madre en un momento dado: "papá puede hacer algunas cosas, pero tú puedes hacerlo todo". Y en efecto, en lo que se refiere a la capacidad de criar a los hijos y sacar adelante el hogar, estando atenta a todos los detalles, el film subraya la increíble capacidad y talento de la mujer. Tal planteamiento, que vertebra el film, es de una fémina, Katherine Dieckmann, que dirige y firma el guión. La cineasta afirma que partió de esta idea: "¿Por qué no se hacen comedias buenas sobre la maternidad?". Y de aquí concibió una comedia agridulce que habla de los sacrificios, penas y gratificaciones que conlleva la aventura de ser madre. Resulta una gozada, pero hay momentos de frustración, y sólo cuando se sabe conciliar y convivir con ello, se alcanza la felicidad, parece decir el film.


Eliza Kendall Welch (Uma Thurman), mother of, Clara, and Lucas, lives with her spouse, Avery McKendrik (Anthony Edwards), in an Manhattan apartment. Today is May 25th, Clara's 6th birthday, and she has to make arrangements for a party, as well as attend to day-to-day chores, including Blogging, and entering an online contest 'Motherhood', and looking after her invalid elderly neighbor and a dog. Things will slowly get out of hand after her car gets towed due to a film shooting; the tire on her bike gets punctured; she alienates herself from her friend, Sheila (Minnie Driver); Clara's name is misspelled on the cake; while Avery refuses to answer his cell-phone. After being assisted by a delivery man, Nikesh (Arjun Gupta), who finds her attractive, she concludes she has had enough, and decides not to return home.

"Sátira irregular y desaforada (...) Situaciones y gags a veces certeros y otras, simples chistes privados muy aguados. El resultado no molesta pero a veces fatiga."
Javier Cortijo: Diario ABC

Director: Katherine Dieckmann
Intérpretes: Uma Thurman, Anthony Edwards, Minnie Driver, David Schallipp, Matthew Schallipp, Daisy Tahan, Jodie Foster
Guión: Katherine Dieckmann
Música: Joe Henry
Fotografía: Nancy Schreiber
Título Original: Motherhood
Año: 2009
País: EE.UU.
Duración: 90 min.
Género: Comedia

miércoles, 16 de octubre de 2013

Las nieves del Kilimanjaro

A pesar de haber perdido su trabajo, Michel vive feliz con Marie-Claire desde hace treinta años. Sus hijos y sus nietos los llenan de alegría. Tienen amigos muy cercanos. Están orgullosos de sus actividades sindicales y políticas. Sus conciencias son tan transparentes como sus miradas. Pero ese bienestar salta por los aires cuando dos hombres armados y enmascarados los golpean, los atan y se fugan con sus tarjetas de crédito.

Robert Guédiguian se podría definir artísticamente hablando como un director bipolar. Tan pronto rueda explosiones de optimismo (Marius y Jeannette, su film más conocido) como descarnados relatos repletos de pesimismo (La ciudad está tranquila). Entra en la primera categoría esta cinta cuyo título curiosamente no proviene del relato corto de Ernest Hemingway, que dio lugar a la popular cinta de Henry King con Gregory Peck. Las nieves del Kilimanjaro, de Guediguián en realidad alude a una canción de Pascal Danel, muy popular en Francia, y que cantan los personajes en un momento determinado. Guédiguian acierta al retratar las consecuencias de la crisis económica, que obliga al sindicato de trabajadores de astilleros a sortear públicamente el nombre de los veinte empleados que la empresa tiene que despedir para evitar el cierre. Uno de los escogidos, Michel, representante de los trabajadores, trata de hacer frente a su cese laboral, al tiempo que celebra su aniversario con Marie-Claire, en compañía de hijos, nietos y amigos que les hacen un regalo muy especial: un viaje al Kilimanjaro. Como es habitual, Guédiguian filma en su Marsella natal, y le da los dos personajes principales, Michel y Marie-Claire, a sus dos actores habituales, Jean-Pierre Darroussin y Ariane Ascaride, esposa del realizador. Sin embargo, la película –que según los títulos de crédito se inspira en el poema de Victor Hugo 'Les pauvres gens', reivindicación de la solidaridad– no suena a ya vista, sino que tiene cierta frescura, y mezcla muy bien comedia y drama. Aunque Las nieves del Kilimanjaro, de Guediguián tiene tono de fábula, resulta lo suficientemente realista, y confronta diferentes actitudes ante los problemas, la del personaje central y la de su antagonista. Además, todas las piezas confluyen en un desenlace emotivo, que apuesta por la reconciliación, la comprensión del prójimo y la confianza en el futuro. Darroussin y Ascaride demuestran una vez más que son grandes profesionales, con química en pantalla, y están rodeados de creíbles secundarios. Destaca en un papel más breve, pero de gran importancia, el joven Grégoire Leprince-Ringuet, que encarna a otro despedido.


At a French shipyard, a trade unionist named Michel deliberately arranges to have himself on the dockworkers' randomly chosen downsizing list to spare another of his fellow workers. While he has his severance package and his friends and family's generosity to ease this sacrifice, this also gets his home invaded and robbed along with his wife and friends. Through pure luck, Michel finds out the identity of one of his assailants, a young worker who was on the same downsizing list himself, and gets him arrested. However, both Michel and his wife find that their vindictive satisfaction is soured by their realization of their assailant's motives and the larger consequences of their revenge. Struggling with their conscience, the couple finds themselves independently trying to live up to their ideals for a greater sense of justice.

2011: Premios Cesar: Nominada a Mejor actriz (Ariane Ascaride)
2011: Festival de Cannes: Sección oficial a concurso (sección \"Un certain regard\")
2011: Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Plata, Premio del Público


"'Las nieves del Kilimanjaro' es el Robert Guédiguian que más me ha conmovido desde hace mucho tiempo. (...) Guédiguian es inteligente, es honesto, es de verdad. Como su cine." 
Carlos Boyero: Diario El País

"Guédiguian y la mala conciencia. (...) Parece un mea culpa (...) A la dimensión utópica del filme, casi de fábula a lo Capra, le corresponde su dimensión reaccionaria."
Sergi Sánchez: Diario La Razón

"Guédiguian, nuevamente en estado de gracia (...) Una película ejemplar para estos tiempos de engaño permanente." 
Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia

"Guédiguian consigue conmover, emocionar y hacer reflexionar desde la mayor sencillez con una fábula realista, o una radiografía cálida y melancólica" 
Ricardo Aldarondo: Fotogramas

Director: Robert Guédiguian
Intérpretes: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Grégoire Leprince-Ringuet, Anaïs Demoustier, Julie-Marie Parmentier
Guión: Robert Guédiguian, Jean-Louis Milesi
Fotografía: Pierre Milon
Título Original: Les neiges du Kilimandjaro
Año: 2011
País: Francia
Duración: 90 min.
Género: Drama

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